ドリーミー・エレクトロニカの新鋭として高く評価されたデビュー作『Phantasmagoria』から早1年。トラックメイカーのyuichi NAGAOがセカンド・アルバム『Rêverie』をリリースした。〈幻想/夢想〉を意味するタイトルの通り、ファンタスティックな世界観はますます深化。前作では多くの楽曲でボーカロイドを用いていたが、この新作ではShinobu OnoHer Ghost Friend)や加奈子禁断の多数決)など5人の女性ヴォーカリストをフィーチャーすることで、ノスタルジックなムードはそのままに、前作よりもドラマティックで表情豊かなサウンドを獲得している。優しい音の波に揺られつつ耳を澄ましてみれば、緻密に計算されたプロダクションの妙にハッと気付く――そんなふうに密やかな発見も楽しめる、長く付き合えそうな一枚だ。

Mikikiでは、ゴーゴー・ペンギンの音楽性を紐解くために、波多野裕文(People In The Box)とyuichi NAGAOの対談記事を今年3月に掲載している。そこでは、菊地成孔に師事したこともある知性派トラックメイカーとしての見地から、音楽理論やDTMの知識を交えつつ新世代ピアノ・トリオの音作りを語ってもらったわけだが、その対談でのやり取りも『Rêverie』の制作にヒントを与えているそうだ。ゲーム/アニメ音楽から最先端のビート・ミュージック、ジャズやヒップホップにまで精通する彼の新境地とは? ベッドルーム・リスナーに捧げられたという本作の制作背景に迫った。 *Mikiki編集部

yuichi NAGAO Rêverie PROGRESSIVE FOrM(2016)

ある種のルーツに対して開き直ることができた 

――前作の『Phantasmagoria』がリリースされたのが2015年の9月だったので、ちょうど1年後のリリースとなったわけですけど。

「本当はもう少し早く出したかったんですけどね。僕はいつも作曲するときに、作業を開始した日の日付を曲のプロジェクト・ファイル名にするんですけど、今回のアルバムでは一番古い曲が〈0101〉というファイル名で、まさに今年のお正月に制作を始めました。毎年お正月は実家でやることがないから曲ばかり作っているんですけど、そんな感じで最初はスケッチのような感じで取り掛かって。トータルのイメージとしては、前作の“Jewel Eyed Girl”という曲における〈ストリングスと変拍子による、キラキラとしたエレクトロニカ〉というコンセプトをより発展させて、もっと楽曲を量産できたらと考えていました」

――アルバム全体がヴォーカリストを迎えた歌モノになっている点も、前作と新作の大きな違いですよね。

「最初はそこまでヴォーカルについて意識してなかったんです。歌モノにするというよりは、作曲そのものをシンプルに突き詰めたかったので。あとは作曲に落とし込むための手段として、ストリングスやホーンだったり、生楽器を用いたアンサンブルのアレンジにこだわりたかった。それをエレクトロニカ/アンビエントのフォーマットに落とし込もうという狙いが最初にあったんです」

――なるほど。

「それで歌モノにしようと思ったのは、今年の3月くらいに……さっきも話したように、曲のファイル名が日付になっている〈0305〉と〈0306〉という2日立て続けに作った曲があって。それが最終的に、SoundCloudで先に公開した“ハルモニア”と“Ending Story”になるんですけど、その2曲がパッと出来上がったときに〈これは歌が必要になってくるな〉と思ったんですよね。それまでに作っていたデモはインストでも成立するものでしたが、これは歌が中心に欲しいなと」

――前作のインタヴュー(ototoyに掲載)では、ゲーム音楽のことをお話いただきましたよね。今作は勝手な妄想ですけど、アニメのサントラやイメージ・アルバムなどを想起しました。プロの劇伴作家による歌モノ作品集のような趣というか。

「インディー・レーベルからのリリースとはいえ、クォリティーに関してはこだわりましたね」

――そういう意味で、今回の『Rêverie』は〈ゲーム音楽出身のアニメ音楽作家〉みたいなサウンドだと思いました。

「話がちょっと飛びますが、元ナタリーの唐木元さんが、いまはアメリカのバークリー音楽院に留学されているんですけど。その唐木さんが以前、〈前はクールジャパンなんてアホか、そもそも日本のことなんて誰も知らんわ!と思っていたけど、最近はひょっとしたらクールジャパンもイケるかもしれないという気がしている。ただしそれは、世界の弱者の吹き溜まりというか、シェルターとしての機能を担うという意味であり、想像しているのとはだいぶ違うだろう〉とツイートされていて。それを読んだときに、自分のなかで日本的/オタク的な価値観との付き合い方がようやく腑に落ちたところはありますね。アニメやゲームからの影響は大きいけど、それをストレートに出すのを良しとする文脈とは違うところで音楽活動をしてきた自分にとって、ある種のルーツに対して屈折した距離感が長らくあったのですが、それがようやく開き直れたというか」

――確かに〈振り切れている〉と、この作品を聴いて感じましたね。

「(アニメやゲームは)自然に影響を受けてきたものだから、いまさら恥ずかしがったりする必要はないなと。どこに迎合するわけでもなく、好きなものをストレートに出そうという気持ちにようやくなれたというか。もちろん、海外のいわゆるカッコイイ方面のクラブ・ミュージックも好きだし、それと同じレヴェルの音楽を日本で作っている人も当然いるわけで、そういう人たちのことも尊敬しています」

 

音楽が消費されるうえで、替えの利かない部分が重要になる

――NAGAOさんはいろんなジャンルの音楽に精通されていると思いますが、最近聴いているものや意識しているものはありますか?

「制作中に改めて聴き返したのはSerphですね。キラキラしたエレクトロニカを作るうえでは先輩というか、やっぱり好きな方なので。あとは同人音楽系のbermei.inazawaさんもよく聴きました。『ひぐらしのなく頃に』のエンディング・テーマを手掛けた方なんですけど、ストリングス・アレンジが物凄く綺麗だし、切ない感じのテンションに惹かれます。あとはクラシックだと、ラヴェルドビュッシー。10年くらい前に、クラシックを意識して聴きまくった時期があるんですけど、そのなかでもフランスの近代音楽に一番ハマって。それも劇伴やゲームのサントラなどからの間接的な影響なのかもしれないですね」

Serph の2010年作『vent』収録曲“feather”
bermei.inazawaの2016年作『worldlink op.1』のトレイラ―音源
 

――なるほど。

「ちなみに、『Rêverie』というアルバムのタイトルも、ドビュッシーの大好きなピアノ曲の名前から拝借しました。直前まで決まっていなくて、長らく〈0305〉みたいに日付を仮タイトルにしていたんですけど、Q-TAさんのアートワークが仕上がったことで、曲の持つ詩的なイメージがヴィジュアルとして具体化された。それに助けられましたね。アートワークからインスピレーションを得て、大幅にアレンジを変えた曲もあります」

『Rêverie』のアートワーク
 

――前回のインタヴューで、〈ヒップホップがルーツにあるビートメイカーは、理屈ではなくリズム感とヴァイブスで(ビートを)ヨレさせる。それはとてもカッコイイけど、ちょっと自分にはできない。だから黒人的に身体的に揺らすのは、そういうセンスのある人がやれば良くて、僕は頭で考えて作ります〉といったことを話していたのが印象的だったんですよね。そういったビートの格好良さも理解しつつ、自分は別のやり方でいこうと。

「欲を言えば、カッコイイものを聴いたり観たりすると自分でもやってみたくなりますし、時間が許せばなんでも全部やってみたいという気持ちもあります。でも流石に、リソースの配分には限界があるので、ひとまずは自分の好きな方向にフォーカスして、自分のヴェクトルでやっていこうという感じですね」

――そういったリズムの面で、今作はどんなところにこだわりました?

「今回は複雑なポリリズムはそこまで使ってなくて、曲で言うと“Ray”くらいですね。あとは比較的シンプルなクロス・リズムの発展系とか、変拍子だったりを中心にして作りました。そういう意味でも前作の“Jewel Eyed Girl”の延長線上で、歌モノで変拍子やテクニカルなものをやりたいというのはありましたね。あとは前にMikikiの企画で、People In The Box波多野裕文さんとゴーゴー・ペンギンについて話すという対談をやらせていただきまして。それがきっかけでPeople In The Boxにハマってよく聴いているんですが、彼らのアプローチはすごくカッコイイんですよね。ポップな歌モノをフォーマットにしているのに、リズムもかなり凝っているし、綺麗な和声を落とし込むなどクラシカルなセンスも感じられて。メジャーで活動しているのに、メチャクチャ攻めているんですよね」

People In The Boxの2015年作『Talky Organs』収録曲“逆行”
 

――あの対談を読んで、僕も好感を抱きました。

「実は今回の作品で、すごく影響を受けたのかもしれない。もちろんロックなので、エモく突っ走ったりする瞬間もあるんですけど、(全体的に)テンションがちょうどいいんですよね。品があるというか。あと、その対談で波多野さんは演奏家としての矜持についても語っていて。僕は自分で楽器を演奏しないので、ふむふむと聞きながら、フェティッシュにこだわる部分については自分も意識していこうと思いました」

――というと?

「エレクトロニック・ミュージックの世界では、何か流行のフォーマットが現れると、それが一気に共有されやすい。それによって楽曲やシーンのレヴェル自体は上がるけど、万遍なく最適化されることで、多様性がスポイルされてしまう側面がなきにしもあらずだと思うんですよ。それはそれでいいけど、音楽が消費されていく流れのなかでは、替えの利かない部分こそがより重要になってくると思うんです。そのためにはやはり、どれだけ細部についてフェティッシュにこだわれるかだと思うので、そこは突き詰めていきたいですね」

――NAGAOさんとしては、具体的にどんなところをこだわりたいですか?

「自分の場合は作曲面やリズムのヨレ、変拍子のアプローチだったり。あとはポップになりすぎないように気を配りつつ、聴きやすくて美しい和声とメロディーの関係にもこだわりたいですね。コード進行もただシステマティックに考えるのではなくて、ちゃんと楽曲として必然性があるというか、有機的に成立するようにしたい。〈この一音が半音下がってるからいいんだよね〉みたいな部分に、もっとこだわらなくちゃって」

人の声ならではの魅力と難しさがあることに気付かされた

――今作の大きな特徴である〈歌〉について、もう少し訊かせてください。今回は歌が必要になったと先ほど仰っていましたよね。前作では初音ミクを使っていたけど、本作では生身のヴォーカリストをフィーチャーしている。

「最初の時点では、具体的にヴォーカルをどうするかはノープランだったので、とりあえずボカロで仮歌をあてて、曲を作り貯めていきました。そこからデモが出揃った段階で、レーベル・オーナーのnikさんにデモを聴いていただいて。実は歌を使いたいんですけど、誰かいいヴォーカリストはいないですか?と相談したんです。それで、過去にPROGRESSIVE FOrMの作品に参加された方を中心にnikさんから紹介していただき、みなさんにコンタクトしていったという流れですね」

――前作の歌詞は自動筆記に近かったと、前回のインタヴューでおっしゃってましたよね。(作詞について)今回はどうでしたか?

「初音ミクの場合は(データとして)入力した言葉をそのまま歌うので、人間的な発音や歌いやすさとか、そういったことにまったく無頓着に作るのがおもしろかったんです。ある意味でシンセのようであり、器楽的なメロディーを声に置き換えていくような感じだった。だから、生身のヴォーカリストに歌ってもらうことで、言葉とメロディーが合わさったときの抑揚、それに息継ぎだったり、人の声ならではの魅力と難しさがあることにいまさらながら気付かされましたね。言葉のチョイス自体は、アルバム全体を通して一つの詞世界になるようなイメージを念頭に置いていたんですが、そういった言葉の持つ意味に加えて、声を口から出すときにどうすれば気持ち良くなるのかも意識しなければならない。それが一番しんどかったです」

2015年作『Phantasmagoria』収録曲“真夏の夜の夢”
 

――それは確かに、これまでとはまた違った作業ですね。

「今回は仮のメロディーを作ったあと、その上に歌詞を入れていったんですけど、このメロディーだとこの言葉はハマらないとか、その逆パターンみたいなことが結構起きて。歌詞に合わせてメロディーを何回も作り変えたり、そういう試行錯誤がありましたね」

――ゲスト・ヴォーカルとの共同作業はいかがでしたか?

「今回は全部オンライン上で、ファイルを交換しながら進めました。自分は普段、仕事でクライアント・ワークをするときもインストものが中心で。もちろん、歌モノのトラック制作やヴォイス・パフォーマーとの共演などはありましたけど、オリジナルの歌モノをアルバム1枚分ガッツリ作るのは初めての経験でした。なので、シンガーさんのキーを外した状態でデモを送ってしまったり、基本的なところで迷惑を掛けてしまったのは反省ですね。ただ、そうやって歌い手に合ったキーを手探りで選ぶプロセスは、とても勉強になりました」

――それぞれのシンガーについても訊かせてください。“Ending Story”のHer Ghost FriendのShinobuさんはどうでしたか?

「やっぱり声が可愛らしい方なので、その声を活かせるように何パターンか歌っていただいて、そのなかからチョイスしました。自分の曲でもその魅力的な帯域を活かすために、何回もキーを調整していただいて、結果的にいいところに落ち着いたので良かったです」

Her Ghost Friendの2016年作『君のいる世界が好きだよ』収録曲“たぶんわたしがゆうれいだったら”
 

――“Ray”で歌っている、禁断の多数決の加奈子さんは?

「彼女も声が可愛らしいですよね。だから、曲調はそういう方向に寄せすぎず、そこでギャップを出せたらと思いました。“Ray”は実験的な要素が強くて、サビの部分とかは歌うのが難しいんですよ。だけど、加奈子さんは納得がいくまで何回も調整してくれたり、〈ハーモニーはこっちのほうがいいんじゃないですか?〉と提案してくれたりして。そのミュージシャンシップにすごく助けられました」

禁断の多数決の2012年作『禁断の予告編』収録曲“さようならマイワールド”
 

――Makotoさんは“ハルモニア”と“Amber Song”の2曲に参加されていますね。

「MakotoさんはLLLLさんの作品などに参加されている方で、nikさんに紹介していただきました。声に透明感があって、いい意味で癖がないというか、エレクトロニカ的なサウンドとの相性がすごくいいんですよね。だから、どの曲をお願いしても上手くハマりそうだと思って、その透明感が特に欲しかった2曲で歌ってもらうことにしました」

――Smanyさんはどうですか?

Bunkai-Keiなどから作品をリリースしている方で、彼女が参加しているhimeshiというラッパーのリミックスを手掛けたことがあったので、今回のゲストのなかでは唯一の知り合いでした。今作では“重力の海”という曲で歌ってもらったんですが、安定感が抜群というか、歌唱法の引き出しがすごく広い。最初の仮テイクではシンプルに纏めてくれたんですけど、そのあとに別ヴァージョンをお願いしたら、パッと違うニュアンスを付けてくれたり。作業もスムースに進められました」

MakotoをフィーチャーしたLLLLの2015年作『Faithful』収録曲“Blue”

――秦千香子さん、この方は?

「“Luna”で歌っていただいたんですが、秦さんはシンプルに歌がメチャクチャ上手い。ピッチ補正も最小限で済みましたし、歌のニュアンスによってメロディーの良さを引き出してくれるので、声の魅力にかなり助けられました。あとこの曲では、ジャズや即興をやってる白川可奈子さんというシンガーに仮歌をお願いして、平歌部分の歌詞やメロディーも彼女に作ってもらいました。だから、作曲面では白川さんによるパートはとても良かったんですけど、自分で作ったサビのメロディーをどうするかギリギリまで悩んでしまって……。でも、歌の力で何とかなったというケースですね」

秦千香子がヴォーカルを務めたFREENOTEの2012年のナンバー“冬空ときみと僕と”
 

――これだけの方に参加してもらうと、すごく良い経験になったのでは?

「そうですね、いろんな経験値をいただけたので本当に感謝しています。今回のアルバムに収録した楽曲は6月までに一通り完成していたんですが、そこから歌を入れてもらって、こちらで手を加えて……というプロセスを経たことで、完成までにタイムラグを設けられたのも良かったです。そういったラグを挿むことで曲を寝かせつつ、アイデアを煮詰める時間が出来たので、もっとブラッシュアップすることができた。それが今回は結構大きかったなと」

 

ベッドルームにいる一人一人のリスナーに届けたい

――マスタリングはどのように進められたのでしょう?

「今回は中村公輔さんにお願いしました。サウンド面は完全にベッドルーム仕様を想定していたので、音圧をどの程度まで突っ込むか、どれくらいバキバキにするかは結構悩んだんですよ。でも、やっぱり〈一人で聴く〉というテンションを大事にしたいなと。4つ打ちの曲もありますけど、リズムはダンサブルでもクラブでかけると踊りづらいはずで」

※サウンド・デザイナーとしてKangaroo Pawなどの名義で活躍。レコーディング・エンジニアとしてtoeフルカワミキTAMTAMなどを手掛けている

――逆に、家で聴くとちょうどいい。

「完全なアンビエントではないし、むしろポップなんだけど、そこまでテンションが高すぎず、かといって退屈で眠くなるほどには低すぎない。そういう匙加減を意識しました。ただ、バキバキにするべきか結構悩みましたけど……。それは違うと頭でわかっていても、音圧のインフレにはどうしても引きずられてしまいますね」

――ネット上で話題になるタイプの音楽は特にそうですよね。

「そうなんです。でも、このアルバムはCDとしてリリースするわけだし、ネットでバズるような派手で即効性のあるタイプの曲ではなく、ちょっと地味かもしれないけど、物として落とし込んだときに長持ちするようなものにしたかったんですよね。そこで、マスタリングについて中村さんに相談したら〈バキバキにもできるけど、綺麗に纏める方向でやってみますね〉とのことだったので、その方向でお願いしたらイイ感じに仕上げてもらえたので本当に良かったです」

――この次はどうしましょう、創作意欲が湧いているとのことですが。

「ヴォーカリストと一緒に作るのがとても楽しかったので、歌モノについては引き続き挑戦していきたいです。今回は人選も含めてお世話になりっぱなしだったけど、お願いしてみたい方が何人かいたりするので、今度は自分から積極的にアプローチしていきたいですね。あとはやっぱり作曲面を突き詰めたい。そこはまだまだ未熟というか、すごい曲を聴いたりすると刺激を受けるので」

――すごい曲というと?

「先ほど挙げたbermei.inazawaさんのアレンジもそうだし、最近聴いたなかでは、長谷川白紙さんの曲がすごく良かったです。クラブ・ミュージックのトレンドも押さえつつ、ポップでメチャクチャ技巧的。若いのに、よくここまで完成されてるなと」

長谷川白紙が2016年に発表した楽曲“肌色の川”
 

――NAGAOさんは、技法や技巧が気になるタイプの作り手ですよね。

「もちろん、それだけではないですけどね(笑)。技術のための技術じゃなくて、自分がやりたいことを実現するためのスキルが欲しい。例えば、ジェイコブ・コリアーとか……」

――若くて、一人で全部やっちゃう人ですよね。

「まだ22才なんですよね、ライヴにも行きました」

ジェイコブ・コリアーの2016年作『In My Room』収録曲“Don't You Know”のライヴ映像(インタヴューはこちら
 

――NAGAOさんは、ライヴについては?

「誘われたらやりたいんですけど、ライヴを前提に曲作りしていないのでどうしようかなと。クラブ・ミュージックを作るのも全然好きだし、ライヴ用の曲を作ってセットを組むやり方もありますけど、アルバムの世界観を再現するにはどうしようかと……頭を抱えているところですね。でも、いくつかリズムのある曲はミックスを変えたりして、フロア用に仕込めるようにしたいなと」

――そちらも楽しみです。最後にひとことお願いします。

「自分のリスナー体験を考えたときに、フロアで大勢の人と楽しむこと以上に、家で一人で聴くという体験がとても重要でした。なので、そうした気持ちを持つ方に少しでも共感してもらえるものになっていれば幸いです。みんなでアンセムを合唱するみたいな体験も素敵だけど、この『Rêverie』に関してはそこではなく、ベッドルームにいる一人一人のリスナーに届けられたらいいなと思いますね」