Mellow Waves to Ripple Waves――コーネリアスの現在
近年のコーネリアスの活動で特に際立っているのは、展覧会におけるプレゼンテーションである。このところ、東京オペラシティアートギャラリーでの〈谷川俊太郎展〉、日本科学未来館での〈デザインあ展〉、21_21 DESIGN SIGHTでの〈AUDIO ARCHITECTURE：音のアーキテクチャ展〉など、断続的に発表されている。それは、マルチ・チャンネルのオーディオ・ヴィジュアル・インスタレーションだったり、コーネリアスの楽曲を複数の映像作家がヴィジュアライズするものだったり、展覧会の音楽ディレクターを務め、サウンド・デザインを行なったりなど、通常のCDのリスニングとは異なるプレゼンテーションが特徴だ。もともとコーネリアスは、CDの聴取体験にとどまらないさまざまな実験を行なってきた。映像とのシンクロやサラウンドミックスなど、コンサートやミュージックヴィデオにおいても、音楽制作に付随した先鋭的な試みによって高く評価されてきたアーティストである。
コーネリアスは、昨年、11年ぶりとなるオリジナル・アルバム『Mellow Waves』の発表から、ツアーとともにさまざまなプロジェクトに精力的に取り組んでいる。オリジナル・アルバムということでは、たとえば11年という年月を待たねばならないのに対して、リスナーにとって、こうしたプロジェクトはコーネリアスから届けられるコーネリアスの活動におけるもうひとつの楽しみであるだろう。
東京・六本木、21_21 DESIGN SIGHTで開催された〈AUDIO ARCHITECTURE：音のアーキテクチャ展〉は、ウェブ、インターフェース、映像の分野で先進的な表現を展開し続けている中村勇吾が展覧会ディレクターを務め、梅田宏明、大西景太、折笠良、辻川幸一郎（GLASSLOFT）× バスキュール × 北千住デザイン、勅使河原一雅、水尻自子、UCNV、ユーフラテス（石川将也）＋阿部舜の8組のアーティストが、コーネリアスによる書き下ろし新曲“AUDIO ARCHITECTURE”をそれぞれ独自に解釈した映像作品を制作している。音楽を、「音色や音域、音量、リズムといった様々な要素によって緻密にデザインされた構造物（アーキテクチャ）」ととらえ、日常においてはあまり意識されることのない音楽の構造を見出そうとする試みである。
〈音のアーキテクチャ展〉の会場構成は、冒頭の稲垣哲朗によるコーネリアスのライヴ演奏映像からはじまり、次の映像が壁面と床面のL字型をなす回廊状の広大な投影空間（Wonderwall 片山正通による）へと続く。その空間で8組＋オムニバスの映像が次々に上映されるのだが、ひとつの楽曲を基軸として、展覧会のほかのすべての映像がそれに同期している。複数の映像作品は次々に繰り返し上映されるので、つまり、楽曲も同様に繰り返し再生されることになり、展覧会をすべて見終わった時には、都合10回以上立て続けに“AUDIO ARCHITECTURE“を聴き続けたことになる。新手の洗脳か、しかも、会場出口には『AUDIO ARCHITECTURE』の7インチが販売されているので、家でも何回でも聴くことができる。しかし、それは音を使った作品の展示における問題点を克服するためのひとつの方法であると感心させられるものでもあった。なによりもサウンド・アートの展覧会の問題とは別々な作品の音の干渉であり、展覧会場で各作品の音を完全に遮断することの困難であると言えるのだから。ゆえに、サウンド・アートの展覧会は、出品アーティスト同士のコラボレーションにならざるを得ない、というアーティストもいた。もちろん、音楽家がひとり、その楽曲をモチーフにした映像作品が多数ある、という構成の展覧会だからこそ可能になったものではあるだろう。
映像は9人9様の解釈の仕方で表現されており、同じ楽曲を使用したものでありながら、すべてが異なる個性を持っていて、まったく飽きることがない。みな映像表現を行なうアーティストではあるが、MV、美術、アニメーション、グラフィック、広告、ダンス、インタラクション・デザイン、プログラミングなどそれぞれの基盤となっている領域が異なっているのが妙味となっているのだろう。
「それまで1曲で展覧会が持つわけないなと思って、けっこう不安だったんですよ（笑）。前日に内覧会があってそこで初めて（完成された展示を）見て、これなら全然大丈夫だと思った」
“AUDIO ARCHITECTURE”では、中村勇吾が作詞を担当し、〈Time / Space〉〈Sound / Silence〉〈Body / Soul〉〈Loud / Quiet〉〈Mellow / Sharp〉といった、対になった単語の組み合わせが、コーネリアスの楽曲として違和感なく耳に入ってくる。
「あれは（楽曲提供を）頼まれたときに勇吾さんがコンセプトを説明してくれて、“AUDIO ARCHITECTURE”っていうタイトルはもらっていたんだけど、具体的に像を結べなかった、それで、キーワードをくださいって言っていくつかもらったものです。ああいう言葉の対比だったり、ほかにもいくつかキーワードをもらったんですけど、それを僕が楽曲に合わせて構成して歌詞にした感じなんです。対比の部分はもっとたくさん例があって、そのなかから僕が数とか歌いやすさとかを考えて構成していきました。勇吾さんも僕のやり方をわかっていたと思うし、それに合わせて使いやすいようにああいう感じで言葉をくれたんだと思います」
最初の部屋で、コーネリアスのライヴ映像が大きく投影されているのとともに、ディスプレイでPro Toolsの画面が映されており、楽曲“AUDIO ARCHITECTURE”を構成する音の要素がトラックごとに波形として表示されていた。展覧会のタイトルどおり、コーネリアスの楽曲がさまざまな個々の音からなる構造体（アーキテクチャ）として意識させられる。現在の音楽制作では欠かせない存在にもなっているソフトウェアだが、最終的にミックスされた音源からは見えない音楽の設計図とも言える情報である。
「あれこそ構造体だから。でも普通の人は興味ないし、見ないよね。でも、ああいうのを見ると意外と細かいことがわかるんですよ。音楽がどういう風に作られてるかとか。このタイミングでこう音が出てるんだみたいな」
Pro Toolsの画面では、時間軸にそって各トラックの音がどのように配置されているのかを視覚的に見ることができるし、全体としての音楽の構造を一望することもできる。それはいわば映像の原型でもあるだろうし、アーティストたちはそのタイムラインをどのように読み解いて映像に置き換えるのかを行なったとも言えるだろう。タイムラインのグリッドに整然と配置された音と沈黙のバランスがこれまでのコーネリアス・サウンドの特徴となっていたと言ってもよい。『Mellow Waves』では、そのグリッドをやめようとしたと言われていたが、今回は映像作品とのコラボレーションということもあってか、グリッドが強調されているように感じる。映像は共同作業ではなく、その表現はまったくアーティストたちに委ねられているという。「何が出てくるか全然わからない」という状態で、しかし、それぞれの解釈はどれも秀逸なものだ。特に楽曲の中から脱グリッドの要素を読みとった水尻自子の作品は気に入っているという。
「水尻（自子）さんのアニメーションは素晴らしかったですね。割とテクノっぽいオプティカルな感じのものになりがちなんだけど、あれが出てくるとちょっとホッとするっていうか。拾ってくるところがやわらかい音ばっかりなんです。お寿司とか。モチーフの選び方とかも（いい意味で）変態的で。あとダンサーの梅田（宏明）さんの作品は会場で観るとすごくいい」
音楽作品を発表する場としてインスタレーションの可能性
梅田宏明の作品では、楽曲とシンクロした光の線条が横長のスクリーンをすばやく横切り、投影空間を効果的に使用していた。床の投影面には観客が入ることができるので、そうした作品では映像と音の中に没入している感覚を得ることができる。その中で梅田のダンスが行なわれる時もある。
また、楽曲の中の音の要素を視覚化する大西景太の作品や動画ファイルのソース・コードを壊して映像にエラーを生じさせるUCNVなど、映像表現はヴァラエティに富んでいる。
「今回みんなおもしろかったんですが、あのひたすら音を追う大西（景太）さん。あれは音の追い方が極めてる感じがしました。あれはすべての音を追っていると思います。UCNVさんは上を歩くとすごい酔うんですよね。ループしたり止まったりするから感覚がおかしくなります」
昨今では、自作の理想的な聴取環境をインスタレーションに求める傾向がある。今回の展示では、サウンドシステム的にはシンプルなステレオだったが、生演奏や再生装置による擬似的な音響空間とは異なる、オリジナルな体験としてのサウンド・インスタレーションという形態にも関心を寄せている。
「今回の展示もライヴでもないしCDでもない、それらと違う音楽の発表の仕方として、坂本（龍一）さんのインスタレーション（設置音楽）がそうなように、たとえば新しいアルバムを発表して何週間かそこでインスタレーションとして体験できるとか、ライヴでもCDでもなくインスタレーションで作品を発表するみたいなかたちもおもしろいなって思いますね」
そして、9月には『Mellow Waves』以降の音源を中心にコンパイルされたアルバム『Ripple Waves』が発表される。細野晴臣、坂本龍一をはじめ、ビーチ・フォッシルズ、80～90年代にフェルトやデニムといったバンドで活動したローレンスらがそれぞれ『Mellow Waves』の収録曲を再解釈（リワーク）したトラック、Drakeのカヴァー、CDには未収録だった7インチシングルのB面曲、ライヴ演奏、そして、先にあげた〈音のアーキテクチャ展〉のために制作された“AUDIO ARCHITECTURE”などの未発表曲や新曲が収められている。当初は、アメリカのレーベルから『Mellow Waves』をSpotifyなどで宣伝するためのリミックスの依頼だった。
「ビーチ・フォッシルズがすごいよかった。この人たちはブルックリンの若いバンドなんだけど。ジャンルもめちゃくちゃで世代もめちゃくちゃで人種もめちゃくちゃな感じで、（リワークは）単純に僕が聴いて好きだった人、やってもらったらおもしろいかなっていう人にリクエストした感じですね。これが縁でビーチ・フォッシルズには去年会ったりしました。あと、フェルトっていうバンドをやってたローレンスが1曲やってくれてるんですけど、それはほんとに、全く違うものになってるよね。リワークのほかにちょいちょい録音してたものとか、テクニクスのオーディオテスト用の音源をもとにした“Audio Check”とか。『Mellow Waves』周辺で作っていたいろんな曲が溜まってきたんで1回まとめたいなと思って」
10月から行なわれるツアーでは、ヴィジュアルとライトワークに加えてプラスの演出を考えてもいるという。前回演奏されなかった曲などを含む、『Mellow Waves』ツアーの集大成的なもので、ライヴハウスではなくホールでゆっくり体験できるものになる（観客の高年齢化に伴い?）。アルバムともども期待して待ちたい。（interview & text：畠中実）
コーネリアス（Cornelius）
1969年東京都生まれ。
’89年、フリッパーズ・ギターのメンバーとしてデビュー。バンド解散後、’93年、Cornelius（コーネリアス）として活動開始。現在まで5枚のオリジナルアルバムをリリース。自身の活動以外にも、国内外多数のアーティストとのコラボレーションやREMIX、プロデュースなど 幅広く活動中。
GRAVITY OF CORNELIUS――コーネリアスの引力
コーネリアスこと小山田圭吾は、時代の最先端をいくというより、時代の波打ち際でゆらゆらと漂うような存在だ。その不思議な引力で、同じように浮遊する何かを引き寄せたり、引き寄せられたりする。
デビュー当時、小山田はカジヒデキ『ミニ・スカート』に参加したり、カヒミ・カリィ『クロコダイルの涙』やピチカート・ファイヴ『ボサノヴァ2001』のプロデュースを手掛けるなど、注目を集め始めた東京発のポップ・シーン、後に“渋谷系”と呼ばれることになるミュージシャンの作品に参加。また、〈トラットリア〉というレーベルを立ち上げると、小山田がこよなく愛したイギリスのレーベル、〈el〉の精神性を受け継いで、カヒミ・カリィ、カジヒデキ、ルイ・フィリップ、アップルズ・イン・ステレオなど、国内外のマニアックで趣味性が強いアーティストを次々とリリースした。そして、97年にNYのレーベル、〈マタドール〉と契約したことで、コーネリアスの名前は海外に響き渡るようになり、ベック、ブラー、アート・リンゼイ、フィリップ・グラス、スティング、Ｋ.Ｄ.ラングなど、様々なアーティストの作品をリミックス。コーネリアスが海外の音楽シーンに与えたインパクトは、YMOと比較されることも多かった。
実際、YMOの３人はコーネリアスの才能を高く評価していて、小山田は〈SKETCH SHOW〉や〈HASYMO〉のサポートを何度も務めたし、坂本龍一の『Chasm』にギタリストとして参加。『細野晴臣トリビュート・アルバム』に収録された“Turn Turn”では坂本とコラボレートしている。また、高橋幸宏『Page By Page』にギターで参加した小山田は、その後、高橋が結成した新バンド、〈METAFIVE〉にギタリストとして招かれるなど、YMOメンバーの信頼は厚い。また、〈METAFIVE〉のバンド仲間でもあるTOWA TEI『BIG FUN』『EMO』や高田漣『アンサンブル』に参加するなど、YMOチルドレン的なミュージシャンとの親交も深めていった。
そんな小山田の才能に注目した一人、ショーン・レノンは、母親のオノ・ヨーコのバンド、〈プラスティック・オノ・バンド〉再結成の際に小山田をギタリストとして招いて、“ビトウィーン・マイ・ヘッド・アンド・ザ・スカイ”を発表。コーネリアスが手掛けたサントラ『攻殻機動隊 新劇場版 O.S.T.』では、コーネリアスとのコラボ曲“Heart Grenade”を提供した。
最近では、salyu × salyu『s(o)un(d)beams』のプロデュースをはじめ、青葉市子と妖精たち『ラヂヲ』や、やくしまるえつこ『ヤミヤミ・ロンリープラネット』に参加するなど、新世代アーティストとも共演。また、『攻殻機動隊 新劇場版 O.S.T.』や自作『Mellow Waves』で坂本慎太郎に歌詞を依頼して、これまでのコーネリアスの歌の世界とはひと味違った新境地を切り開いている。（text：村尾泰郎）
LIVE INFORMATION
FESTIVAL
（終了）2018年9月1日（土）｜TOKYO JAZZ @ NHKホール
www.tokyo-jazz.com/
Mellow Waves Tour 2018
（終了）2018年10月3日（水）｜18:30開場／19:00開演 会場：福岡・福岡国際会議場 メインホール
（終了）2018年10月5日（金）｜18:30開場／19:00開演 会場：大坂・オリックス劇場
（終了）2018年10月8日（月）｜16:30開場／17:30開演 会場：東京・東京国際フォーラム ホールA
2018年10月19日（金）｜18:30開場／19:00開演 会場：岡山・岡谷市立市民文化ホール
2018年10月21日（日）｜17:15開場／18:00開演 会場：愛知・日本特殊陶業市民会館 ビレッジホール
2018年10月24日（水）｜18:30開場／19:00開演 会場：北海道・札幌市教育文化会館 大ホール
2018年10月27日（土）｜17:00開場／18:00開演 会場：宮城・電力ホール
ヘリオス・グルーヴィーナイト vol.28
（終了）2018年10月13日（土）｜17:30開場／18:30開演
会場：富山・南砺市福野文化創造センター 円形劇場ヘリオス
Mellow Waves Tour 2018 – Taipei
2018年11月9日（金）｜19:00開場／20:00開演
会場：台湾・Legacy台北
Clockenflap 2018
2018年11月9日（金）～11日（日）
会場：香港・Central Harbourfront Hong Kong ※Corneliusは11日に出演
EXHIBITION INFORMATION
AUDIO ARCHITECTURE：音のアーキテクチャ展
（終了）2018年6月29日（金）～2018年10月14日（日）
会場：21_21 DESIGN SIGHT ギャラリー1&2
○展覧会ディレクター：中村勇吾
○音楽：小山田圭吾（Cornelius）
○会場構成：片山正通（Wonderwall）
○参加作家：稲垣哲朗、梅田宏明、大西景太、折笠 良、辻川幸一郎（GLASSLOFT）× バスキュール × 北千住デザイン、勅使河原一雅、水尻自子、UCNV、ユーフラテス（石川将也）＋阿部 舜
○技術監修：遠藤 豊（LUFTZUG） グラフィック・デザイン：北山雅和（Help!）
○テキスト：ドミニク・チェン
○21_21 DESIGN SIGHTディレクター：三宅一生、佐藤 卓、深澤直人
○アソシエイトディレクター：川上典李子
www.2121designsight.jp/program/audio_architecture/
NHK Eテレのデザイン「あ」――サウンド・デザインとアイデアの見本帳
大規模展開催中のNHK Eテレの番組のサウンドトラック。番組は佐藤卓を総合ディレクターに2011年に本格的にスタート、中村勇吾が映像を監修、小山田圭吾が音楽ディレクターを担当したのも大きな話題となった。番組は現在も継続し、番組内のコーナーから生まれた楽曲を編んだシリーズは『1』は5年前に、『2』と『3』が今年あいついでリリースとなった。
路線は変わらない。サウンド・デザインなる用語は、思い返せば1990年代末から2000年代はじめにかけてのIDM～エレクトロニカないし音響系界隈で頻々と耳にするようになり、ほどなく一般化したが、定義は明確ではなく、音響設計に自覚的なラップトップ・ミュージックといったほどのもので、受容形態ひとつでそれらは広義の電子音楽にもダンスミュージックにもアンビエントにもなりうる間口の広さもある。ともあれコーネリアス＝小山田圭吾はそのような傾向にコミットするというより潮流をかたちづくったひとりであり、ことに『FANTASMA』から4年の間を置いた『point』でそのスタイルはゆるぎないものになった。徹底的に考え抜いた音を聴覚空間上に周到に位置づけ時間のストーリーを紡ぎ出す、その音楽的な方法に勝るとも劣らないのは視覚的な喚起力であるのはこの時期のMVで辻川幸一郎とのタッグがひとつの完成形をみただけでなく、のちのシンクロナイズド・ショーの原型ができあがっているのでもわかる。
本シリーズは、いわばその後十年のストックを元にした発展形で、中村勇吾というもうひとりの達意のコラボレーターをえたことで音楽と映像は従属関係をときはなち、たがいを挑発するというよりも創発する関係に入っている。私は以前中村さんに話をうかがったさい、コーナーの絵コンテをみせて説明しているあいだに小山田さんの頭のなかではもう音楽ができあがっている、とおっしゃっていたのもそのことを裏打ちするが、そのような着想の速度が小山田圭吾の本シリーズにおけるポップ性をきわだたせてもいる。ジングル的な楽曲も多く、断片的な印象も受けるが、短い尺のなかに耳のためのドラマが多々あり、音色や手法からメタファイブや『Mellow Waves』との位置関係を考えるのも楽しい。やくしまるえつこ、ショコラ、原田郁子、ハナレグミ、環ROY × 鎮座DOPENESS、高橋幸宏や坂本真綾からチボ・マット、さらにはアート・リンゼイまで、小山田圭吾を中心とする聴く交遊録と見なすこともできるし、参加者のだれもが遊び心と幼心と大人心をもっているのもいいですよね。（text：松村正人）
EXHIBITION INFORMATION
企画展「デザインあ展 in TOKYO」
（終了）～2018年10月18日（木）まで
○会場：日本科学未来館 1階 企画展示ゾーン（東京・お台場）
○総合ディレクター：佐藤卓
○映像ディレクター：中村勇吾
○音楽ディレクター：小山田圭吾
○展示構成、ディレクション：岡崎智弘／パーフェクトロン／plaplax（プラプラックス）
www.design-ah-exhibition.jp/
■山梨会場
会期：2019年4月から
会場：山梨県立美術館 （山梨県甲府市貢川1-4-27）
■熊本会場
会期：2019年6月から
会場：熊本市現代美術館 （熊本県熊本市中央区上通町2番3号 びぷれす熊日会館3階）
Mellow Waves to Ripple Waves – Cornelius, updated
Among current performances of Cornelius, “art exhibition presentations” are distinctive. “Tanikawa Shuntaro” at Tokyo Opera City Art Gallery, “Design Ah! Exhibition in Tokyo 2018” at Miraikan, “Audio Architecture” Exhibition at 21_21 Design Sight, all these are the latest exhibitions of the Cornelius, which have been designed, (or architected) based on independent themes and concepts respectably. At some of these exhibitions, Cornelius tries multi-channel audio-visual installation and visual presentations of his music by visual artists. And in other cases, he directs and designs soundscapes for the exhibitions, which generate a distinctive listening experience from that of the CD. Cornelius has been already recognized as the artist who has been performing experiments to go beyond the listening experience of the CD in ordinal context. Synchronizing visual footages with music on the stages, and mixing MV in surround settings are some of the advanced achievements of all his acclaimed performances.
Last year he released his own album, Mellow Waves after 11 years of silence. Since then, Cornelius has passionately worked on many varieties of projects, besides the concert tour. But suppose that you would need another 11 years for his new album coming out. You had better enjoy the installations as unpredictable gifts from Cornelius.
The exhibition “Audio Architecture" at 21_21 DESIGN SIGHT Tokyo Roppongi is hosted by the exhibition director, Yugo Nakamura, who has been developing advanced expressions of art employing high-tech in the field of web design, interface design and film. 8 artists ; Hiroaki Umeda, Keita Onishi, Ryo Orikasa, Koichiro Tsujikawa (Glassloft) x Bascule x Kitasenju Design, Kazumasa Teshigawara (Qubibi), Yoriko Mizushiri, UCNV, Euphrates (Masaya Ishikawa) + Shun Abe, have produced 8 different visual presentations based on “Audio Architecture” by Cornelius, a newly commissioned composition for the exhibition, exclusively. Each artist shows their own interpretations of this one song. All these presentations give visible forms to the invisible audio structure in its ordinal appearance, in regards music as “a structure (architecture)” assiduously designed with the sound elements of tone color, pitch, velocity and rhythm.
Layout of the exhibition “Audio Architecture” opens with visual realization of Cornelius’ live performance directed by Tetsuro Inagaki, followed by large projection space along the corridor, bending or dividing the projected image in the shape of an “L” at the corner of the wall, and its bottom (space designed by Masamichi Katayama / Wonderwall ). In this projection space, images created by 8 artists are screening one after another, accompanied by one same piece of music. This one song synchronizes with all projected images at the exhibition. So, the one sequence of the 8 visual works and live footage turns out to listen to “Audio Architecture” 9 times in a row. Maybe you could claim, “Is this a new method of brainwash?” And yet, you can buy 7 inch single of “Audio Architecture” at the exit of the hall. So at home, the endless listening to it is possible, if you want to be washed.
However, I was impressed to realize this exhibition shows a possible solution to “art exhibition presentations” with sound. More than anything, the crucial problem, concerned with Sound Art exhibition is all about interferences among generated sounds by co-exhibiting works at the exhibition. Therefore, the nature of Sound Art exhibition is its collectiveness, and collaboration among the artists, said a sound artist. I really understand that exhibition “Audio Architecture” is possible just because there is only one composer / performer with one song shared by 9 visual artists, making 9 different presentations of it.
Each presentation by 9 unique artists, based on the same song, displays their own distinctive interpretations, so you will ever get untired. All the enrolled artists are deeply involved in visual presentations such as MV, Art, Animation, Graphic Design, Advertisement, Dance, Interactive Design and Programming. 9 artists with different backgrounds are to differentiate the presentations.
“I was really worried, till I saw the presentations. You know, one song can never be enough for the entire exhibition. At the private viewing, a day before the opening, finished presentations have kicked off my anxiety. And I thought everything would work fine, then.” Yugo Nakamura wrote lyrics of “Audio Architecture”, using the pairs of words, “Time / Space”, “Sound / Silence”, “Loud / Quiet”, “Mellow / Sharp”. Those are familiar idioms for the songs of Cornelius.
“When the commission was offered, Yugo illustrated me the concept of the exhibition. I knew the title would be Audio Architecture, but it gave me a vague idea of it. So I have asked him for more keywords related to the concept. Those contrasts between words and other keywords given by him were becoming the resource for me to finish the lyrics. There are some more pairs of words given as inspirations. I picked up the words out of those and composed the lyric in accordance with the nature of the melody, and the duration of the song. Yugo knows what I usually do for my composition, and that’s why those words fit into my song or my songwriting.”
In the first room, you would see the projected live performance of Cornelius with the graphic interface of Pro Tools which shows visible sound waves of each tracks running on the mix window of Audio Architecture. As the exhibition title tells, the image coming from graphics interface of Pro Tools is giving the song by Cornelius, a visual definition of the structure (architecture) assembled by each unit of sounds, or notes. Pro Tools is the essential software in current music production process, and its graphic image of mix window of the track, projected at the exhibition space is the invisible blueprint of the song, which is usually left behind the finished product.
“Yes, that’s it. It unveils the body of the structure. But it never draws people’s attention in daily life, and no chance to look at it for them. However, it gives you details of the music, say, how the song is structured, or the timelines of each track is layered.”
The graphics interface of Pro Tools gives you the visual description of the sound located on each track along the timeline, and the whole visual perspective of the song structure. You can say it could be the blueprint of the visual images which provide the leads for 9 artists to decipher the song timeline, to make visual interpretations of it. I might as well say the balance between the sound and silence systematically located on the grid of the timeline is the signature of Cornelius Sound.
Once Cornelius, allegedly got rid of that grid in making Mellow Waves, but Audio Architecture employed the grid, again, to facilitate the collaboration with visual art, that’s what I think. However, interpretations were open to the artists, and there were no interactive communications between artists and Cornelius. But “Very unpredictable!” situation has brought about fine results. Among those, the work of Yoriko Mizushiri has come to Cornelius’s attention in this view. Her work keenly found a hidden message of his off-grid desire.
“The animated one by Mizushiri is wonderful. When you come up with the music like Audio Architecture, to make the animated presentation, the idea of the presentation is prone to fall into technotic and an optical one. But her version totally got rid of that kind, and I feel relieved to see that. She picked up only soft sound out of the music, like “Sushi”. I feel, her choice of these motives is spooky, but it’s really good. And among others, the one by the dancer, Umeda fits into the presentation site quite well. That was impressive, too.“
Possibilities of Installation, as the new channel for music / sound presentation.
The work of Hiroaki Umeda, in which the trajectories of lights synchronized with the music traverse the horizontally long screen, uses projection space quite effectively. In the projection space, the visitors can go inside of the projected images onto the floor. And that experience could give them the impression that images and sounds swallow them. In addition to that, occasional dance performances by Umeda could happen in that area. Keita Ohnishi’s work visualizes the sonic elements in the music, and the one by UCNV utilizes the errors of visual images triggered by the intentional malfunction of the source code of the video file. As you see, the visual expressions presented at the exhibitions are diverse.
“I really enjoyed every presentation there. Say, Onishi, he assiduously pursues every note, sounds of the music. His skill of pursuing them is the art. The elements of visual there follow every note and sounds. When you walk on the projected image by UCNV, you feel nausea. The cutouts and the loops of the image, confuse your perception.”
Recent trends show that the installation is favored by artists because it provides the perfect situation for their visual – audio presentation. Simple 2 channel stereo sound was their choice of the audio output at this exhibition. However, Cornelius is interested in developing the form of sound installation, inducing a physical experience, which differs from live music performance and virtual listening experience by the home sound devices. “The exhibition like this is neither live performance nor playing the CD. Ryuichi Sakamoto’s installation (installed music) would illustrate such possibilities as the installation to broadcast new music at the release of new album, for weeks. It is fun to have other approaches to presenting works, not through the CD, but installation.”
In September, the album Ripple Waves, compiling music produced after Mellow Waves is ready to release. The tracks on the album cover the reworks, or re-interpretations of pieces of Mellow Waves by Haruomi Hosono, Ryuichi Sakamoto, Beach Fossils, and Lawrence, playing in the band as Felt, and Denim in 80’s to 90’s. Also, the cover song of Drake, an excluded song from B side of 7 inches single, live performance, and unpublished, and new songs written additionally for “Audio Architecture”, are included.
The original proposal was made by the records label in the States, to promote Mellow Waves on Spotify.
“I was taken by the track of Beach Fossils. They are from Brooklyn and have just started the band. I have offered to these musicians to do re-works just because their music is my taste, and they surely bring about some interesting results. Yes, I know my selections of the genre, generations, and ethnic backgrounds, are awfully inconsistent. Through this offer, I have met Beach Fossils last year. I would like to mention one song done by Lawrence from the ex-Felt member. This one sounds totally different from my original version. The idea of Ripple Waves is to compile songs accumulated as the residue while producing Mellow Waves, together with reworks. I have been keeping many pieces of music such as recordings without any particular purposes, or “Audio Check” produced for the use of audio test requested by Technics.”
Mellow Waves Tours 2018 starting from this October are to render visual effects and stage lights, with some more ideas. The would-be set list includes songs not played last year. You can say this one would be the culmination of Mellow Waves Tour lasting from the year 2017, and to accommodate senior, aging up with Cornelius, in a courteous manner, the concert halls, not small venues are waiting. Should be fun!
(Interviewer; Minoru Hatanaka / Translated by K. Takami (Intoxicate))
