ピアニストで作曲家、電子音楽家の中村浩之（NAKAMURA Hiroyuki）が、自身の名義のアルバムとしては初となる作品を2枚立て続けにリリースした。1枚はピアノの音を素材に電子音響のようなサウンドも散りばめたソロ作『Look Up At The Stars』。もう1枚はもともとダンス公演の劇伴として作られた、中村が率いる10人編成アンサンブル〈Beyond Boundary Chamber Orchestra〉によるジャンル越境的なアルバム『SITA』だ。

中村浩之は2009年に電子音響ノイズ作品のデビューソロEP『TRITONOMICS』をアメリカのレーベル〈Overlap〉から発表。同年にチェロ奏者の穴田貴也、コントラバス奏者の服部将典を率いた自身のトリオ〈NH-Trio〉を結成し、2011年にはサックス奏者の宇津木紘一とともにユニット〈UN.a〉を始動、さらに2014年にクラシカルポップユニット〈JOY-S〉を主宰してきた。なかでも現在まで断続的に活動を続けるUN.aは、2015年にファーストアルバム『Intersecting』を〈PURRE GOOHN〉からリリース、ゲストボーカルを迎えたエレクトロニックジャズ風の音楽は21世紀の現代ジャズとも共振するジャンル混淆性を備えていた。

他にも楽曲／アルバムのプロデュースや講師業、レーベル運営、映像制作など多方面で活躍する中村。「今は〈場〉を作ることに興味がある」と語る彼に、これまでの音楽活動の変遷から2枚の新作アルバム、そして2023年5月27日（土）にJR川崎駅からほど近くで開催する屋外コンサート〈VENUSの祝祭〉についてまで伺った。

 

クラシックピアノ、ピアソラ、坪口昌恭

――中村さんは昭和音楽大学をピアノ科で卒業された後、映画美学校で学ばれたんですよね?

「そうです。僕は富山県出身なんですけど、もともとは作曲をやりたくて。当時の先生に〈作曲をやるならピアノ弾けなきゃダメだ〉と言われて、それで高校からピアノを再開して、なんとか大学もピアノ科で入りました。大学時代はクラシックのピアノの先生に師事して、毎日6時間ぐらいレッスンを受けていましたね。そのおかげで良い成績で卒業できました」

――当時目指していた作曲というのは、どういった種類の音楽でしたか?

「最初に作曲をやりたいと思った中学の頃は、坂本龍一さんとか久石譲さんとか、ああいった音楽ですね。けれど高校の時に、ちょうど世間で流行っていたこともあって、ピアソラにハマったんです。そこで全てが変わった感じがします。ピアソラになりたいと思ったというか。演奏がちゃんとできる上で作曲をやるというスタイルに憧れたこともあって、ピアノにも打ち込みました」

――大学卒業後、映画美学校に入学されたのはなぜでしょうか?

「クラシック漬けだった高校の時にCorneliusとか渋谷系の色々な面白い音楽を教えてくれた地元の知り合いがいて、その人が映画美学校に行ってたんですよね。それと、実は大学時代に僕、東京ザヴィヌルバッハにハマったことがあって。それもあって通うことにしました。電子音楽も勉強したかったのでシンセサイザーを買って。横川理彦さんからDTMについて習ったり、菊地成孔さんから楽理を学んだり、岸野雄一さんの講義を受けたり。大友良英さんも講義をしに来ていて、ものすごく影響を受けました。映画美学校では本当に面白い音楽にいっぱい出会ったので、人生の方向性が大きく変わりましたね。

それと僕にはピアノの師匠が3人いるんですけど、1人は坪口昌恭さんなんです。弟子入りをお願いしたことがあって、一時期はボーヤみたいなこともしていました」

――ピアソラにしても東京ザヴィヌルバッハにしても、いわゆる古典的なクラシック音楽というより、コンテンポラリーな音楽に興味があったんですね。

「でも、やっぱり一番好きなのはショパンだし、古典は大好きなんですよ。僕のもう1人のピアノの先生が遠藤志葉さんという、日本最高峰のバッハ演奏者で。バッハ国際コンクールで4位になったこともある凄腕の方なんです。だから僕もバッハをひたすら勉強して、大学では古典的なクラシックとずっと向き合っていました。最後に1曲だけスクリャービンをやらせてくださいと言って怒られたぐらいですから（笑）。

なのでソロピアノだと、正直言ってジャズで聴けるものなんかないとさえ思っていた。クラシックの方がよっぽどいいだろうと。クラシックを超えるジャズピアノの人というと、ブラッド・メルドーぐらい。メルドーは別格です。メルドーがいたから色々なミュージシャンが出てきたところはある。いまだに神様みたいに感じていますね」

――大学卒業後にクラシックの道に進もうとは考えなかったのでしょうか?

「大学に入学したばかりの頃、〈向いてないからピアノやめた方がいいよ〉と高名な先生に言われたことがあって。それで、その先生をギャフンと言わせてやろう、というのが大学時代の僕の目標だったんです（笑）。結果、4年後に良い成績でその先生を驚かせて卒業することができた。そしたら今度はその先生が〈中村くんはプロになれる〉と言ってきたので、もうクラシックはやめようと思ってグランドピアノを売りました（笑）。

でも、クラシックで食えないということは大学の頃からわかっていたし、面白くない世界だなと感じていました。クラシックは好きだけど、クラシック業界に興味はなかったというか」

 

電子音楽、ノイズ、即興

――電子音楽に興味を抱いたのはどのようなきっかけでしたか?

「やっぱり、ゼロ年代当時、オウテカとかフェネスとかがものすごく流行っていて。その手の先端的なエレクトロニカが面白かった時代なんですよね。特にオヴァルは衝撃で、ものすごく影響を受けました。ジャンクのようなもので美しい音楽が作れるのはすごいなと。オヴァルを聴いた時に、こういう音楽をやりたいなと思ったんです。当時20代半ばだったんですけど、Max/MSPの本を読み漁って、エフェクトや独自のシステムのシーケンサーを作ったりしました。

ノイズライブみたいなことにも精力的に取り組んでいましたね。大友良英さんの影響で梅田哲也さんの存在を知って、筒状の装置でフィードバックの柔らかい音を出すパフォーマンスを観た時にすごく感動したことがあったんですよ。これは聴いたことがないなと。じゃあ僕はどうアプローチできるだろうと考えて、鍵盤ハーモニカの中にピンマイクを内蔵して、パソコンのスピーカーでフィードバックさせて演奏するというライブをやっていました。

当時僕はTRITONというシンセサイザーをずっと使い込んでいたんです。何年かして壊れてきて、カバーを開けたら電子回路が出てきたので、ピンセットを入れたことがあって。感電しそうになったんですけど（笑）、そしたら聴いたことがないシンセサイザーの音が出てきたんですよね。シンセサイザーって基本的にデジタルだから、アナログなエラーは起き得ない。リミッターが外れることがないんです。けれど電気回路を直接いじったらリミッターが外れて、その時は〈これだ!〉とアツくなりましたね。それとMax/MSPプログラミングを組み合わせて作品を作っていこうと思って。

それで音源を用意して、ずっと好きだったクリストファー・ウィリッツさんに送ったら、〈ちょうど新しくレーベルを始めるから、そこから出さないか?〉と言われて。僕にとって最初の作品として、2009年にOverlapから『TRITONOMICS』というEPを出しました」

――中村さんは即興音楽のイベント企画もされていましたよね。即興的／実験的なパフォーマンスから、そうではない現在の方向へと変化したのはなぜだったのでしょう?

「今も一緒に活動しているチェリストの穴田貴也さんと出会ってから変わりましたね。面白い活動をされている方で、最初はネットで僕がナンパしたんですよ（笑）。穴田さんはクラシックの世界でバリバリに活動されているんですが、『ファイナルファンタジー』シリーズの作曲家で有名な植松伸夫さんのレーベルにもいて、でも講師業にもとても力を入れておられました。

それまでは先生なんて馬鹿にしていたんですが（笑）、穴田さんの熱い姿を見て、この人はめちゃくちゃカッコいいなと思った。ちょうど僕も30歳を超えた頃で、お金も稼がなければならなくて。それで講師の仕事をやり始めました。12～13年前です。かつては自分の電子音楽がこの世で最もカッコよくて、『TRITONOMICS』も絶対に売れると思っていたんです。今振り返ると、クオリティの良し悪しはともかく、やっぱり売れる類の音楽ではない（笑）」

 

作曲は即興を遅く行うだけ

――同時期にサックス奏者の宇津木紘一さんとユニット〈UN.a〉も始動しています。

「某専門学校で教えるようになってから、学生との距離感を意識し始めたんですね。やっぱり、学生たちにも良いと言われるようなものを作らなきゃ、と思って。つまり、ある種のキャッチーさを意識するようになったというか。R&Bとか、ロバート・グラスパー的なジャズとか、流行りモノを取り入れるセンスが大事だなと。それでUN.aでは歌モノに取り組みました。一番影響が大きかったのは東京ザヴィヌルバッハですけどね」

――実験的な即興にどっぷりと浸かったからこそ見えてきた方向性と言えばいいでしょうか?

「ただ、もともと即興だけというのは好きじゃなかったんですよ。作曲的なものが入っているというか、何か意味がある即興でないといけないと思っていた。だからダラダラと続ける即興のイベントは嫌いなんです。僕が大好きなピアソラも即興にめちゃくちゃ厳しくて、ヘタに即興演奏するとすごく怒るらしい。

それに作曲と即興って要するに速度の問題で、作曲というのは即興を遅く行うだけですからね。なので即興は逃げ道にもしやすい。特にジャンル化すると逃げ道になってしまうところが大いにある」

 

ドイツロマン主義とフランク・オーシャン

――かつてシェーンベルクも「作曲とは即興をゆっくり行うことだ」と言っていましたよね。今回リリースされたソロのピアノアルバム『Look Up At The Stars』は電子音も含め全てピアノの音を素材にしていますが、それもピアノの音を速度を変えて扱っていると捉えると、発想としては地続きにも感じます。

「半分詭弁ですけどね（笑）。いくらピアノの音が素材でも、エフェクターを通したらエフェクターの音になってしまう。純粋主義的な意味でピアノの音にこだわっているわけではなくて、むしろノイズとしてエフェクトは入れています。ようはピアノもノイズになり得る、と。だから、いわゆる綺麗な音ではないんです。音が潰れている箇所もある。でもマスタリングの人にも相談して、あえてそのままにしています」

――ライナーノーツには、シューマンのピアノ曲“子供の情景”から着想を得てアルバムを制作したとも書かれていました。

「あと、フランク・オーシャンのイメージも強かったです。シューマンと被るところもあると感じて。

フランク・オーシャンって子供の頃の自分自身にものすごく意識的な時がありますよね。それが曲の中で色々と変わっていくので、時間軸も曖昧になる。時間軸の曖昧さは映画的でもあるなと思っていて。シューマンも子供を見る時の目に自分を重ねているところがある。子供の頃の情景を思い出してやっているけど、その先にある何かを導き出すところで、過去と現在が繋がっていく。そこはショパンとか他の作曲家と比べるとハッキリと感じられます。

シューマンのようにロマンティックであることは、当時の作曲家からしたらカッコ悪いわけですよ。特にショパンは古典的だから、そういうものをダサいと思ってる。でもシューマンは詩集も出していて、当時のドイツロマン主義を地で行くような人で。そういうロマンティックさもフランク・オーシャンと重なります。

で、それは映画的でもあると思うんです。僕、今の時代は音楽よりも映画の方が面白いと思っていて、映画的なものを音楽に取り入れようとした時に、最初に出てきたのはやっぱりフランク・オーシャンの『Blonde』（2016年）だったんです」

 

〈踊りづらい〉ダンスのための音楽『SITA』

――『Look Up At The Stars』とほぼ同時リリースのような形で、中村さんが率いるオーケストラ〈Beyond Boundary Chamber Orchestra〉によるアルバム『SITA』も出ました。こちらはもともとダンス公演のために作られた音楽なんですよね?

「そうです。ダンスカンパニーのDRAMATIC WORKSから依頼を受けて作りました。テーマはスパニッシュでコンチネンタルタンゴ。でも僕に頼んだということは、そこから違うものを作らなきゃいけないということだなと。

スペインのアンダルシアって、イスラムの首都があった場所じゃないですか。だからフラメンコの変な拍子にはイスラム音楽の影響も強いんです。ポリリズムとは違っていて、呼吸だけですごく面白い、メロディー主体の音楽。そこには非常にアジア的なところがあるから、アジアのメロディーとも共通点を感じたんですね。

それでまずはイスラム系のメロディアスで複合拍子が含まれたメロディーを作って、そこにフラメンコとヒップホップを融合したビートを当てはめてみた。それで1曲目の“Ai”という曲ができたんですが、ダンスカンパニー側に音源を渡したら〈踊れない〉って言われて（笑）。メンバーの宇津木紘一くんとかヒロナカウラさんにもアレンジを手伝ってもらって、直しつつ作っていきました。ダンスの音楽ではあるんですけど、非常に踊りづらいもので、5曲目の“Juli”もルンバで7拍子になっています。

ずっとクラシックをやってきて思うんですが、西洋の人たちは呼吸でリズムを取るんですよ。村上龍も言ってましたけど、クラシックはリズムを捨てて呼吸を取ったと。例えばジャズのポリリズムはリズムを持ち越していくためにありますけど、クラシックにおけるポリリズムの開発って、もともとスクリャービンがやっているんです。〈網目状のテクスチャー〉とよく言われるように、ポリリズムで聴衆を困惑させて別世界に移動させるという、いわば視覚的なものとして扱っていて。

ともかく、クラシックだとリズムではなく呼吸が主体になる。ようは自由に歌えるわけですよ。それをダンスにするために、全然違う文化を融合して混血させようと。だからメロディーは呼吸で作っているんです。でもビートはフラメンコとか、日本の歌寄りの空間を埋めていくリズムとかで。そういう混合的なダンス音楽は、踊りづらいかもしれないけど、一応ダンスのための音楽なんです」

――アルバム『SITA』は、ダンス公演のサントラ的な位置づけになるのでしょうか?　それとも録音作品としてリアレンジやポストプロダクションなどを施していますか?

「ほとんど変わっていないです。ダンスのための音楽作品として完成させていたので。ただ、公演の時点ではもっと演奏のクオリティが上げられると感じていて、録音することで初めて形にはなりましたね。そういう意味で変えたところはありますし、ポストプロダクションもかなり入れています。

映画『TENET テネット』（2020年）の音楽を手がけたルドウィグ・ゴランソンという作曲家がいるじゃないですか。彼の空間的な音の作り方からも影響を受けました。ちょうどコロナ禍で集まれなかった時期だったので、バラバラでレコーディングしたんですけど、それを逆手に取って、空間的に音を配置するソフトを使って。いわゆる普通のスタジオレコーディングとは違う立体感が生まれたので、そうしたところも公演とは別物にはなりましたね」

――『Look Up At The Stars』におけるシューマンとフランク・オーシャンのような着想源となるアーティストは、『SITA』にもいましたか?

「やっぱりピアソラですね。彼がもしも今生きていたら絶対にエレクトロニカにも手を伸ばしていると思うんです。色々なものを融合するという意味でも、20世紀において最大の仕事を成し得た作曲家の一人なので。でも意外とピアソラとエレクトロニカを組み合わせようとする人は少ないんですよね。

あとは着想源ということだと三宅純さんです。憧れもあるし、どうしても影響は受けてしまいます。ただ、三宅さんのようにゴージャスなシステムを使った録音はできない。以前、三宅さんのコンサートに行った時に、舞台から完全にCDの音がそのまま聴こえてきて、たまげたことがありました。ああいう最高峰のサウンドは無理なので、僕はパンクスなサウンドで行こうと。ゴランソンはその気があるところが好きですね」

 

地域と繋がらないと音楽は良い方向に向かわない

――『SITA』リリース後のBeyond Boundary Chamber Orchestraのライブとして、5月27日に川崎で〈VENUSの祝祭〉と題した屋外コンサートがあります。通常のコンサートホールでの公演ではなく、映像も用いた複合的なイベントになるようですね。

「僕、岸野雄一さんの活動をものすごく尊敬しているんです。岸野さんって自分から地域に入っていくじゃないですか。盆踊りの椅子を出して並べるところから始めて、今では祭りにDJを入れるまでになっている。やっぱりそういうことだと思うんです。ロバート・グラスパーでさえ外に出て無料で演奏していますよね。カッコばかりつけていないで、コミュニティ活動というか、地域と繋がっていかないと音楽は良い方向に向かわないんですよ。その場所でできることを考えていかなきゃいけないと思うんです。

そうした中で〈本当に面白いアートの場を〉と依頼をいただいて、それで〈VENUSの祝祭〉を主催することになったんです。協力していただける会社があり、その方たちと作っていくことになり、助成金とかではないので手弁当にはなりますけど、それで最高峰にできるものはあるはずです。

それに一緒に何かを作り上げると、難しいと敬遠されがちなハイアートと言われるものでも、共有できるんですよ。歴史を知ると、難解だと思われているオウテカも聴かれるようになる。そうやって道順を辿って時間をかけてやることによってしか、僕らのやっているような表現はなかなか共有されない。だからそうした場を設けないといけないんですね。

これは特に僕と同じ世代の40代くらいの人たちに言いたいですけど、カッコばかりつけてないで、そうした土壌を作ることこそやるべきです。でも、みんなお金のある方にばかり行ってしまっている。僕はずっと自分なりの答えを探してやってきただけですけど、ごく自然な流れでもあると思っています。菊地成孔さんや大友良英さんがやり続けてきたこともそうじゃないですか。僕と同じ世代で、20代の頃に菊地さんや大友さんの音楽を聴いてた人たちはたくさんいるはずなのに、みんな今はどこに行ってしまったんだろうと思いますね」

 

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RELEASE INFORMATION

リリース日：2023年4月19日
品番：DMCD-31
価格：2,750円（税込）

TRACKLIST
1. Ai
2. Shimba (The Windmills Of Your Mind) Michel Legrand
3. Yuya (Another Charm)
4. Satoshi
5. Juli
6. Aya (Silver Lining)
7. Kingyo (Ave maria) Vladimir Vavilov

・Pf, Key, Cond: 中村浩之 NAKAMURA Hiroyuki (UN.a)
・Sax: 宇津木紘一 UTSUGI Koichi (UN.a)
・Ba: 前田竜希 Ryuki Maeda
・Vo, Vn: ヒロナカウラ HIRONAKAURA
・Rap: qujioki
・Perc: 津田悠佑 Yusuke Tsuda
・Tb, Euph, F. Hn: 増圭介 Keisuke Masu
・Vn: 神田珠美 Tamami Kanda
・Vla: 糸永衣里 Eri Itonaga
・Vc: 穴田貴也 Takaya Anada

All Composition and arrangement by NAKAMURA Hiroyuki (except track 2, 7)
All Assistant Composition  and Arrengement by UTSUGI Koichi, HIRONAKAURA (except track 2, 7)
Lyrics by TOMC (track 3)
Total Time: 36:30

Recorded on 2022 07/28 complete
at
Recoding engineer: 宇津木紘一 UTSUGI Koichi (UN.a)
Mixed by 宇津木紘一 UTSUGI Koichi (UN.a)
Mastered by Eiji Hirano (Studio Happiness)
Exective producer: Daiki Yasukagawa (DAIKI MUSICA INC.)
Art direction & design by Tadashi Kitagawa (Kitagawa Design Office)

Very special thanks to All people who listen to this CD.

[Dramatic Works] Yumiko Watanabe.
Dancer: Ai, Shimba, Yuya, Satoshi, Juli, Aya

Mix: Kentaro Nagata, Ryo Kobayashi

 

LIVE INFORMATION
VENUSの祝祭

2023年5月27日（土）神奈川・川崎駅 ヨドバシカメラ前
開場／開演：18:30／19:00

出演：NAKAMURA Hiroyuki Project “Beyond Boundary Chamber Orchestra”
・Pf, Key, Cond: 中村浩之 NAKAMURA Hiroyuki (UN.a)
・Sax: 宇津木紘一 UTSUGI Koichi (UN.a)
・Ba: 前田竜希 Ryuki Maeda
・Vo, Vn: ヒロナカウラ HIRONAKAURA
・Rap, Sampler: qujioki
・Tb, Euph, F. Hn: 増圭介 Keisuke Masu
・Vn: 神田珠美 Tamami Kanda
・Vn: 竹前景子 Keiko Takemae
・Vla: 糸永衣里 Eri Itonaga
・Vc: 穴田貴也 Takaya Anada
・Manipulation: 小林良 Ryo Kobayashi

Guest：
・Yuri（Flute）
・Yu Yeung（二胡）
・藤井舞香 Maika Fujii（Dance）
・田口真弓（語り）

Produce by Beyond Boundary Music
共催：トビラ株式会社／NPO法人川崎ミュージックキャスト