シンガー・ソングライター聖絵（まさえ）のバンド・プロジェクト、un-notが4年ぶりとなる新EP『タイムライン』を配信で発表した。ゲーム・ミュージック、ポスト・ロック、シティ・ポップ、レゲエ／ダブといった様々なジャンルを独自に解釈し、身体性を重視して、一発録りを基調に仕上げられた楽曲は、どれもオーガニックなグルーヴを感じさせる。2011年の活動開始以来、〈バンド〉ではなく〈バンド・プロジェクト〉を貫き作り上げてきた、自由にミュージシャンが関わる風通しのいい活動スタイルは、とても現代的だ。

『タイムライン』では表題曲の“タイムライン”と“YAO-YOROZU”にギタリストの渥美幸裕が参加。新しい日本の音楽を追求し、〈邦楽2.0〉を展開している渥美のギターがun-notの音楽にさらなる彩りを加え、さらにはミックスの森安信夫、録音の明石浩和、マスタリングの柏原譲（フィッシュマンズ／Polaris）といった手練れがサウンド面をサポートすることで、un-notならではの〈新たなアコースティック・ポップ〉を作り出している。渥美はorigami PRODUCTIONSの創設メンバーの一人としても知られ、レーベル初期のセッション・シリーズ〈laidbook〉にも参加している。聖絵と渥美もまたセッションを通じて音で会話をし、〈ああでもないこうでもない〉を繰り返しながら、『タイムライン』を完成させたのだと言えよう。

今回は聖絵にun-notのこれまでを振り返ってもらいつつ、『タイムライン』の制作については、渥美幸裕の弟で、“タイムライン”と“YAO-YOROZU”にドラマーとして参加している渥美秀仁にも加わってもらいながら話を訊いた。なお、『タイムライン』の録音は2019年の末に行われていて、コロナ禍の影響でリリースが延期になったこともあり、un-notはすでに次のプロジェクトへと歩みを進め、クラウドファンディングを始動させている。それについては記事の最後をぜひチェックしてもらいたい。

 

身体的な響きのある音楽は幸せ度が高い

――un-notは聖絵さんのバンド・プロジェクトとして2011年にスタートしてるんですよね。

聖絵「当時、赤坂BLITZでライブができる機会があったので、そのときに私が好きだったプレイヤーにバーッと声をかけて、一緒にやりはじめたのが最初です。ずっとピアノを弾いてたんですけど、un-notになってからギターを始めて、最初に作ったのが“how addicted”でした。それまで友達がやってるバンドに混ぜてもらったり、誰かの伴奏で歌ったりはしていたし、あとはゴスペル仲間と合唱したり、ダンスをしたりもしてたんですけど、オリジナル曲を作って出したのはun-notが初めてですね」

――曲を作る上でルーツとなっているのはどんな音楽ですか?

聖絵「もともとゲームが大好きなので、一番ヘヴィー・ローテーションしてたのはゲーム音楽だと思います。植松伸夫さんや光田康典さんが大好きで、お会いしたいがためにコンサート・スタッフをやったりもしました。ゲーム音楽って一作のなかで統一感があるのに、シーンごとに全然違う風景に馴染むじゃないですか?　しかも、初期は四和音とかなのに、すごく表現力豊かにまとめあげられていて、それだけで情景が浮かんでくる。戦闘シーンの音楽が流れると、戦わなきゃって気分にさせられて、映像の力もあるけど、やっぱり音楽の力はすごいと思って」

――歌詞のファンタジックな世界観にしても、ゲームの影響は大きそうですね。

聖絵「そうだと思います。ただ、（ゲーム音楽のような）インストの音楽に惹かれる一方で、街中では歌の音楽がたくさん流れていて、〈これってもっと混ざらないのかな?〉と思ったんです。なので、un-notではインスト音楽と混ざるような歌もの、声もひとつの楽器として鳴らすような曲がやりたいと思って、それでギターを手に取ったんです」

――なぜ慣れ親しんだ鍵盤ではなくギターにトライしようと思ったのでしょうか?

聖絵「迷ったんですけど……ギターの方が軽かったんです（笑）。今だったらパソコンを買ってるのかもしれないけど、当時はセッションに行きたくて。鍵盤は重いし、エレキ・ギターもちょっと重いから、それでアコースティック・ギターにしたんですけど、今となっては、自分に合ってたなと思います。ギターはピアノよりも身体性が出しやすいので」

――2017年の前作『MUSIC ALLEY』はバンドによる一発録りで作られていましたが、それも身体性を重視したわけですか?

聖絵「身体的に気持ちのいいビートとか、物理的に気持ちのいい音楽の方が好きだなって、ちょっとずつ思うようになったんです。歌ってて気持ちいいと尾骨まで響くんですよ。そういう身体的な響きがある方が、やっていても幸せ度が高いから、そのための録り方をしなきゃいけないし、そういう音楽を作りたい。『MUSIC ALLEY』もそうだし、今回の『タイムライン』にしても、そこは目標としてありました」

 

ああでもないこうでもない、を体現する音楽集団

――身体性に目覚めていったのは実際にバンド・メンバーと音を鳴らすようになったことも大きいと思うのですが、現在のメンバーとはもともとどんな関係性なんですか?

聖絵「全員ライブハウスでナンパしました（笑）。その人のプレイが好きっていうのはもちろん、〈今の人めっちゃかっこよかったね〉と私が言ったときに、それをわかってくれるっていうのも大事。あとは、自分でも私にはめんどくさい部分がたくさんあると思うから、サポートするのが大変だと思うんです。なので、唯一の共通点は〈聖絵のめんどくささに付き合える人たち〉です（笑）」

――じゃあ、プレイヤーとしてのバックグラウンドは人それぞれ?

聖絵「ピアノの（船本）泰斗くんはジャズ／フュージョン系のインストをやってて、秀くん（渥美秀仁）はヒップホップとかロック寄りの音楽が好きだったり、全員バラバラなんですけど、それが逆におもしろくて。

共通点ももちろんあるけど、まったく同じではなく、私がポンと出した曲に対して、違う角度から解釈を加えてくれるんです。例えば、（目の前のお茶を指して）〈これは何ですか?〉と訊いたときに、〈これはお茶です〉じゃなくて、〈これはコーヒーじゃない〉とか〈これはオレンジジュースじゃない〉みたいな言い方でお茶を説明してくれる。ずれることもあるけど、それによって広がりが生まれるのが好きなんですよね」

――あくまで聖絵さんの〈バンド・プロジェクト〉であって、〈バンド〉ではないというのはある意味今っぽいですよね。

聖絵「一周回ってそうなってきちゃいましたね。2011年当時は〈バンドにしなよ〉といろんな人に言われたんですけど、私はすごく違和感があったんです。今やプロジェクト的な在り方が当たり前になって、映像の人も交えてチームでやってる人がいたり、〈コレクティヴ〉という言葉を使う人がいたり……。でも本当に、始まってすぐの頃は〈バンドにしなよ〉とすごく言われたし、2017年に『MUSIC ALLEY』を出したときですら、〈バンドじゃないの?〉と言われましたけど、今回はまだ一度も言われてないですね。10年後にはどうなってるんだろう?」

――また時代が変わって、〈運命共同体、最高!〉となってたりして（笑）。

聖絵「去年は人に会いにくくなったので、オンラインのコミュニケーションが主流になったけど、Zoomで打ち合わせするのにも限界を感じたら、〈もう一緒に住もう〉となるかもしれないですよね。時代はそうやってアンチテーゼで動いていくというか。

〈un-not〉という名前はそういう意味なんですよ。違和感に応えていくことで、前に進んでいく。私的には〈un-not〉の翻訳って〈ああでもないこうでもない〉なんです。一個前のものが否定されて、次のものが出てくるけど、でも一個前のものが悪いわけではなくて、そうやって進んでいくものというか。登山で言うと、右足を乗っけて、ちょっとグラついて、次に左足を乗っけて、そうやって右左右左を繰り返して進んでいく。そんなイメージなんですよね」

 

我が道を貫くネオアコースティック・ポップ

――『MUSIC ALLEY』のリリース時には、un-notの音楽性について〈シティ・ポップ×ポスト・ロック〉という表現をされていたと思うんですけど、どちらの音楽にも様々なタイプがあると思うので、聖絵さんの考える〈シティ・ポップ×ポスト・ロック〉について、もう少し具体的に話してもらえますか?

聖絵「ポスト・ロックはロックのポストだから、かっちりしたロックを受けて、どう壊しにかかるかという挑戦だった気がするんです。『MUSIC ALLEY』の制作時はダーティ・プロジェクターズにハマってたんですけど、〈こんなのアリなんだ?〉という混ぜ方をしていて、崩し方が上手いなって。

シティ・ポップに関しては、人の歩く速度がビート感に繋がってるのか、ネオンの色がコードの音色に繋がってるのか、〈何をもってシティと言ってるんだろう?〉と思ったときに、私自身が東京生まれ東京育ちだから、シンプルに私が生きてきたビート感を音楽にしたらどうなるんだろうなと思ったんです。当時世間でシティ・ポップと呼ばれていたSuchmosさんとかも聴きつつ、自分なりにシティ感のある音楽を作ってみた感じ」

――ジャンルをジャンルとして捉えるというよりも、その言葉をどう自分なりに解釈するかを大事にしてきたと。資料には〈我が道を貫くネオアコースティック・ポップ〉とありますけど、これもジャンルとしての〈ネオアコ〉を指しているわけではなくて、〈アコースティック楽器を使って新しいポップ・ミュージックを作る〉という意味ですよね。

聖絵「そうなんです。ジャンルって難しいですよね。シューゲイザーがジャンルなのかって考えても、単純に空間系の音を使ったバンドのことを表しているような気もするし」

――ジャンルの表層をなぞるのではなくて、どう自分なりに解釈して、どう混ぜるかによって、他とは違うものが生まれるわけで、un-notはそれを体現してると思います。だからこそ、すごくいい意味で明確なルーツが見えにくい音楽になってると思うし。

聖絵「だから売りづらいって怒られますけどね。誰かのフォロワーって言った方が売りやすいから、そうしてくれと言われたこともあったけど……。〈まあいっか〉って（笑）。もちろん、リスペクトしてる人はたくさんいるんです。

ただ、ceroさんだったら“Yellow Magus”（2013年）、アナログフィッシュさんだったら“PHASE”（2011年）、bonobosさんだったら“THANK YOU FOR THE MUSIC”（2005年）とか、キャリア全体を通して好きというよりは特に好きな1曲があるという感じ。〈その人の全部をリスペクトしてます〉というよりも〈この人のこの瞬間がたまらない〉みたいなリスペクトの仕方で。だから、こんな変な混ざり方をしてるんでしょうね（笑）」

 

タイムラインが流れていく感じをビートで表現

――では『タイムライン』について訊かせてください。表題曲と“YAO-YOROZU”の2曲ではギタリストの渥美幸裕さんがフィーチャリングで参加されていますね。

聖絵「もともと秀くんを通じて知ってはいたんですけど、（一緒にセッションしてみても）すごくかっこいいし、すごく弾きやすいと思って。それからいろんな人のサポートをしてるのを観たり、ご自身のConguero Tres Hoofersとかのライブも観たりして、幸裕さんが下北沢CIRCUSで主催されている〈TIMER JAM〉でご一緒したときに、〈一緒に音楽を作ってほしい〉とお願いしました」

――作品の青写真はどの程度あったのでしょうか?

聖絵「幸裕さんはいま新しい日本の音楽としての〈邦楽2.0〉に腰を据えて取り組まれているんですけど、私が〈日本っぽい音楽って何だろう?〉と思ったときに、音階、ビート、雅楽特有の相対音感とか、いろいろあるけど、私としては岩とか滝とか様々な場所に神がいる――八百万の神がいるというところに日本的な感性があり、これが音楽的な日本っぽさにも繋がるんじゃないかと思って。幸裕さんと比べるとすごくライトな考えだと思うんですけど、東京に生きる1人の人間としてどこまで〈日本っぽさ〉に向き合えるかと思って作ったのが“YAO-YOROZU”」

――なるほど。

聖絵「“YAO-YOROZU”が平安くらいまでタイムスリップして作った曲だとしたら、“タイムライン”は今の〈日本っぽさ〉を考えた曲。今の自分が一番日本を感じている身近なものって、スマホの画面だと思ったんです。みんながスクロールという行為を違和感なくやっていて、あたかもSNSのタイムラインに人がいるかのように感じ始めてる。それに救われることもあれば、寂しさを感じることもあるなって。

あと、スクロールって意外とビート感あるんですよ。なので、このスッスッスッっていうループ感をビートにしてもらって、でもちょっと疲れちゃって、〈直接会おうよ〉となるのがCメロ。これが〈邦楽2.0〉に対する私なりのアンサーだったんです」

渥美秀仁「少し補足させてもらうと、自分が見てても見てなくてもツイートが流れていくTwitterのタイムラインの感じをドラムでビートにしてほしいというリクエストがあって、そのなかで、例えば、自分のお気に入りの人がツイートして、それに（いいねなどで）反応したときをウワモノで表現してほしい、みたいなことを言われて。なので、ビートはずっと同じ感じなんだけど、でもイーヴン過ぎない感じを意識して、そこにギターとかが新しい色を入れては消えて行く、そういう仕上がりになってます」

――途中から入ってくるピアノのループも印象的です。それこそ、植松伸夫さんの〈ファイナル・ファンタジー〉の音楽を連想する人も多いと思うんですけど。

聖絵「昔は飲み会でみんなで喋ってるときにスマホを見るのはタブーだったと思うんですけど、今って飽きたらスマホでタイムラインのチェックをするのがわりと普通になってると思うんです。この曲では、ピアノが入ってきてからは、そうやって違うことを考えてもオッケーな時間で、同じフレーズがずっと繰り返されていると聴き手も違うことを考えやすいと思うんですよね。フレーズに植松さんの影響があるかというと、自分のなかでは定かではないんですけど、好きは好きなので、出ていたとしてもオッケーサインを出さざるをえないですよね（笑）」

 

否定することなく、ちょっとの違和感と向き合う

――楽曲を作って行くにあたって、幸裕さんとはどんなやりとりがありましたか?

聖絵「一緒にレコーディングをして、幸裕さんからの最後の感想が〈思ったより話が通じた〉だったんですよ。最初は私に言ってもわからないと思われてたからか、幸裕さんからは何も言ってくれなくて、めっちゃ怖くて（笑）。でも一緒にやっていくうちに、だんだんいろいろ言ってもらえるようになって、〈ここはちょっとためて、ししおどしのカタンって音で弾いて〉とか言われて、〈どういうことですか?〉となりつつ、いろいろ試すことができました。ギターはもちろんすごくかっこよくて、楽譜にしたら単純なんですけど、普通こうは弾けない。でもやっぱり言葉数は少なくて、パッと聴いて、パッと音で返してくれる人なので……怖かったです（笑）」

――でも、話を聞いてると聖絵さんと幸裕さんには近い部分があるように感じます。今のししおどしの話と、聖絵さんがタイムラインを曲にしたというのは発想が似ていて、お互い音で会話をするタイプなんじゃないかなって。

秀仁「弟から言わせてもらうと、兄は仙人みたいな人なんです（笑）。四六時中ギターのことしか考えてなくて、音楽が最終的に聴き手をどういう世界に連れて行ってくれるのかを考えていて。何かのジャンルでスターになるとかじゃなくて、もっと学術っぽいアプローチで音楽のことを考えてる人なんです。で、僕が彼女と似てると思うのは、2人ともめちゃくちゃ喋りが下手なんですよ」

聖絵「あははははは」

秀仁「兄は普段あまり歌ものをやらないので、〈何で歌ものをやらないの?〉と訊いたら、〈インストはノンヴァーバルなコミュニケーションだからやりやすい〉と言ってたんです。だから、本人にとって言葉でのやり取りは、ギターを弾くことよりも負担が大きいみたいで、聖絵もわりとそういうところがあって。すごく直感的で、演奏の指示も〈ここはもっとチャカチャカした感じで〉とか、抽象的なことが多くて」

聖絵「Charaさんがリハーサルで〈象の足音みたいにやって〉と言ったっていう話をインタビューで読んで、〈めっちゃわかる!〉と思って。〈この指示の出し方でいいなら、私も音楽やりたい〉と思ったんですけど、実際は〈わかんない〉って怒られることが多いです（笑）」

秀仁「もうひとつ共通してるのが、2人ともハッピーを目指してるんです。兄の音楽はどちらかというと静かで、クールなイメージを持たれがちだけど、本人はハッピーを目指していて」

聖絵「私もそれは目指してます。最後に希望があるといいよねって。ただ、希望を書くには絶望を書いた方がいいこともある。un-notのテーマには〈対比〉もあって、さっき言ったアナログフィッシュの“PHASE”の〈失う用意はある?／それとも放っておく勇気はあるのかい〉という歌詞とかすごい好きで。幸裕さんもすごく静かで、暗かったとしても、そこに希望のあるギターを弾いてくれるんですよね」

――un-notは二重否定だから、プラスの意味になりますしね。

聖絵「今っていいね文化だから、みんな人を否定することが苦手になってると思うんです。でも何かに辿り着くためには、相手の人格を否定することなく、ちょっとの違和感と向き合う作業がすごく大事で、希望はその先にあると思っていて……幸裕さんのギターはそういうギターだと思います」

 

un-notは誰かとのコミュニケーションでありたい

――幸裕さんの参加曲以外についても訊かせてください。“セカンドギア”は比較的シンプルに演奏と歌を聴かせるタイプの曲ですね。

聖絵「“セカンドギア”の歌はマイク・テスト用に録ったテイクなんです。ツルッと一発仮歌を録ろうとしたテイクなので、クオンタイズとかピッチに関しては、数字的に合ってないところもあるんですけど、でも2度とできないテイクで、ファースト・テイク的な良さがあったので、これにしようって。歌詞に関しては、私運転が好きなんですけど、住宅街を抜けて、大通りに出るときのガッと踏み込む瞬間って、人生でもあると思って。un-notも最初は模索してたけど、『MUSIC ALLEY』を出して、何かがドライヴした感じがあったので、その感覚を曲にしました」

――“ゴーストメトロポリス”はシティ・ポップ寄りの仕上がり。

聖絵「そうですね。東京の豊かさが変わってきたというか、音楽の予算もバブルの頃とは桁が変わっちゃったけど、でもそこに生きてる人たちがいて、ドラマがあって、文化がある。ただ、やっぱり寂しさもあって、ちょっと空虚な今の東京の感じを出したかった。中流階級がなくなって、みんなが貧しくなって、それでもそのなかで新しい出会いはあるわけで、〈次はどうなるんだろう?〉という祈りがCメロに込められてます」

――歌詞を書いたのは2019年だと思うんですけど、2020年を経て、その空気感はより強まりましたよね。年が明けてからは、繁華街でも空き家が目立つようになってきたし。

聖絵「ただ、コロナ禍って状況を加速させただけだと思うんです。もちろん、必要のない犠牲もあったと思うけど、もともとほころびみたいなものがあって、そこが変化を迫られただけというか。でも、やっぱりそこには生きてる人がいて、次に何をしていくのかを考えないといけない。私の大好きなケーキ屋もつぶれちゃったりしたんですけど、でもそこのパティシエさんはまたどこかで何かやると思うんですよね」

――さきほど話に出たアナログフィッシュの“PHASE”の〈失う用意はある?／それとも放っておく勇気はあるのかい〉というラインも、リリースが東日本大震災の直後だったから、原発事故との関連で語られたけど、もともとはもっと前に書かれた曲で。ほころびが露わになる前に、それを歌にしていたという意味で、“ゴーストメトロポリス”と“PHASE”にはリンクを感じます。

そして、ラストの“I never say it’s understandable”はちょっとEDMっぽい、4つ打ちのナンバーで、un-notとしてはもっとも新鮮な一曲だと言っていいかなと。

聖絵「この曲は『MUSIC ALLEY』で残した課題を回収した曲です。前回変拍子の曲を作って、そのイメージで見られることもあったんですけど、でも私は別に4つ打ちが嫌いなわけじゃないし、変拍子的なグルーヴは4拍子でもできるんじゃないかと思って。私にとって、5や7じゃなくて4っていうのは、わかりやすいものを作って、誰かとコミュニケーションを取りたい欲求の表れでもあるけど、一方ではわかってもらえないんじゃないかという葛藤もある。その葛藤を4拍子に乗せたかったんです」

――それによって、前作の変拍子のイメージを更新したと。

聖絵「思い返すと、幸裕さんとのコミュニケーションもこの曲で言ってることと同じだったんですよね。言っても伝わらないかもしれないけど、言ったらわかるかもしれない。それで言ってみたら、意外と楽しいやり取りができた。

これは今回全体を通じてのテーマでもあったというか、SNSのタイムラインも誰かとのコミュニケーション・ツールだということ――それを5曲を通じて表現していて。un-notも私一人の世界を追求するんじゃなく、誰かとのコミュニケーションでありたいし、そういう深層心理が『タイムライン』に表れてるんだなって、話をしながら思いましたね」

 

---

INFORMATION
新作の制作資金を集めるためのクラウドファンディングを実施中!

★詳細はこちら