2019年、ひさびさにオリジナル・アルバムをリリースしたことで注目を集めた長澤知之だが、あれから半年と少し、早くも今年2枚目となるミニ・アルバム『SLASH』が届けられることとなり、多方面で驚きの声があがった。

その内容はアコースティックな音作りが施された楽曲が目立った前作『ソウル・セラー』と対になっており、大きくバンド・サウンドに舵を切った作品となっている。ドラムスにTRICERATOPSの吉田佳史をはじめ、秋山タカヒコ（downy／THE MORTAL）、ベースの須藤俊明やキーボードの山本健太、そしてCalmeraのホーン・セクションといった腕利きミュージシャンをバックに、多彩な音楽性を思いっきり開陳した感のあるここでの彼であるが、色とりどりな楽曲を揃えたことでヴォーカルの強烈さがいっそう強調されているというか、どこを切っても夢見がちな性格が滲むオンリーワンな声が響き渡るアルバムとなっており、前作以上に〈濃さ〉が際立っていると言ってよいと思う。

なぜ彼はこのようにカラーの異なる2枚を作ろうとしたのか。そしてサウンドの傾向が違うこの新作において、どのような歌を紡ごうと意識したのか。そんな疑問をぶつけてみた。

 

バンド・サウンドで外に投げかける『SLASH』

――この2枚のアルバムの流れは、前もって描いていたものなのですか?

「アコースティックなサウンドの『ソウル・セラー』が内面を映し出したものと言いますか、ごく個人的な内容になったので、今回の『SLASH』はバンド・サウンドで外に投げかけるような作品にしようという意識が働きまして」

――楽曲の傾向別に分けたということですか?

「分けたところもありますね。ただ、いろんな考えが働いて、ずいぶん昔に作った曲の日の目を見せるタイミングをここにしようと決めたり。“KYOTON”と“いつでもどうぞ”が古い曲で、このアルバムに合うなと思ってレコーディングしたんです。速い曲が欲しかったっていう単純な理由なんですけどね」

――なるほど。バンド・サウンドでパンキッシュにいく曲が必要だったと。

「そうですね。あとファニーで、ふざけているノリも欲しいなと思って」

――8曲入りだけど、多彩な曲調が揃っていて、すごく中身が濃い。

「色とりどりなものにしようと計画立てて進めたわけじゃないし、他の曲との兼ね合いを意識して書いたわけでもなく、曲それぞれの世界観を構築していった結果、雑多な曲調が揃ったってことだと思います」

 

UFOを待ち、政府の陰謀を信じる男の歌“ムー”

――非常に映像的なアレンジが施されているところもアルバムの特色ですね。 “Back to the Past”の間奏に登場するサックスの調べとか実に効果的。

「“Back to the Past”は未来から現在を見る、という歌詞なんですけど、現在を未来から見つめながら、人と人との一期一会の機会を大事にしたい、と思って書いた曲なんです。過ぎ去ってしまう時間を良いものにしたい。そこで、時間を逆流するようなサウンドが欲しくなって、サックスの演奏をリヴァースしたんですね。で、辻褄合わせじゃないですけど、最後の一節だけ普通の演奏へと戻るという」

――不思議な感覚が得られるのはそういう理由があったからなんですね。“Back to the Past”は未来から現在ですが、オープニング曲“ムー”も過ぎ去った時間を振り返っていたりするし、視座があちこちに飛躍しているというか、過去や未来を行ったり来たりしているのが印象的で。

「未来から過去を見るという方法はよく用いるんですが、何か目標や目的を持って生きている登場人物の視点で物語を進めていくので、当然ながらコロコロと変わっていきますよね」

――登場するキャラクターは空想の人物が多かったりするんですか?

「描かれている世界は完全な空想ではなく、特定のロールモデルがいたりもします。“ムー”の主人公は、ある目的を叶えるために、あるいは世の中を良くしたいがために何かを暴かんとする、あるいは壊さんとしている。しかしいつの間にか夢を達成するという目標を見失ってしまい、手段がゴールというか、暴こうとすること、壊すこと自体がゴールになってしまっている。この主人公はそういった本末転倒な人物で、彼をどういう設定に置けばいいかと考えたときに、UFOを見つけて、政府の陰謀を信じている人物というイメージが生まれたんです」

――この曲にはとにかくヤラレました。〈政府の陰謀〉というフレーズをここまでキャッチーに響かせるとは。最高です。ところで、曲のモチーフになっているオカルト雑誌の老舗「月刊ムー」の読者だったんですか?

「この曲を作ったことで関わりを持たせてもらうようになったんですが、それまでは一度も読んだことありませんでした。UFOを信じる男の物語においてひとつのモチーフとして使わせてもらったってことですね。

ちなみに最初のタイトルは〈ムー（仮）〉ってつけていました。そうそう、ガチな読者の方々を〈ムー民〉と呼ぶんですよね。で、雑誌の創刊40周年記念の集まりでそういった方とお目にかかったんですが、〈ロズウェル事件のアレさぁ……〉とか話しかけられて、な、なんすかそれ!?って（笑）。ぜんぜん知らないんでね」

 

僕はわりとロマンティックな人間だと思うんです

――（笑）。しかし“ムー”もそうですが、何かの到来を待ちわびている人物というのが長澤知之的キャラだなぁと思わずにいられません。そういう登場人物の心情を表すときの長澤さんの歌声もなんだか浮遊感を湛えていて、独特な風情を醸すんですよね。空想とどうしようもない日常のはざまを揺れているときの長澤さんの歌って実にイマジネイティヴだと思う。

「わりとロマンティックな人間だと思うんですよ、僕は。リアリストというよりも。空を見上げると月があって、星があって、バカでかい天体が頭の上に浮かんでいる。で、視線を落として街並みを見渡せば、見慣れたよくある風景が広がっている。僕らはまあるい地球という惑星に住んでいる。最近の話では、銀河の先に水蒸気が見つかったという。それにブラックホールが観測できたというニュースも耳にした。そういった人知を超えた世界と現実世界が隣り合わせにある状態。量子論とか考えているとすごくロマンを感じる」

――半径数メーターの世界への慈しみと遠い宇宙の果てへの想いの両輪が、長澤知之というソングライターの作家性を形成しているんですかね。

「そういう解釈もあるんだな、って考えると、皆さんそれぞれの意識のうえに世界は成り立っているってことを痛感せずにはいられませんね。あなたにとって俺は他人なんだ。あなたは〈自分〉でいらっしゃるんだね、ま、俺もなんだけど。そう感じることがロマンティックだなと」

――一般的に見たらどうしようもない人物を慈しむという姿勢、この点についてはいかがですか?

「その部分はクリスチャンの家庭に育ったことが大きい。キリスト教は基本的に赦しの世界であり、お互いを愛せよ、という教えですから、相手を傷つけることはよくない。そういう道徳的観念で育ってきました。

ま、途中でグレちゃってすっかり忘れちゃっていた時期もありましたけどね。『北斗の拳』を観させてもらえない、ってことに対して反発したり（笑）。抑圧されることへの反動でそういうものをめちゃくちゃ好きになって、パンク・ロックに傾倒したり。

でもやっぱりどうしても潜在意識に刷り込まれていて、それに培われて生まれた思考と、いろんな音楽的な出会いによって生まれた人への感謝、そのふたつが基本となっていると思います。で、現在は赦しと怒りの両方がいい具合に中和された状態にあるんじゃないかなと思います」

 

リズムに縛られない弾き語りと正確なリズム感が必要なバンド録音

――続いて歌に関して訊きたいのですが、バンド・サウンドをバックにして自身の歌声をどうやって魅力的に響かせるか、そこにかなりこだわっただろうなという印象を受けました。何よりも楽器としての声がとてもいい具合に鳴り響いていますね。自己評価はいかがですか?

「ディレクターとも話していたんですが、言葉を伴ったひとつの楽器として見ようと。主人公を中心に配置するのではなく、それぞれが楽器として機能しつつ並列に並んでいるようにしたいね、って。ヴォーカルだけがバカでかくて、他がいるんだかどうだかわからないような曲があったりしますけど、その真逆を狙って作りました」

――じゃあミックスもそういうふうにこだわられて。

「ミックス・エンジニアさんにそう依頼した曲もありました。録り音を手がけてくれた方がミックスをやってくれたりもしたので、何を言わんとしているのか、どういうふうな風景を描き出そうとしているのかを理解してくれていましたし」

――パンクっぽい曲をやろうとしたら、どこかひとつだけ突出していては成立しないというか、やっぱり一体感が命ですからね。

「ラモーンズみたいに?　ワン、ツー、スリー、フォー!が持つ意味（笑）。アレ、気合入れる掛け声ですもんね」

――で、今回のレコーディングにおいては、ああいう気合を必要としましたか?

「いや、どちらかというとフラットな状態で臨みましたね。僕、リズム感がないんですよ。リズム・ギターがとにかく苦手で、それを録るのが楽しくなかったです（笑）。ヴォーカル録りは超楽しかったんですけど」

――どうして苦手なんですかねぇ。

「下手なんですよ。上手くないのは、たぶん心の中で、あまり必要性を感じない、って考えがあるからだと思う。だから磨きをかける努力をしない（笑）。

音楽をやり始めたとき、7000円のガット・ギターを買ってビートルズなどをカヴァーしていたんですが、自分で曲を作って弾き語りをはじめるようになると、緩急や抑揚をつけるといったことがどんどん我流になっていった。福岡のライヴ喫茶〈照和〉で月2、3回ステージに立っていたんですが、リズムに縛られないことを目的としていて、そのスタイルがいまの礎になっている。

だからクリックに合わせてリズム・ギターを弾こうとすると、やべっ!ってなってしまう。どうしても無駄なことをやってしまうんですよ。ダダダダダダダダっていうストロークをたくさんやってしまう。そちらに慣れてしまったんで、正確かつ均等にリズムを刻むのがちょっと難しい。挙動不審な動きをしてしまう（笑）。

リズム・ギターも極めたらめっちゃ楽しいんでしょうけどね。ただ背伸びして自分にないものを求めても仕方がないので。まぁ、今回はいろいろとがんばりました。でもそれよりも、リード・ギターで遊んでいたほうがいいやっていう」

 

コーラスはなるべく下手にしてください

――それと今回はコーラス・ワークに凝った曲が目立ちますね。

「コーラス・ワークはこだわりました。琴線をふるわせるものがあるんですよ。自分が聴いてきた音楽の影響も大きくて、ビートルズやサイモン&ガーファンクル、それに10㏄なんかもそうですけど、自分のなかにある素敵なものを掘り下げていったらそこにコーラスがあるっていうか、喜びを感じさせるものとして表現しました」

――“ムー”のゴスペルチックなコーラスなんて実におもしろい。

「アカペラとハンドクラップで始まるんですけど、参加してくださったシンガーの方々は皆さん歌が上手いんですね。でも、自分が小さい頃通っていた教会のことを思い出して、街の教会ですから、音痴の人が混じっていたりするんです。ああいう感じを出したいので、なるべく下手にしてください、とお願いして。そのほうが自分の知っている風景に近いものになるというか」

――確かに“ムー”の世界に、カッチリしたきれいなコーラスは似合わないですね。

「はい、生々しさと不気味さが伴うような世界には少し素人っぽさが合うような気がしまして」

――随所に登場するホーン・セクションもまた特徴となっていて。

「Calmeraさんが参加してくれました。ホーン・セクションを入れようということになったものの、どういった感じに仕上がるのか、ガラリと世界を変えちゃう可能性があるんじゃないか?って危惧して最後まで悩んだんですが、結果的にはかなり満足しています。ホーンが醸す妙な明るさがときに怖さを感じさせたり、あるいは能天気な感じを生み出したり、もっと言えば奇妙なポップさに繋がったりということがわかって、素敵だなぁと」

――長澤さんにとって、ホーン・セクションを大々的にフィーチャーしたアルバムで好きなものって何がありますか?

「そうだなぁ……スティングの『...Nothing Like The Sun』とか影響を受けていますね。“Englishman In New York”でのホーンの使い方はすごく素敵で。あちらのアーティストはわりとジャズが近い存在ですよね。でも日本はどうもちょっとお高く留まったイメージがあるというか（笑）。もっと庶民的な音楽であっていいんじゃないか?って。僕、ジャズもクラシックも造詣は深くないですけど、本来はもっと身近なものなんだろうな、って思いますね」

 

音楽って不思議なもので、苦い言葉を明るい音で照らしてみたら光が見えるように思えて

――サウンド的には今回やりたいことを突き詰めていった感じに近いんでしょうか?

「このアルバムを作っていた時期に、90年代初期のJ-POPがブームになりまして、今井美樹の曲とか聴いてました」

――お～、シティ・ポップを!

「DX-7で作られたシンセ・サウンドとか、ゲート・リヴァーブのかかったドラムとか、あの時代ならではの音色に胸がキュンとしていたタイミングだったので、何かしら反映させようと思いまして。

“世界は変わる”ではキーボードの音色をどこか懐かしい感じにしてみて、そこにフォーキーなものを合体させてたり。でもリズムはミドルテンポでジャキジャキ、ロックでいこう、と。そんな感じで、ひとつの曲にいろんなアイデアが混じり合っています。

あと僕、ぜんぜんレゲエを聴いてこなかったんですが、というか良さがいまだ掘れていない状態なんですが（笑）、“シュガー”のなかでダブっぽいことを茶化し気味にやってみたりしました」

――渋谷系の匂いがするグルーヴィーな“シュガー”も、90年代初期の音楽シーンを連想させますね。

「思いっきり遊んでみました。ただあんまり90年代は意識していないですね。この曲の歌詞ってとにかく救いがなくて、苦々しい言葉にとっても明るいメロディーとサウンドで照らしてみたら、音楽って不思議なもので、少しは光が見えるように思えて」

 

音楽作りにおいては生々しさが好きですね

――いろんな曲調が揃い、多彩なイメージが広がれば広がるほど、長澤知之という人の得体の知れなさがいっそう浮き上がっているところがおもしろくって。

「結局、お前は誰だ!?って感じですかね（笑）」

――そこから深読みすると、画一的な見方をされることを拒絶しようとしているというか、俺のことをそう簡単にわかられてたまるか、って意識を汲み取ったりもしちゃうんですけど。

「いやぁ、そこまでは考えていないですよ（笑）。単純に楽しんでほしいなって、その一心です」

――勝手なイメージですが、ストレートに自分をさらけ出す、ってことが苦手なんじゃないかって印象があって。

「あぁ、へそ曲がりな感じですか?」

――さまざまな曲の裏側に、なにやら危険な印が見えるというか、ヤバい何かを隠し持っているような気がしてならない。そのドキドキしてしまう感じがたまらなくって。

「おもしろいですね。正直、何かヘンな魂胆をもってやっているわけじゃないんですけどね。なんていうか音楽作りにおいて、生々しさが好きですね。その生々しさがときに怖さと繋がったりするのかもしれないけれど。

サブスクが主流のいま、EDMに押されてギター・ロックが少し寂れてきている状況にあって。それに関してはぜんぜん否定的じゃないんですけど、自分の好きな音楽ってもはや琴線の中心点が固まってしまってやることもそんなに変わらないというか、ある意味これしかやれないということであって。そのなかでどこまで違う色を付けながら遊べるか、ってことなんですけどね」

 

『SLASH』は自分にあるものを使って全開で楽しめたアルバムです

――なるほど。では最後に今回のアルバムを作り上げたことで得られた手ごたえを教えてください。

「自分の好きなメロディーに自分のなかから出てきた言葉を乗せて作った曲だから、自分の曲をよく聴くんですね。お酒を飲みながらだとか。そういう意味で、前作とこの2枚を作り上げたことで、そういう楽しみが増えたってことですかね。レコーディングも楽しめましたし。リズム・ギター録り以外は（笑）」

――（笑）。かなりの手ごたえを感じてらっしゃる。

「感じてますよ。とっても好きなアルバムですね。その時々自分が好きなもの、聴きたいものを作ることがとても大事なので、無理して背伸びしたりせず、自分にあるものを使って全開で楽しめたアルバムです」

――で、自分の快楽原則に従って作られたアルバムでもある。

「快楽に従いましたね（笑）」

 

---

LIVE INFORMATION
Nagasawa Tomoyuki Band Tour 2019 ‘SLASH’
2019年12月2日（⽉）⼤阪・梅田 umeda TRAD
2019年12月3日（⽕）愛知・名古屋 APOLLO BASE
2019年12月5日（⽊）福岡・博多 Gate’s7
2019年12月12日（⽊）宮城・仙台 spaceZero
2019年12月16日（⽉）東京・渋谷 WWW X
メンバー：松江潤（ギター）／須藤俊明（ベース）／秋⼭隆彦（ドラムス）／⼭本健太（キーボード）
前売り：4,800円（税込／整理番号付／ドリンク代別）
※福岡公演は全席⾃由
※未就学児不可。⼩学⽣以上の⽅はチケットが必要
http://www.office-augusta.com/nagasawa/live/