INTERVIEW

Anchorsongのビートに宿る無国籍感の秘密とは?

インド音楽にインスパイアされた新作『Cohesion』を語る

Photo by MASA HAMANOI
 

ロンドンを拠点に活動するプロデューサー、Anchorsongこと吉田雅昭が、サード・アルバム『Cohesion』をトゥルー・ソーツからリリースする。前作『Ceremonial』(2016年)では、彼のシグネチャーと言えるミニマルでありながらメロディアスな作風に、アフリカン・パーカッションのグルーヴを大胆に取り入れて高く評価された。そこから一転、今作で彼がフィーチャーしたのはインド音楽だ。

タブラやドーラクといったインド伝統楽器の、パーカッションでありながらメロディーを感じさせる独特の響きに魅せられて足を踏み入れたインド音楽の世界。なかでも70~80年代のボリウッドのサウンドトラックを渉猟するうちに彼が見出したのは、〈リズムとメロディーの境界線が曖昧な音楽〉というコンセプトだ。このように、インド音楽のエッセンスを独自に解釈し、みずからのヴォキャブラリーに血肉化することで今作は生まれた。その成果は、ダンサブルなエレクトロニック・ミュージックでありながら、パーカッションからメロディーまでさまざまなサウンドが有機的に絡み合うユニークな手触りが心地よい、サイケデリックでヒプノティックな一作として結実した。

今回のインタヴューでは、インド音楽への傾倒から、今作を生み出した制作の具体的なプロセス、そして異文化に対するアティテュードまでを聞くことができた。吉田を惹きつけたインド音楽の魅力とは何か。MPC2500とキーボードのみを駆使する特異なライヴ・パフォーマンスでも知られる彼の創作の〈芯〉はどこにあるのか。ロンドンに暮らす日本人として、どのように異文化を自身のなかに取り入れていくのか。『Cohesion』の軽やかでポップなサイケデリアの向こうにひそむ彼の美学を辿ってみよう。

Anchorsong Cohesion Tru Thoughts/Beat Records(2018)

 

ボリウッドのサウンドトラックは、さまざまな要素が渾然一体とした音楽

――本作『Cohesion』は、アフリカ音楽を参照していた前作から一転、インド音楽をフィーチャーした作品になっています。前作リリース時のインタヴューでは、オーケストラ・ポリリズモ・デ・コトノーのレコードとの出会いがアフリカ音楽に興味を抱くきっかけになったとおっしゃっていましたが、今作でインド音楽を取り上げるに至ったきっかけを教えてください。

「前のアルバムを作ってから、パーカッションに対する興味がより深まって、いろんな非西洋の音楽を掘り出し、その過程でインドの音楽を聴くようになりました。最初はもうちょっと古典寄りの、ラヴィ・シャンカールなどの音楽から入って、掘り下げていくうちにいちばんピンときたのがボリウッドの音楽でした。

具体的な一枚があるわけではないのですが、例えばファインダーズ・キーパーズっていう主にリイシューをやっているレーベルがあって、そこが出しているボリウッド映画のコンピレーションのなかに『Bollywood Bloodbath』(2011年)っていうボリウッドのホラー映画の曲を集めたものがあるんです。このコンピレーションは、特に自分好みの曲がたくさん入っているという意味で、今作の影響源を紐解くうえで参考になる一枚かもしれないですね」

『Bollywood Bloodbath』収録曲、ヘマント・ボレの“Sansani Khez Koi Baat”
 

――インド音楽のなかでも、伝統音楽よりもそうした現代のインド音楽に魅力を感じた理由は何でしょうか?

「インドの古典音楽も僕にとっては新鮮なものだったし、聴いていておもしろいんですけれど、必ずしも自分がやっている音楽と直接結び付くものではなかったんです。〈自分が音楽を作るうえで使えるかどうか〉みたいな視点で音楽を聴いているわけではないものの、ラヴィ・シャンカールとかを聴いている時点では、今作のような作品を作ろうとは考えなかったんです。ボリウッドの音楽に行き当たって、〈これならもしかしたら自分の作品に反映できるかもしれない〉と思いました。

ボリウッドの音楽は、インドのタブラとかシタールとかそういう楽器を使ってはいるんですけれど、西洋の音楽を大胆に取り入れていて、サイケデリックなギターが入っていたりする。ダンサブルだけどサイケデリックな、ひねくれたポップスの曲が多いんです。僕自身、やっぱりポップスやロックを聴いて育った身なので、ガチガチの古典音楽というよりは、そういう音楽のほうが馴染みがあったということはあったと思います。

ボリウッドのサウンドトラックは、ある意味では似た曲ばかりということもできるんですけれど、とにかく唯一無二だと思っていて、ポップなんだけどダンサブルでパーカッシヴ、さまざまな要素が渾然一体とした音楽という印象があるんですね。ただ、時代を追って聴いていくと、80年代の末から個人的に興味が持てない曲が増えてきました。自分の好みが70年代の後半から80年代の前半だとわかったので、以降はその年代を中心的に掘りましたね」

 

僕にとってインド音楽はあくまで異国の地の音楽

――タブラやドーラクといったインドの伝統的なパーカッションの音色が印象的な一方で、例えば伝統音楽で多用される変拍子であるとか、インド独特の音階はあまり登場していませんよね。意識的にそうしたクリシェを避けたのでしょうか?

「露骨に、ストレートになりすぎないようにということは意識しました。僕にとってインド音楽はあくまで異国の地の音楽で、レコードから間接的に影響を受けたにすぎないので。これは前作と共通しているかもしれないです。前作でもアフリカ音楽から影響を受けてはいますが、現地のミュージシャンと一緒につくったような作品ではない。受け取った影響を客観的に捉えて、自分の感覚やヴィジョンとマッチする部分を作品に落とし込んだという感じです」

2016年作『Ceremonial』収録曲“Ceremony”
 

――他にも、シタールのような豊かな倍音を持つ弦楽器をあまり使っていませんよね。代わりに、ギターであるとか、あるいは”Resistance”や”Testimony”といった曲ではスティールパンが使われています。

「シタールみたいな典型的なインドの伝統楽器を避けたのも意図的なことです。あまりにストレートにインド的にならないように、自分に馴染みのある楽器を多用した結果、やっぱりギターとかに寄っていったんですよね。スティールパンを多く使っているのは、単純にインドのパーカッションと音色の部分で相性がよかったから。

一方で、スティールパンはカリビアンのイメージがあるので、あまりにいろんな音楽の要素をごちゃまぜにしすぎては不誠実と捉えられかねないという懸念もありました。自分にとって馴染みのあるストリングスやギターといった楽器とうまく組み合わせることで、さまざまなサウンドのうちのひとつとして聴かせることに努めました。

こうしたウワモノの選び方には、ロンドンに住んでいるということが少なからず関係しているんだろうと思います。ロンドンには音楽に限らずオープン・マインドな人が多いので。こっちに引っ越してきてから聴く音楽の幅も広がりました。例えばクラブに遊びにいくと、あるDJがいろんな音楽をかけてもそれを受け入れられるだけの度量がある。こうした音楽に対するオープンな気風が、少しずつ自分の音楽にも表れはじめているかなと思います」

 

MPCとキーボードだけでライヴをするという制限が、やるべきことにフォーカスさせてくれる

――これまでの作品から今作まで一貫して、ベースラインからウワモノのリフまで、メロディーの動きが素晴らしいと感じます。もちろん作品ごとにインスピレーション源やコンセプトは異なっていますが、Anchorsongとしての一貫したスタイルを感じられるのがメロディーだと思います。メロディーへのアプローチにこだわりがあれば、お聞きしたいです。

「僕自身、いろんな音楽を聴いて少しずつスタイルが変わってはいますが、芯の部分を残したうえで変わり続けて行きたいと思っています。その芯の部分にいちばん大きく関係しているのが、僕のライヴ・パフォーマンスだと思います。

僕は活動を始めた10年ぐらい前からいまに至るまで、コンピューターを使わずにMPCとキーボードだけでライヴをしているんですが、やっぱりこのスタイルってできることが限られている。少しずつループを組んでいくので、メロディーをミニマルなものに限定しないと演奏できないんです。この制限が、自分のやるべきことにフォーカスさせてくれる要素になっています。

リズムの部分ではいろいろな新しい音楽を聴いて自分のスタイルを広げていきながらも、メロディーはライヴのコンセプトにある程度沿って考えていくことで、必然的にミニマルになる。前の作品からそこが一貫しているように思えるのは、そこがいちばんの理由だと思います」

2017年のライヴ・セッション映像
 

――その場で楽曲を組み立てていくライヴ・パフォーマンスと普段の制作ではプロセスが異なると思うのですが、いかがでしょう?

「僕のライヴを見て即興だと思う人は少なくないんですけど、実はまったくといっていいほど即興ではなくて、どういうメロディーを弾いてとか、どういうビートを叩いてとか、そういうのは僕の頭の中で決まっているんですね。実際に曲を作っていった過程を集約したものを人前で見せる、というコンセプトなんです。

なので、自分が実際に曲を家で作っているときも、必ずしも最初からどうやって演奏するかを考えて作りはじめるわけではないんですけど、おそらくある程度無意識に根付いているものなので、曲を書いていて〈これは完全にライヴでやるのは無理だな〉と思った時点でボツにしちゃったりするんです。そう感じた段階で、自分の持っている芯から逸れすぎていると判断するというか。曲を作る過程そのものが、僕のライヴ・パフォーマンスの準備段階になっているわけです」

――今作から先行で配信されていた”Testimony”で特に感じたんですが、ダンサブルなトラックである一方で、いわゆるダンス・ミュージックのようにキックやベースといった低音を強調せず、パーカッションのグルーヴを聴かせるようなサウンドになっていますよね。メロディーに対して、こうしたリズムにはどのようにアプローチされているのでしょうか?

「僕は普段、コンテンポラリーなダンス・ミュージックをあまり聴かないんです。テクノとかハウスとかはめったに聴かなくて、普段はソウルやファンクを聴いているんです。それでも自分が音楽を作っている手段はエレクトロニックなものなので、コンテンポラリーな作品としては仕上げたいんですけれど、やっぱり普段からガチガチのダンス・ミュージックに興味がないぶん、身体を揺らせるような音楽を目指すにしても、低音でガツガツ攻めるような音楽にはならない。それよりは、ゆったり聴けるというか、強烈なベースやキックで攻めるのではなく、いろんな楽器が渾然一体としたような音楽がいちばん好みなんです。

だから、ローファイなインドのパーカッションに強烈なキックを4つ重ねてハウス・ミュージック的なものにすることもできるわけですけれど、そういうものよりは、パーカッションのフレーズにマッチするサウンドをひとつずつ重ねていって、最終的にそれぞれのサウンドが一体になるようなものを目指しました。その結果として、強烈なベースやキックが排除されていったんだと思います。

ライヴでやるときは、例えば”Testimony”のような曲はベースやキックがあまり入っていないので、あれをライヴでやろうとすると難しい。ライヴではキックやベースはお客さんの気持ちを盛り上げる要因になるので、そういったアレンジが必要になる曲もあります」

『Cohesion』収録曲“Testimony”

 

いろんな色の糸を組み合わせて絵をつくっていくような感覚で曲を作っていったんです

――ウワモノのリフとインドのパーカッション特有の低音と高音のアンサンブルが絡み合うサウンドは、まさに今作のコンセプトに掲げられている〈リズムとメロディーの境界線が曖昧な音楽〉だと感じられました。このコンセプトに至った理由を詳しく教えてください。

「インドのパーカッションの音色を使うという時点で、そのコンセプトが必然的についてきたんです。僕がインドのパーカッションをおもしろいと思ったことのひとつに、特にタブラのように、はっきり音程がつけられることがあります。もちろんボンゴのようなパーカッションにもある程度、音程はあるんですが、もっとメロディー的にも鳴らすことができるという点に惹かれたんです。

そもそも僕が好きになったインドの音楽、ボリウッドのサウンドトラックには、パーカッションをまるでメロディーの一部のように使っているような曲が多いんです。伝統的なパーカッションがヴォーカルやギターと組み合わさって、それこそさっき言ったような渾然一体とした感覚があるんですね。僕が今作でやりたかったのはまさにそういうことで、パーカッションをメロディーの一部として聴かせるような音楽なんです。

そう考えると逆のことも必要になります。というのは、ギターのリフにしてもベースラインにしても、メロディーがパーカッションに寄り添うようなフレーズが必然的に求められるわけです」

――今作のタイトル〈Cohesion〉は〈結合・凝集〉などを意味する言葉ですが、〈渾然一体とした感覚〉と相通じるニュアンスを感じます。

「〈Cohesion〉は、作品を作っていった過程を一言で言い表した言葉だと思います。インドのパーカッションの音色に寄り添うサウンドを探っていくというプロセスが、ひとつひとつの音楽的要素を結合していくというイメージに近かったんですね。まるで編み物をしていくような感じというか、タペストリーを編むような、いろんな色の糸を組み合わせて絵をつくっていくような感覚で曲を作っていったと思うんです。そういう意味でひとつずつ、糸を編んでいくような感じが、何かを結合していくというプロセスとフィットしたんだと思います」

 

どこにいても生まれ得るし、どこからも生まれ得ないような、そんな音楽に憧れがあるんです

――アフリカ音楽、インド音楽と関心が移行してきたなかで、次に考えている作品の構想などはありますか?

「僕はもともと音楽の作り手である以前にいちリスナーでありたいと思っています。音楽を聴くということ自体が好きなので、新しい音楽を探すために掘ってはいるんですけれど、自分の作品へのインスピレーションを求めてそういうことをしているわけでは必ずしもないんです。

前作ではアフリカの音楽の要素を、今作ではインドの音楽の要素を取り入れたわけですが、いつかは自分のバックグラウンドをどんどん広げていって、本当の意味で無国籍な音楽をつくりたいと思っています。例えば、インドの音楽や中東の音楽などに詳しくなって、知識が雑多に広がっていくことによって、自分がどんな音楽を普段から聴いていて、どういうバックグラウンドを持っている人なのかがわからないような作品をつくれたらいいなというのが目標です。

それに向けて自分のライブラリを広げていく、それはこれからも変わらないと思います。そこに至るまではまだまだ先は長いので、もしかしたら次の作品は別の地域の音楽にインスパイアされた作品になる可能性はありますけれど、本当の意味で無国籍な音楽を作りたいですね」

2014年作『Mawa EP』収録曲“Flamingos”のパフォーマンス映像
 

――先ほどの質問に加えてお聞きしたいのですが、なぜ〈無国籍〉であることに惹かれているのでしょうか? 例えばトゥルー・ソウツのレーベルメイトであるクァンティックのように、コロンビアに実際に移住までするアーティストもいますよね。

「僕自身が異国の地に住んでいる外国人だからというのがあると思います。イギリスに住むようになってしばらく経つんですが、悪い意味ではなくて自分は外国人だという自覚はあるし、いろんなものを客観的に見ることに慣れているというか、自分のまだまだ知らないものに触れてみたい、自分の枠を広げていきたいと思うんです。

音楽を作るうえでも、自分の芯を残しながらもいろいろなものに触れていって、最終的に特定の地では生まれ得ないものになることに憧れがあるんだと思います。日本を離れて海外に住んでいる身として、イギリスに住んでいるからイギリスの音楽を目指すとかではなくて、どこにいても生まれ得るし、どこからも生まれ得ないような、そんな音楽に憧れがあるんです。それは海外に住んでいる外国人というメンタリティーと関係があると思います。

例に挙げられたクァンティックとは、メンタリティー的には近いものの、アプローチは逆というか。僕はむしろ、あくまで外国人としてそういうものに触れていきたい。非オーセンティックであることにちょっとした魅力を覚えていて、必ずしもオーセンティックなものを目指す必要はないと思っているんです。そこにこそ自分の個性が表れると思うし、そうすることで逆に現地にもない音楽が生まれると思うので。

例えば僕が本当にインドに行って、インドのミュージシャンとレコーディングしていたとしたら、もっとインド寄りの音楽になっていたかもしれない。あえてそうしないことで、実際にインドでは生まれ得ない音楽をつくったという自負はあるんです。そういうことをこれからもやっていきたいと思っています」

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