ROTH BART BARON（以下、ロット）がニュー・アルバム『HEX』をリリースした。前作『ATOM』（2015年）から約3年半と、やや長めのブランクを要した同作。その間もバンドは、〈フジロック〉への出演も含めた数々のライヴを重ね、2017年にはイギリスで録音したEP『dyiing for』を発表するなど、精力的な活動を止めることがなかった。さらに、クラウドファンディングをプラットフォームに、バンドとリスナーのコミュニケーションで成り立つプロジェクト〈P A L A C E（β）〉を今年の6月に始動。バンドの運営面においても、新たなテクノロジーや価値観を活用した〈現在性〉に大きな注目が集まっている。
その一方で、彼らのアイデアや動きが斬新であるがゆえに、サウンドや作品の内容そのものよりも、外枠やアティチュードに焦点を当てられることが多いのも事実。それゆえに、このインタヴューでは、新作『HEX』の音楽的な特徴と、それらが作品のいかなるテーマを反映したものなのかを炙り出すことに注力した。例えば、本作のトピックのひとつは、チャンス・ザ・ラッパー周辺で活動する、シカゴの鋭才エンジニア、エルトンミックスエディット（L10MixedIt）が2曲でミックスを担ったこと。では、いまロットはなぜ彼の作り出す音を必要としたのか? 六角形や魔法を意味する『HEX』というタイトルのもと、バンドは何を歌ったのか? フロントマン／ソングライターの三船雅也に尋ねた。
ラップトップの時代に、バンドが鳴らすべき音とは
――前作『ATOM』から約3年半と比較的長めのスパンをとりましたね。
「率直に言うと、ソングライティングの面ではちょっとしたスランプに陥ってたんです。自分がギターを弾いて作った曲に、自分で感動できなくなっていた。みずからを超えなくなったというか。いままでミニ・アルバムも含めると4枚以上の作品を作り、それらの楽曲を長いこと演奏してきて、自分がどんな指を使ってどんなコードを弾いて、弦の響きはこうでみたいなことを、わかってきすぎちゃったんですね。それをピアノに変えるとかいろいろやってみたんだけど、全然ダメで。3年間で120曲ぐらいは作ったんですけど、自分では全然ときめかなかった。だから、〈これらをいつ出すの!〉っていう状態だったんだけど、新しい音源を作るにあたって、いままでの方法論じゃ満足できないことは明白だったし、過去の焼きまわしはしたくないという意思もあったんです」
――そのスランプを打破するきっかけとなったのは?
「アルバムのタイトルにもなった “HEX”が去年の夏くらいに、ポンとできたんですよね。以前に作っていた曲から西池（達也／サポート・キーボーディスト）さんのピアノをサンプリングして、わざとパパパと切って、それをパットに打ち込んで叩いたりしながら、ギターの音とかもカットアップしたものを貼り付けていったんです。そしたらスーッと曲になった。そこで、自分のなかの突破口が開けたし、なんか、芯を掴めた感じもあって。〈ああ、この曲は10年演奏するな〉と思えたんです」
――“HEX”のどんな点に、三船さんとしては先に進めた手応えを感じたんでしょうか?
「いまは、いわゆる〈バンド・ミュージック〉の存在感が薄い時代ではありますよね? それがメインストリームじゃなくなったし、USのインディー・バンドと話しても、彼らも元気がないっていうか、ネガティヴなことを言っている印象が強い。ラップトップで音楽を作ることが主流になった世界で、いわゆる生ドラムで一斉に演奏して……というやり方を一歩立ち止まって考えて、というムード。
そのアナログとデジタルじゃないですけど、肉体性と非肉体性みたいなものとのバランスをとることで、変わることに成功したり、変わらないことを選んだり、いろんなミュージシャンがいたと思うんですけど、僕たちも〈じゃあ、一体どうするか〉ってことに向き合ってはいたんです。“HEX”を作れたことで、自分のなかでそことうまく折り合いがついたんですよね。自分たちのフィルターを通したうえで、いまの時代とそのフィールに合う音楽をどう鳴らせるかに、ようやく辿り着けた」
iPhoneやPCで聴いたときに輝く、2018年的なサウンド
――確かに“HEX”はロット流の起伏が豊かなメロディーという芯は揺るがずに、エレクトロニックな音作りと、ポスト・クラシカルなアレンジを見事に溶け合わせた楽曲になっていますね。アルバムでは、この曲と“SPEAK SILENCE”を、シカゴのエンジニア、エルトンミックスエディットがミックスされています。彼にお願いしようと思った背景は?
「シカゴの彼らを取り巻く環境は、ものすごくスピードが速いし非常に現代的だと思ったんです。チャンスのブレイクはやっぱり痛快だったし、彼らのシーンを見渡してみるとジャミーラ（・ウッズ）やノーネームといった女性もいるし、セン・モリモトくんとかブラックじゃない人も〈別にヒップホップやっていいんだ〉って当然のようにいる。しかも、いわゆるヒップホップじゃないですよね。チャンスもそうだけど、彼らが作っているのはあくまで〈ソング〉なんだと思う。
まあ、ロック・バンドでも、近年はホイットニーとかが出てきたけど、そもそもウィルコがいて、ジム（・オルーク）さんもいて、〈音響〉の面でもすごい街だし、ブルースも有名。だから、もともとシカゴは自分が憧れていた街の一つでもあったんです。いまのシカゴ・シーンみたいなのを見ても、そういう歴史性だったり文脈だったりが、横断しつつ繋がっている感じがする。
そのうえでも、チャンス周辺の子らは、非常に2018年的で人種も関係なく、ヒップホップっていうジャンルにも縛られず、パッケージを作るという古い慣習に囚われることもなく、音楽をすぐポンって出せるフットワークの軽さがある。実際エルトンくんもアジア系アメリカ人だけど、彼がヒップホップ＝ブラック・ミュージックのミックスを任されているという、そういったセンスと目線っていうのを共有したくて、いまのシカゴの音楽家と一緒に作りたいなと思ったんです。そのうえでいろいろ聴いてみて、〈いいな〉とフックしたものは、みんなエルトンくんがやってたんですよね」
――アルバムに収録した10曲のなかでも、〈エルトンの手を借りるならこの2曲だ〉と思った理由は?
「みんなが一斉にガチャガチャと音を鳴らしている、いわゆるバンド・サウンドではなく、スペースのある楽曲という点からですね。エルトンくんなら、その空間をうまく扱えるだろうって」
――実際に彼からあがってきたミックスを聴いて、どう思われました?
「音像として非常に良いなと。過度なところがなく、でも現代的なロウ（低音）感が入っていて、耳が疲れないっていう絶妙な位置を突いてきた。実は、最初聴いたときは、〈ちょっと緩くてメリハリのないサウンドに思われちゃうかもな〉と思ったんです。でも、いまラジオでかけてもらったり、 言っちゃうとYouTube とかでコンプされた環境で聴くと、もうバッチリ。もう、すげーうまくやるなーってムカつくくらいでした（笑）」
――いい話ですね（笑）。
「だからその……いまの耳ですよ、iPhone のイヤホン、スマホやMac のスピーカーで聴いてもちゃんと聴こえる帯域で音作りをしているし、いいオーディオを使っても気持ちよくロウを出せている。それはすごくいまのサウンドだと思います。
事実、ロウで表現できることが増えたっていうのは、現代のミュージシャンにとって、かなり大きなトピックなんですよ。この間、岡田（拓郎）とも話したんだけど、先日リリースされたビートルズの〈ホワイト・アルバム〉のリミックス盤はマシュー・E・ホワイトの音源かってぐらいロウがバシバシ出ていて、〈これビートルじゃねえだろう〉っていう感じ。で、ミックスした人※も結構若い子で、ビートルズだからって臆せずにミックスしたと言っていたから、そのフィールは自分にもすごく必要だと思ったし、その正体を知りたいなと思った。
※アビィロード・スタジオ所属のサム・オケル
いまだに日本は、メジャーでもインディーでも、ヴォーカルが強めで、ロウをカットしちゃって、ハイがチリチリ痛いっていうサウンドが多いと思うんですけれど、高音を過度に出しすぎず、リッチな低音をちゃんと出して、そこを下品にならず繊細にやるというのは、アメリカの人、いい仕事していますね。それをちゃんと自分たちの血肉にして、日本で鳴らしたいなっていうのはいつもすごく思っているところで」
現代のフォークを成立しえる条件
――“SPEAK SILENCE”や“VENOM～天国と地獄”は、プロダクションがエッジーな一方で、同じメロディーの反復で不思議な昂揚感を出すという、フォーク・ソングにおけるトラディショナルな楽曲構造が敷かれています。そのコンビネーションがおもしろい。
「制作の方法としては、つらつらと書いた楽曲をストレートに録ったんじゃなくて、そもそも作曲の時点でかなりチョップしているんですよ。プロダクション的にもシンプルに見えるけど、一回録った素材をデジタルに変換し、カット&ペーストしていて、だから中原（鉄也）のドラムはブレイクビーツっぽくなっている。なので、フランケンシュタインの人造人間みたいな縫い目が曲にある―――〈フォーク人間〉、フォーク・ソングになっているというかね。フォト・コラージュっぽいイメージが自分のなかにはあるんだけど、多くの要素を含みつつ結果的に一つの絵になったときに、それが自分の持っているフォーク性に辿り着いた。いままでと方法論は違うんだけれど、結局、着地点はよりいっそうフォークになってしまったという」
――サブスクリプションがリスニングの主流になったことも関係して、いまのポップ音楽は1コード／1ループの楽曲が主流にはなっていますよね。どこを聴いても、コーラスに辿り着けるという。ただ、あらためて考えると、それはフォーク・ソングの特性にも近い。三船さん的にも、フォークの持つそうしたアクチュアリティーを再発見したのかなとも思ったんですが。
「なるほどね。ただ、音楽シーンをふまえてというより、経験から〈フォーク〉により向かっていったという感じかな。僕らはフォーク・ミュージックをルーツに持っているから、〈フォーク・ロック・バンドです〉と自称しているんですけど、フォークス＝集団という意味で、そこに属しているみんなで歌うための音楽ですよね? 僕らのバンドは、2人を最小単位として、いまのところ最大で11人編成になったけれど、〈ただ1人でない〉という意味で自分たちは〈バンド〉だという意識があるんです。
そのうえで、『ATOM』以降、いろんな国を回れたってのは大きかったと思う。僕らが日本語で歌う音楽を聴いてくれる、違う国の人がいるっていうのをみんなで共有できたし、そういった人たちのための僕らかもしれないと思うと、ロットはなんかすごくデカくなる要素を持っているなって。
聴いてくれるみんなのぜんぶを抱えることはできないかもしれないけれど、三船という人間は欲が強くてすべてを叶えようと思ってしまうので（笑）、抱えたいと思っているんだろうなという気はします。そういう意識が芽生えてきましたね。そうね……ニール・ヤングの“After The Gold Rush”じゃないけど、いずれはみんなで宇宙船に乗るのかもしれないね」
――現代のフォークスとは何かを突き詰めたとき、それを成立しうるものとして、バンドやリスナーが意見やアイデアの交換を行えるオンライン上のプラットフォーム〈P A L A C E（β）〉をやられているという面もありますか?
「オンラインであり、オフラインであるという両面を持っているのが、いまのフォークだと思うし、だから地域に依存しないものではありますよね。どこに住んでいたっていいし、観たい人は生で観られるし、あとからでも参加したい人は参加することができる。置いていかれて負い目を感じるとか、なにか発言しないといけないとか、そういうのを感じる必要もないし、そういった意味ではかなり自由だとは思う。
〈P A L A C E（β）〉のなかでも、もはやバンドを介さずに、リスナー同士で勝手に仲良くなっているし、オフラインでも会ったりとか、そういうのが起きているのはすごくおもしろいです。めざしているのは、地域や生活環境とかに依存しない、でもどこかしらで共通の魂を持った人たちが緩く長く繋がっている状態。そういうグラデーションのある相互の関係、明確でなくていいし、疲れたならやめちゃっていい――そういう繋がりを持てると芯が強くなるなという印象が僕のなかではあるんです。やりながらちょっと確信を得ましたね。そこではハイブリッドであること、オフラインとオンラインが両方付随しているところが肝になっているように思う」
歪さや異分子を含めたコミュニティー・ミュージック
――いま話してくれた〈P A L A C E（β）〉のありかたは、アルバム『HEX』の下敷きにもなっていそうですね。
「アルバムに内包するテーマとして、〈人と人との繋がり〉みたいなものが出発点ではあるんです。日本もいま移民を増やすのか／増やさないのかというのが問われていると思うんですけど、すでにこのタワーレコードのオフィスの隣にあるローソンには外国人の店員しかいないですよね? そういう現状があるなかで、なんていうのかな……それをちゃんと音楽に内包していくというか、いろんな人種がいて、いろんなコミュニティーがあって、いろんなフォークスがあるという、バンドの活動としてそれらを表現したいとは思っています」
――それは、物事を二極化でジャッジしない、多様な価値観や〈正しさ〉を許容するという態度でもある?
「〈正しいことであることが正しいことではない〉という考えに基づいているとは思うんですよね。ようやくLGBTって言われるようになったけど、 LGBTのなかにもすごくグラデーションがあるじゃないですか。好きな色が違うとか、服装のセンスが違うとか、そういうのと同じ。一人一人の人間をiPhoneに喩えると、同じ器に見えても、その中に入っているアプリは全然違うし、バックグラウンド画面も違う。だからこう、ウォーホールの〈キャンベルスープ〉に近いっていうか、複製だけどちょっと違う感じ、その圧倒的な個性。70億人の違いを一個一個考えたら気が狂うほどで、明確に〈これがこうです〉というのはまったく通用しないと思うんです」
――“VENOM～天国と地獄”の歪んだ音や“Innocence”のインダストリアルなビートなど、今作は意識的にノイズを採り入れている印象です。それは生物学的な集団が、存続していくために一定の異分子を自動的にそなえていることに近いのかなと。アリの集団のなかにも、働かないアリが必ずいるみたいな。
「うん、そういう秘密はアルバム内にいっぱい散りばめられていますね。ノイズであったりバグであったりとか、グリッドに合わせて人間が演奏するという行為自体もHEX （＝六角形）っていうタイトルに関係している。蜂は六角形という人工的な形を自然に作り出して、それを巣として住んでいるけれど、いまは人間も当たり前のようにオンラインに繋がっていて、ボタンを2個くらい押したら、すぐにご飯が届くという世界に暮らしている。そのハイブリッドさのなかに生きている自分たちと、ナチュラルに人工的なものを作り出す蜂は近いんじゃないかなと感じています。
今回、僕のヴォーカルもわざとバツバツに加工していて、よく聴くとすごく変なんですよ、まったくナチュラルじゃなくて。すごく歪な形の人間が透けて見える。ただ、いまの僕たちのサウンドトラックを作るとしたら、そういった表現にしなきゃなって思ったんですよね」
――「マトリックス」や〈エヴァ〉的な個人が世界と一体化している状態ではなく、歪さを含めた違い、多様性も含めて映し出したかったということでしょうか?
「歪さや異物感と向き合わざるをえなかったんでしょうね。日本の社会だと、〈よーっ〉と一本締めをやったとき、みんなが手を叩くタイミングが合うけれど、それをNYでやろうとしても無理でしょう。だってイスラムもいてクリスチャンもいてジューイッシュもいて中国人もいて、それが当たり前なコミュニティーになってるから。そして、日本もさっきも言ったけど、いずれはそうなるんじゃないかなと思うし、その流れはもう止まらないと思う。
だから、その歪な形をどれだけ、好きにならなくてもいいけど、いるよねって認識できるかが大事。無視をしないでほしいし、無視がいちばん怖いですよ。嫌いになってもいいし、好きになってもいい、だけど何も感じなくなるようにはなりたくない」
――異端やマイノリティーの眼差しをどう作品に落とし込むかというのは、ここ数年のアートにとっても基準点のように思います。
「作っている途中にいろんな映画を観たけど、『君の名前で僕を呼んで』（2017年）とかも超マイノリティーの話だったし、『シェイプ・オブ・ウォーター』（2017年）とかもそうじゃないですか? みんな表現しようとすることは近いんだなって励まされたりもしました」
頭が開いて、いくつもの光線が出ていくような超越的な音楽体験がほしい
――今作における三船さんの歌詞は、〈僕ら〉という一人称が多いじゃないですか? 表現が作り手のものであるという価値観も、越えていこうとしている印象だったんです。
「最近すごく思うんですけど、自分の体の外側は自分じゃないのかっていうと、たぶん違うんじゃないかなって。いま亮太さんと話している三船は、亮太さんのなかに存在してる三船かもしれないし、実際、いまいる三船は亮太さんと話すときだけの三船ですよね。逆に田中亮太っていう人間は、俺にとっては別の人として生きているようだけど、でもそれは俺のなかにもいるぞって、なんかシェアし合っている感じ。そうすると他人事じゃなくなるっていうか……急に自分に全部関係があることなんじゃないかと思えてくる。考えすぎると頭がおかしくなっちゃうので、突き詰めないようにしてますけど（笑）」
――（笑）。
「それは、自分が歌う人間だから、いっそう感じたことかもしれないですね。何百人、何千人の前で歌うという環境をもらったときに、その人たちが自分とどこまでセパレートしているかどうかっていうことを考えるようになった」
――さっきiPhoneが喩えに出ましたけど、自分とこの机にある僕のiPhoneと、どっちが本物の自分なのかわからなくなる感じってあるじゃないですか? スマホのほうが世界と繋がっている気がして（笑）。
三船「わかります（笑）」
――それは SNS 以降の感覚だと思うんですけど、その状態は人間の死生観にもすごく影響を与えている気がする。というのも自分が死んだあとでも Twitter アカウントや Facebook アカウントは残っているから、それははたして本当に死んだことになるのかなと。“Homecoming”の歌詞にも〈永遠に僕ら生きてしまおう〉っていうラインがあるけれど、それが願望でなく、ある種のリアリティーを帯びて響いている。
三船「自分が考えてる断片みたいなものをネット上にちょっとずつコピーして置いておくようになって、自分の残り香みたいなものがオンラインにパックされるようになりましたよね。それが100%コピーできるようになったときに、死が乗り越えられるのかはわからないけれど、自分の不在が認識されないという世界はもう来ていますよね。そこは怖いです。もう死ねないんですよ、僕ら」
――いなくなることも不可能という時代において、ロットの音楽がかえりみると、三船さんは壮大なカタストロフを期待している面があるんじゃないかなと思っているんです。
三船「ハハハ（笑）。期待っていうか、カタストロフが起きたときにも楽しめる自分でいたいとは思っていますね。台風の夜でも〈わーい!〉って外に出られる自分でいたい」
――その圧倒的な、ある種の宗教的な諸相さえ帯びた体験というのは、三船さんがロットの、特にライヴで喚起したいものだったりしませんか?
「僕は音楽に死ぬほど感動させられてしまった――雷に打たれたような、全身の毛穴が開くような、頭の後ろがパカっと開いてしまって光の光線がいくつもブワーッと出てくるような体験に何度もやられてしまった人間なので、聴いている人を感動させたいし、自分が感動したいっていうのを大前提として音楽に求めてるんですよね。感動があって泣き崩れるくらいのものでないと何か物足りない。僕は年に1回くらいはそういうやられ方をしたいというか、人生の大事なときにはそうなりたい。自分でそれをやりたいと思って音楽を始めたんです」
――ちょうどツアーの序盤がスタートしたところですが、12月9日（日）には東京のWWWでワンマンが開催されます。この日はフルの7人編成で、VJもいるとか。いま言われたような、すさまじい感動を期待してしまいます。
「トランペットの竹内悠馬、トロンボーンの須賀裕之と大田垣正信に加えて、岡田拓郎にギターで入ってもらいます。で、レギュラーの西池さんがシンセサイザーでいて、あとは僕と中原。自分たちのやりたいことは、『HEX』 を通した目線で、いままでの曲やバンドっていうものを 2018年〜2019年の目線で捉え直す、アップデートしていくってことですね。ライヴはすごくフィジカルなものだけど、そのうえで機械をどうコントロールするのか、あるいは自分たちがどうコントロールされるのか、テクノロジーを使いつつ何を表現するかというハイブリッド感みたいなところが主題になっています」
――『ATOM』時に〈BEAR NIGHT〉 でやられた10人編成のときよりは、サイバー感やデジタル感が強まっているとイメージすればいいでしょうか?
「そうですね。『ATOM』のときは、もっと人間の力で抗おうとしていたけれど、『HEX』ではもっと許容するというか、新しい扉が開いた感じ。映像チームとも曲ごとにミーティングを重ねながら、WWWの大きなスクリーンの良さを生かすライヴ作りにトライしています。音の色彩感的にはソリッドだし、前ほどガチャガチャしてないときもあるかな。そこのスペースに、いかに音を聴くかが観どころだと思う。いまのロットのライヴは、僕ら史上、ものすごくエネルギーに満ち溢れているっていうことを実感していますね」
Live Information
〈ROTH BART BARON "HEX" TOUR 2018-2019〉
2018年12月8日（土）京都 木屋町 UrBANGUILD
2018年12月9日（日）東京・渋谷WWW ※ワンマン
2018年12月22日（土）石川 金沢puddle/social
2018年12月23日（日）富山・高岡 若蔵酒造"大正蔵"
2019年1月12日（土）熊本 蔦屋書店熊本三年坂 ※アコースティック・ライヴ
2019年1月13日（日）福岡・薬院 UTERO ※ワンマン
2019年1月14日（月・祝）山口・岩国 ロックカントリー
2019年1月18日（金）名古屋 伏見 JAMMIN' ※ワンマン
2019年1月19日（土）大阪・心斎橋 Clapper ※ワンマン
2019年1月20日（日）広島・福山Cable
2019年2月2日（土）北海道・札幌Sound Crue
2019年2月3日（日）北海道・札幌Curtain Call
2019年2月10日(日) 静岡・浜名湖 舘山寺
保護者同伴に限り2名まで小学生以下入場無料
会場により学生割引あり
