北海道・札幌出身のシンガー・ソングライター、K E I_H A Y A S H I。短くない期間を作曲家やサポートなどの裏方として過ごしてきた彼は、〈本当に伝えたいメッセージは、自分自身が発信しないと伝わらない〉と気づき、みずから表に立って歌い始める。
2019年5月、令和の幕開けとともにファースト・シングル“Enough Love”を発表。そこからは快進撃と言っていいほどの活躍を見せている。claquepot、さなり、SPiCYSOLが出演したイベント〈Third Party〉、AIとSIRUPが出演した〈JFL presents FOR THE NEXT〉など、重要なステージのオープニング・アクトに抜擢。そしてデビューから約1年、ここに記念すべきファーストEP『KEI_HAYASH1』が届けられた。
K E I_H A Y A S H Iの温かく伸びやかな歌声は、彼が尊敬するスティーヴィー・ワンダーや久保田利伸といったソウル／R&Bを思わせるもの。一方で彼が生み出す力強くキャッチーなメロディーと聴き手を奮い立たせる歌詞は、J-Popの王道を行くような親しみやすさに満ち溢れている。例えば、かつてOfficial髭男dismが辿った道筋を、K E I_H A Y A S H Iも意気揚々と歩んでいくような、そんな姿をこのEPは想像させるのだ。
今回は、そんなK E I_H A Y A S H Iの実像や思想に迫るインタビューをお届けしよう。彼のルーツからキャリア、自身の作品にかける思いまで、たっぷりと語ってもらった。 ＊Mikiki編集部
K E I_H A Y A S H Iを育てたエレクトーンのレッスンと北海道の土壌
――まずは自身の音楽的なルーツについてお訊きします。地元・北海道でエレクトーンから音楽を始められたそうですね。しかも教室のレッスンはスパルタだったとか。
「そうなんです。当時はエレクトーン友達が20人ほどいて、辞めるのが難しい状況だったんですよ。気の迷いで〈辞めたい〉とか言うと、誰かから電話がきたりする（笑）。僕はコンクールで最弱で、先生から〈ワースト1〉と言われていました。でも変な運で勝ち進んじゃって、その頃の指導は特に厳しかったですね。
最近はアジアでもエレクトーンのコンクールが開催されてますが、あれは選曲から工夫しないと勝てないんです。オリジナルを作ったり、ジャズの名曲をアレンジしたり、大河ドラマの曲をメドレーでやってみたり。僕も当時は幅広い曲を弾いていました」
どうやらエレクトーン演奏動画が流行ってるらしいので、
— K E I_H A Y A S H I (@KEI__HAYASHI) May 5, 2020
小学4年生の頃の演奏アップします！笑
随所にツッコミどころ満載なので
お楽しみください。#エレクトーン#こどもの日#メガネ少年#足バタバタ#カメラワーク豪華 pic.twitter.com/fsRmzYb2SH
――歌はいつから?
「中学くらいの時にエレクトーン仲間とバンドを組むことになって、ベースを弾き始めたんです。その流れでコーラスやヴォーカルをやるようになって〈なかなか歌えるじゃん!〉と。それからベースを弾きながら歌うようになりましたね。
人前で初めて歌ったのは久保田利伸さんの“LA・LA・LA LOVE SONG”。あとはジャクソン5の“I Want You Back”などのソウルやディスコが多かったです。エレクトーンをやってる人はそういうのが好きなんですよ。コンクール疲れからファンキーで楽しい曲をやるみたいな（笑）」
――東京のジャズ・ミュージシャンには北海道の出身者が多いので、やはり北海道にはブラック・ミュージックの豊かな土壌があるのかなと感じました。
「あると思いますよ。とにかく北海道にいると、ジャズやクラシックなソウルをやっている人が多い。そういうセッションをやっている店もたくさんあるし、ジャクソン5を演奏しても全然浮きません（笑）。理由はわからないですけど、教育や環境はあるかもしれません。
例えば札幌にFM NORTH WAVEという、北海道の全土にR&Bをたくさん流すラジオ局があります。ここではSkoop On Somebodyさんがデビュー当時から番組を持っていて、小学校の時はそこから良い曲を知りました。
あとは夜中にひたすらクラシック・ソウルを流している時間があって。オンエア・リストを局のホームページで検索してからTSUTAYAやゲオにCDを借りに行ってましたよ」
自分の音楽をひとりでも聴いてくれたらハッピー
――なるほど。その後はどのようにスキルを磨いていったのですか?
「17歳、18歳の時は札幌で音楽の先生をしていました。アルバイトではありましたが、とにかく〈音楽で飯を食う〉とは決めていたんです。
僕は人に習いたいタイプなので19歳、20歳の頃は声楽の先生に習ったり、飛行機代と1時間2万円のレッスン代を握りしめて東京まで通っていた時期もありました。一生懸命バイトして、色々な先生に習うなかで基礎的な能力は付いていったかなと思います。
曲を作って仮歌を録音する機会も増えたので、それもスキル向上に役だったかもしれません。TV CMの曲もいくつか作らせてもらったんですけど、今聴いたら〈これでよく営業しにいったな〉というクォリティーでした（笑）。当時は無敵だと思ってたんですけど、東京だったら追い返されていたんじゃないですか」
――演奏の現場などの経験は?
「北海道の色々なところで演奏しました。結婚式やスーパーの野菜売り場、政治家の後援会、居酒屋さんとか、アウェイで演奏することが多かったです。そこで〈どうやったら人が聴いてくれるのか?〉と考えたことが今に生きているんですよ。それに慣れているから、自分の音楽をひとりでも聴いてくれたらそれでハッピーなんです（笑）」
――先日Zepp Sapporoで行われたライブ〈JFL presents LIVE FOR THE NEXT〉のオープニング・アクトのステージも拝見しました。いきなりスティーヴィー・ワンダーのカヴァーを披露されたことが印象的でしたが、あの度胸はそういった経験値からくるものだったのですね。
「あれだけ自分のことを見てくれる人がいるのは最高ですよ。あの時は地元でも僕のことを知らない人がまだまだ多いかなと思ったので、挨拶がてら自分のルーツであり一番尊敬しているアーティストの曲を思い切ってやりました。それが自信なのか勘違いなのかはわかりませんけど（笑）。
実はスティーヴィーと同じく自分も目に生まれつきの障がいがあって、しかも誕生日も彼と同じなんですよ。それは後から知ったんですけど、勝手にあやかって親しみを覚えてます。
誰かと自分を比べがちな思春期の閉塞感から僕を救ってくれたのは、スティーヴィーの“Do I Do”やSkoop On Somebodyさんの“誰かが君を想ってる””明日は明日”などの音楽でしたから。たとえ言葉の意味が分からなくても、彼らの音楽からは力をもらいました」
共感を求められる時代に歌う歌
――長い活動のなかで初となるEP『KEI_HAYASH1』をリリースされました。今の心境を教えてください。
「K E I_H A Y A S H Iとして活動を始めて1年。長い音楽活動のなかではだいぶ遅いデビューEPかもしれませんが、ちょうどいいタイミングなのかなと思っています。
そもそもは曲を作ったり、後ろで支えていたりする人たちに興味があったので〈自分が表に立って歌っていく〉とは考えていませんでした。もちろん裏方へのリスペクトは変わらないですが、時代的に楽曲それ自体の商品価値が失われつつあると感じます。
〈作曲家として印税をもらう〉という形式が難しくなってきて、代わりに意味を持ったのは〈ひとりの人間像〉だったり〈どういう人が歌うのか〉だったり。そして、それに対するみんなの共感が求められる時代だと思います。
そこで音楽を通してメッセージを伝えられるんだったら、曲を売るよりも自分が歌った方が面白そうだなと感じていて、そんな時に今のスタッフさんと出会えたんです。紆余曲折ありましたが、自分のなかではこれが最短のルートだったと信じています」
――実際に表舞台に出て、裏方とは異なる部分を感じます?
「自分の発信したものをリスナーさんが聴いて直接感想が返ってきたり、ライブの映像をSNSで共有すると必ずコメントが来る。これは他人の曲をせっせと制作していた時には味わえなかったことです。以前は自分のために作っていましたが、今は制作時に聴いてくれる人の顔が浮かぶようになりました。
あとは、やっぱり自分の楽曲を考える方が難しいなと思います。提供する時は客観的に〈この人はこういう曲を歌った方がいいんじゃないかな?〉と考えられますからね」
曲の景色が変われば、ジャンルも変わる
――EPに収録された5曲は、それぞれ違う質感になっています。意図などがあれば教えてください。
「今回はアルバムとしてのストーリーよりも、K E I_H A Y A S H Iを色々な角度から見て、知ってもらえる作品です。僕は色々な音楽の良さを感じて育ってきたので、特に決まったジャンルにこだわりがありません。
やはり〈誰かのストーリーに寄りそいたい〉という気持ちが強いので、ジャンルがバラバラというより〈夢を追っている時〉〈恋をした時〉〈恋がうまくいかなった時〉などのシチュエーションを想像したら、自然と曲調も様々になっていったんです。
〈KEI_HAYASH1〉というEPのタイトルは〈ちょっとベタすぎるんじゃないの?〉とも言われましたけど、まずは知ってもらおうということで。2作目が洗練されたタイトルになることを期待してもらえれば嬉しいです（笑）」
――タイトルといえば“Serenade”は〈セレナーデ〉と読みそうになりますが、〈セレナード〉なんですね。
「そこは言われてみれば、という感じで特に意識していません。制作チームの人がデモ音源を聴いて〈恋人を優しく思っているようだ〉と話してくれたのですが、僕も近い印象を持っていて、〈誰かを遠く離れたところから歌う曲〉ということでタイトルが決まりました。
僕はいつも曲が先行で、最後にタイトルですね。作曲する時はまずコードを鳴らして音楽的に埋めていきますが、メロディーやモチーフを展開させていくときはシーンを連想しながら考えます」
――“Just Believe”の古き良きJ-R&Bを思わせるアレンジについても教えてください。
「これはソロ活動をスタートさせた頃から演奏している曲で〈良い曲だね〉と言ってくれる方が多いです。アレンジはBlu-Swingの中村祐介さんに初めてお願いしました。彼のことは一方的に知っていて、スタッフさんも〈相性が良さそうだ〉と一致し、紹介してもらったんです。
デモ段階から僕の意図と彼のアイデアを音と言葉でやりとりしました。やはりセンスが良くて結果的にR&B感を足しながら、ちょうど良いところに収まった印象です。とにかく出来上がりには感動でしたよ。
あと僕はゴスペル感あふれる曲が好きなので、そういう曲がひとつあるといいなと思って作ったのが“シアワセノカタチ”です。
コード進行はソウルっぽくシンプルにしつつ、メロディーはキャッチーにしたいという意図があり、そのバランスをとるのに時間がかかりましたね。メロディーも歌詞も何回も作り直しましたけど、サビのモチーフが浮かんでからはイメージが一気に見えてきた感じでした」
聴く人の人生に寄りそう曲をめざして
――世間的には、まだまだライブをできる雰囲気ではないですが、EPの曲をどの様に演奏するかなどのイメージはあります?
「EPの楽曲は色々な編成でやってみたいです。まずはバンドと一緒に音源に忠実なパフォーマンスをしたいし、それが少しずつ浸透していったら弾き語りライブとかも。編成は普段から3人の時もあれば4人の時もあったり、現場によって使い分けている感じです。編成が増えれば増えるほど音楽としては楽しくなりますよね。
でも人が増えた分だけ楽曲の持っているシンプルさを消さないアレンジが必要だし、逆に弾き語りの時はリズムを出したり、ピアノ1本でこれだけのことができるというプレイを心がけています。
現在は情勢的にライブができず制作に力を入れているので、パフォーマンスのことを考えるだけでも幸せな話ですよ」
――最後に今後の目標などがあれば教えてください。
「僕の音楽の一番の目標は〈聴いてくれた人の人生に寄りそう曲でありたい〉ということです。自分自身が音楽に支えてもらってきたように、どこかの誰かを楽しませたり、一緒に泣いたり、そんな曲を歌えるシンガーになりたい。
あとはもっとファンを増やして、多くの人と反応を分かちあいたいし、自分の音楽を中心としたコミュニティーを作りたい。aikoさんのファンはファン同士で結婚する方が多いと聞きますし、僕も同じように新たな人々のつながりを生み出せたら嬉しいです」
