「メトロイド」や「MOTHER」シリーズといった数々の人気ゲームの音楽を手掛け、またエンジニアとしてはファミリーコンピュータやゲームボーイのサウンド開発に携わるなど、ゲーム音楽のキーパーソンとして知られる田中宏和。彼がChip Tanaka名義ではおよそ3年ぶりとなるセカンド・アルバム『Domingo』をリリースした。

2017年の前作『Django』は、自身の音楽的なルーツであるレゲエやダブの要素や、現代的なダンス・ミュージックのエッセンスを取り入れたチップ・サウンドを展開し、高い評価を得た。続く『Domingo』は、〈消え去る場所や人へのノスタルジア〉をテーマに、よりメロディアスで、（インストにも関わらず）雄弁な楽曲が並ぶ作品となっている。

リモートで行われた本インタビューでは、『Domingo』のサウンドや制作過程を軸に、同作にこめられたノスタルジアの姿について、また次回作のプランについても（ちょっとだけ）聞くことができた。楽曲に紐付いたエピソードの豊かさは驚くほどで、アルバムの聴こえ方も変わってしまうほど。根っからの音楽愛が滲む彼の言葉が、本インタビューでわずかでも伝われば幸いだ。

 

かつて任天堂のあった街、そこにいた人々へのレクイエム

――まず、タイトルについてお聞きしたいです。前作『Django』に続いて、『Domingo』も男性の名前によく使われる単語ですが、このタイトルを選んだ理由はなんでしょうか?

「深い意味はないんです。ラテン語圏、中南米的なイメージをもってきたいというのがきっかけ。あと口に出したときの語感とか。『Django』の場合は、きっかけとしては、ジャンゴ・ジャンゴ（Django Django）っていうバンドが好きで。あと、ギタリストのジャンゴ・ラインハルト（Django Reinhardt）もいるし。で、名前以外の意味を調べると、〈目覚める〉という意味がでてきた。当時、還暦でファースト・アルバムを出すことが決まってて、そこに〈目覚める〉というニュアンスが隠れていたらおもしろいなと。

『Domingo』はスペイン語で休日、安息日という意味がある。2枚目を出したいなと考えたときに〈じゃあ3枚目をどうするの?〉って考えたんですね。1枚目は初めてだから、きらびやかというか、挑戦的な印象が出ればいいなと思っていた。でも2枚目は、作品にこめる気持ちとしては〈1枚目よりもっと頑張る〉というより〈休む〉というか〈鎮めて〉もいいかなと思っていたんですよ。そこに『Domingo』という言葉が持っている〈休日〉というニュアンスが合った」

――本作では〈消え去る場所や人へのノスタルジア〉というテーマを掲げていらっしゃいます。実際、サウンドやメロディーにノスタルジックな感覚のつまった作品ですが、ノスタルジアをテーマに選んだ理由を伺いたいなと思います。

「僕は4歳から音楽が大好きで聴き続けているけれど、聴いてると勇気や元気をもらったり、癒やされたりみたいなところがあると思うんですよ。あと郷愁を感じるとか、自分はそういう特徴を持つ音とか音質に対して強く惹かれ共感することが多かった。ゲーム音楽であったり、ポケモンの音楽であったり、いろんな音楽を作ってきたけれど、自分が得意な部分として共通しているのはそういう郷愁みたいなところじゃないかなと。

そこで、自分の子供の頃や、自分がゲームに関わりはじめた頃に親しんだ場所や印象のなかにテーマを見つけて曲を作っていくのはどうかなと。子供時代と自分が任天堂で仕事をはじめた頃って、不安を抱えながら新しい環境で何かを始める、という意味では相似形だと思ったんです」

――タイトルに登場する、海や夜、生き物といったモチーフは田中さん自身の記憶と密接に結びついているんでしょうか?

「もともと自分は田舎育ちで、海とか森の近くで育ったんです。なので、今作の1曲目の“Calm Sea”は、自分が育った海の町の、砂浜のイメージ。そこから海に潜っていく。海の中には“Hammerhead Shark Song”に出てくるシュモクザメみたいに変なかたちの生き物もいて、深いところに行くと、チューブワームみたいな生き物がいてる（“Tubeworm Dub”）。そういう連想ゲームで全部曲をつなげていったんです。海から顔をだして見上げると星空と月が見えた、とかね。

あと、“A Song For Stars”は、任天堂の頃の思い出を元にしてます。任天堂は昔、（京都の）鳥羽街道っていう場所にあったんです。その時代にお世話になった、喫茶店とかうどんや丼ぶりを出す飲食のお店が（会社の近くに）3、4軒あって。任天堂がその場所から引っ越したとたんに、そういうお店のご主人やおかあさんたちが不思議なことに続けて亡くなられて。その人たちへのレクイエムとして曲を作ったんです」

――すごくエピソードが具体的で驚きました。ちなみに、ご出身は京都府ですよね。

「天橋立の近くです。友達と海の砂浜でずっと夜も海見ながら砂を手でかきわけながらダラダラ過ごす時間とか、いま思うとすごく豊かだったなと思います。海に入ると、都会の人だと信じられへんと思うけど、普通にタツノオトシゴが泳いでたり、それを素手で捕まえたり。そういう頃だからこそ感じえた〈どこまでも暗い夜〉とか。それが（アルバムに出てくる）コウモリであったりモモンガであったり、そういうモチーフにつながっている」

 

ゲーム音楽の大家がダンス・ミュージックをはじめた理由

――サウンドについてもお話を伺いたいんですけれども、第一印象として、メロディーやリフが雄弁で、物語というか世界観、風景をすごく感じました。前作ではいわゆるチップ・サウンドがにぎやかに飛び交っていたのに対して、今回はメロディー・メイカーとしての側面が出ていると思います。特に意識されたポイントはありますか?

「若いときからダンス音楽がずっと好きなんです。二十歳前、日本にレゲエ人口が少ないころからずっとレゲエにハマって、90年代になるとテクノ・ミュージックにハマった。ミニマル・テクノ、特にベーシック・チャンネルの出していたものやキット・クレイトン、ポールみたいなミニマル・ダブ。クールじゃないですか?　音も削ぎ落とされていて。

ただ、聴く側としてはそうであっても、パソコンを使ってクラブみたいな場所でやりはじめたのは50歳を過ぎてからで。そういう音楽って、当然20歳前後〜30台前半が主流のものではあるし、意識的に距離を置いています。そのバランスを作っていくのがいまの自分のひとつのやり方かなと思っていて。

今回は前よりもわかりやすいメロディーにしたし、コード進行もあんまり斜に構えなかった。つまり〈かっこいいだろう!〉みたいなことではなくて伝わりやすさを大事にしました」

――メロディアスな楽曲がある一方で、ビート・ミュージックっぽいグリッチがふんだんにはいった“Tubeworm Dub”や、曲によってはBPMが緩めのミニマルな四つ打ちが入っているものもあるし、ハードな面もありますね。

「やっぱりこれまで聴いてきた音楽が反映されてるんだと思います。でも、本当はカントリー・ミュージックも大好きだし、世代的には、どう考えても50年代から60年代のアメリカのブルースの影響も大きいと思うんですよ。ただ、Chip Tanakaという名前では、自分がゲームに関わって以降、つまり1980年以降の音楽をベースにしています」

――ちなみに、Chip Tanakaという名義自体はゼロ年代の後半からお使いになってるんですよね。

「50歳から（2007年）ですね。海外だと僕の名前はHip Tanakaというのが有名で。チップチューンという音楽のジャンルがあるんだ、と耳にしたときに、アメリカの友人から〈田中さん、Cをつけたらおもしろいんじゃない?〉って言われて。HipにCつけてChip Tanakaです、ということかな。

ただ、じゃあ田中さんはどんな音楽をやりたいんですか、と言われたら、本当はよくわかってないんですよ。50歳のときに、自分は一貫してラテンやクラブ的なものを含めてダンス音楽が好きだったし、そっち側の流れに乗ってみようと思った。自分としては本当に、そこで舵を切った感じがありましたね。

一般的には〈田中さんってゲームの人だよね〉っていう印象がまず強い。世代によっては〈ポケモンの音楽〉という方もいますけど^※。自分で自分を演出するような感じで、ゲームの創世記を起点に音楽を作っていこうと思ったんです。必ず楽曲のなかのどこかには実際のファミコンやゲームボーイの音をサンプリングして使っている。それを自分のなかの決まりにして作り続けてるって感じです」

――今回のアルバムでも、ぱっと聴きではわからなくても、よく聴いてみるとベースにゲームボーイやファミコン的な三角波が使われていたりしますね。

「ファミコンの三角波ってほんとにおもしろい個性を持った音なんですよ。狙って作られたわけではないんだけれど。それをサンプリングしたものを曲によって使ってます。特に、“Tubeworm Dub”のベースはもろにファミコンの三角波だし、散りばめてある音も、僕の手掛けたポケットカメラという製品には簡単なシーケンサーや好きに波形が作れるシンセサイザーが機能としてあるのですが、そこで作った音をサンプリングしています」

 

レゲエやインディー・ロック……翻弄されるかのように聴いてきたリスナー遍歴

――“Hammerhead Shark Song”はクラシックなハウスっぽいピアノが印象的な曲です。こちらはミュージック・ビデオも制作されているリード曲ですが、その理由はなんでしょう?

「曲の展開や音の使い方も含めて、1枚目にはあまりなかった感じの曲だったからです。僕の音楽のなかではわりと音数が少なめで、けれどしっかり矩形波を中心にしている。さらにアコースティック・ピアノの音を混ぜたっていうのも初めてだった。自分の特徴をわりとよく表してるんじゃないかと思ったんです」

――“Moonchild”という曲はシンプルなEDM的なリフが中心で、ビルドアップもわかりやすい。ただ、リズムがシャッフル寄りの3連のフィールなんだけれども、途中でスクエアな3拍子に割り直されるみたいなギミックがおもしろかったです。

「いろんな曲を作っていくとコード進行やリズムの面で〈かっこよく、かっこよくしよう〉って意識が働くと思うんですよ。あの曲はそれを抑えめにしてみようと思ってトライしました。それでも、イントロや途中のリズムの細かさとかは、ここ数年の音のトレンド、トラップなどを意識して、特にハイハットなんかを作りこみました。トラップっぽいリズムが好きなんですよね。

レゲエから来ているわけじゃないけどそれに近いし、シンプルにベースだけで引っ張っていくというのが好きで。自分がそのままトラップをやるわけにはいかへんし、というときに、要所要所で（リズムを）そういう構成にしていった」

――特にメロディーで印象深かった曲が“A Song For Stars”です。さきほどこの曲に関するエピソードを聞いてちょっとびっくりしましたが、この曲についてはいかがですか?

「ああいうかんたんなメロディーを決めていくのは実は難しい。出来てしまうと単純だし、時間かけたようには思えないんですけど、相当やり直ししてます。リズムや構成は早くから出来てたんですけど。自分の場合あまり考えずパッとやるときにいちばんいいものが出てくる。打ち込むときも最初、まず適当に手弾きして、それをエディットしていく。ダメだと思ったらその部分は曲の後方へ退避させる。でも、“A Song For Stars”のメロディーに関してはわりと時間かけて決めていきました」

――エピソードに感じられる雰囲気はアルバムからもある程度滲んでいるんですけど、ひとつひとつ照らし合わせるとびっくりしますね。サウンド的にはクールな側面もあるアルバムなので。

「“Momongah”なんかもっと具体的ですよ。最初に出てくる小太鼓は子供が山に探検にいくときの不安と冒険心。山に入っていくと、知らない動物が飛び交ってる。途中で四つ打ちになるところがあるけど、あれは夕方になってもっと暗くなって、もっと不安になりながらも、突き進んでいくところ。暗さに慣れてきたある瞬間にモモンガが一匹飛ぶ、っていうことを仕掛けとして入れようと思って。それを見て〈うわっ〉と驚いたところで曲が終わる構成にしました。いつも自分で繰り返し聴きながら〈あ、飛んだ!〉って思う瞬間があります（笑）」

――各曲、田中さんのなかでのイメージはがっつりあるんですね。

「ありますね。自分は子供の頃、なかに物語のある曲がすごく好きで。いま朝ですよ、お昼ですよ、ご飯を食べていますよ、ここから仕事をしはじめましたよ、とわかる曲。自分が子供のとき、母親が学校の先生をしていた関係で、クラシック的な音楽にたくさん触れてたんですけど、そういう音楽を15分でも30分でも自然と聴けたのは物語のおかげだと思う。子供のときにそういうクセがついているから、曲を作るにしても、曲のなかにドラマとかストーリーをこめていることが多い、というか、そうじゃなく作りはじめてたとしても時間が経つと、自然に自分の音のなかにドラマを見つけてしまう」

――アルバムの締めくくりになっている“Night Flight”は、BPMがやや速めのエイト・ビートで、まさにフライトという疾走感のある曲です。飛行機というだけあって、子供時代のノスタルジーというよりも大人の時代のそれなのかなと思いました。

「これは再会をイメージした曲なんです。今回のアルバムを聴いてくれた人に対して〈また会いましょうね〉ということがひとつ。そして、自分を好きでいてくれてる人って海外の人は特にゲームから入った人が多いんです。『メトロイド』だったり若い人なら『MOTHER』だったり。そういう人が初めて（このアルバムを聴いて）〈田中宏和はChip Tanakaという名前でこんな活動をしてたんだ!〉と知るという、そこの再会の意味も含めてます。

自分はずっとレゲエも好きやったんですけど、当然90年代くらいのインディー・ロックもすごく好きで。最後の繰り返しの部分は自分のなかでイメージするインディー・ロック的な感覚を、ファミコン色の強いサウンドで構成していきました。今回のアルバムのなかではいちばんファミコンっぽいと思います。昔の自分の印象や音使いのクセが出てるんじゃないかなと」

――ちなみに90年代のロックで思い入れのあるバンドはありますか?

「恐ろしいほどあるけれども……たとえばステレオラブとか。あと僕はペイヴメントがすごく好きで。よれよれの、でもガツン!　と来るようなところが。ライヴも何度か足を運んだし。もう少し前からいるバンドだと、プライマル・スクリームはいまも好き。

当時は特に当時の音楽雑誌に影響されるまま、そこに紹介されてるさまざまなバンド、特にロック・バンドを好んで聴いてました。僕らの世代では〈ストーンズしか聴かない、ビートルズしか聴かない〉っていう若い頃にファンだったバンドを変わりなく聴き続けてる方が多いようにも思いますが、僕はさまざまな音楽メディアに翻弄されるまま、とにかくいろんなバンドを聴いてきました」

 

異文化同士が混ざって生まれた音楽への敬意

――江森丈晃さんが手掛けたアートワークやアーティスト写真についても伺いたいと思います。前作のアートワークがカラフルでにぎやかだったのに対して、海の中の深い青のなかで無限につづくシンセサイザーを弾く手、というのが印象的です。このアートワークについて田中さんはどういったやりとりをされましたか?

「まず、江森さんを知ったのは、ある雑誌のインタビューをたまたま読んだんです。そこで彼がデザイナーであると同時にロックが好きな方というのを知って、特にインディー・ロックがお好きということで、親和性があるのかなと思ってたんですよね。それで、さっきの夜とかレゲエとかそういったテーマを向こうに投げたんです。参考に返ってきたのが、ヒプノシス^※っていうイギリスのデザイン・チームによるジャケットで、それが〈遠くないな〉って印象だった。

江森さんから最初に提案されたのは、〈実際に田中さんが普段使用されているシンセサイザーや楽器をすべて撮らせてほしい〉と。それを組み合わせてジャケットを構成したい、という話をされて。そこからは江森さんの提案にのっていった感じかな。今回のアルバムのイメージ、というのは3枚目を意識した2枚目だというのを含めて、色は1枚目みたいに派手じゃないものがよかった。今回は〈ノスタルジー〉というテーマがあったので、そういうイメージに仕上がるように、やりとりしていきました」

――使われているのはアナログ・シンセのパネルですよね。

「自分が手作りした基盤なんかも混ざってるんですけど、基本的には自分がふだん使っているものです。当然ソフト・シンセを使うことが多いんですけど、ハード・シンセもたまに入れるので」

――アートワークと同じくらい印象的なのがアーティスト写真です。

「これも江森さんからの提案なんです。実は、これまでは〈マエストロ的な感じはちょっと……〉っていうがずっとあったんです。レジェンドだ、とか語ってくれる人もいるけれども、実際の自分は関西のおっさんで、ただの音楽好き。どんだけ音のことしか考えてへんのというくらいひたすらレコードを買い集めて音楽を聴いてってタイプ。この写真とのギャップは相当あるなと思います（笑）。ただ、自分の考えだけを出していくのがベストとは思わないので、こういう印象もおもしろいかなと」

――蝶ネクタイのかわりにパッチング・ケーブルというのがユーモラスですごく好きです。

「ありがとうございます。そこは世代によってぜんぜんちゃうと思うんですよ。あれを何人か、特に海外の人に見せると、〈Rad（イカす）〉って言われました」

――インタビューに冒頭から、〈3枚目を考えて……〉と何度かおっしゃっていましたが、次の作品に対する構想があればお伺いしたいなと思います。

「口で言えることは少ないかも。今回のアルバムも、1枚目のときからある曲もあって。“Night Flight”は1枚目のときからあったし、“Momongah”もずっとあった。いまもすでに作っているのが3、4曲あるし、小節単位の短い曲の種のようなモチーフもいろいろあります。

僕は若いときにあまりブルースを好きじゃなかったんだけれども、歳をとればとるほどそういう、いまのロックやソウル・ミュージックのルーツである、アメリカの古い音楽が残ってくるんですよね。そういう音楽にたいする自分なりのオマージュをどうやったらできるかなと。他にも、わりと仰々しい、昔で言うプログレッシヴ・ロックみたいなものも好きで、そういう要素が一貫して僕のなかにあると思うんですけど。素直にそこを振り返ってみながら、これからの音楽としてどうまとめて行こう?っていうのがいまのテーマかな。

あと、今日の話のなかでは出てこなかったですけど、僕はアフリカの音楽も大好きで、特にナイジェリアの音楽。ナイジェリアのダンス・ミュージックがすごく好き。日本も含めて、西洋って環境として情報が多すぎる。振り返ると、情報過多じゃなく、制作環境もそれほど充実してるとは言えないかも、というような場所から生まれてくる音楽が一貫して好きなんです。そういうところの人が持っているエネルギー、音にしたい衝動の強さをすごく感じるんです。

自分はそういう音楽の影響を深く受けてきている。たとえば歴史的に植民地化され、とにかく生きることで精一杯、そんな状況下で楽器を鳴らし、異文化同士が混ざって生まれた音楽ってたくさんあるでしょう。その経験は必ずしも幸せなことではなかったかもしれないけれど、そういう環境で生まれた音が持っている強さについては、毎回〈足向けて寝られへんな〉という気持ちが強いし、いつもそういう音楽を生み出してきた人たちに対し敬意を感じる。

今後、どのくらい活動を続けられるかは別だけれども、こんな時代だからいろんな国の人たちが自分の音楽を〈おもしろいやん〉と思ってくれたらいいなぁとよく思う。アメリカやイギリスでウケるのもいいけれど、非英語圏、たとえばスペイン語やポルトガル語圏の人たちにおもしろいと思ってもらえる音楽ができたらいいなとか。そこをあえてめざしているわけではないけれども、気持ちのうえでは常にそんな想いがありますね」