黒澤よう（元・ポートレイツ）、大沢建太郎（元・北園みなみ）、佐藤望（カメラ＝万年筆／婦人倶楽部）の3人からなるバンド……だったOrangeade。ライヴの機会こそ少ないものの、別のフィールドで活躍してきた3人が集まったという話題性を超え、洗練されたソングライティングと洒脱なポップセンスで彼らは支持を集めてきた。が、しかし。2019年10月1日、大沢が〈著しい素行不良〉により〈解雇〉されるという、前代未聞の展開に。
以前からファンをハラハラとさせてきたOrangeadeが、ここにきてなんと、新メンバーとしてシンリズムを迎えることを発表した。さらに、バンド名を〈conte（コント）〉に改めて再スタートを切る。10代半ばからソロ・アーティストとして活躍してきたシンリズムが加わることで、バンドはどんな変化を見せてくれるのだろう? その答えは、改名の発表と同時に届けられた新曲“季節を狙え”にあるかもしれない。
そんなOrangeade／conteをテーマに、彼らに同じ〈スタジオ派〉としてのシンパシーを感じるという冨田恵一（冨田ラボ）と、音楽評論家の岡村詩野が語り合った。旧知の仲であるという2人の話題は、2010年代の邦楽シーンを俯瞰するような内容にまで及び……。冨田のプライヴェート・スタジオで収録した、ざっくばらんなトークをお届けしよう。
なおOrangeade改めconteは、12月2日（月）にMikikiが主催するTWEEDEESとのツーマン・ライヴに出演する。シンリズムもメンバーとして出演するが、おそらく〈Orangeade〉としてのラスト・ライヴとなるだろう同公演、ぜひお観逃しなく（イヴェントの詳細は記事末尾でチェックを!）。
スタジオ派・録音派のミュージシャンたち
冨田恵一「それにしても、〈素行不良〉という表現（笑）。大沢さんの〈えーん〉っていう反応（笑）」
【お知らせ】著しい素行不良により、10/1をもって大沢建太郎を解雇しました。今後はそれぞれの活動を応援いただければ幸いです。Orangeade
— conte (@conte_tw) October 1, 2019
えーん(´；ω；｀) https://t.co/PRgN0aBmqu
— 大沢建太郎（旧 北園みなみ） (@osawa_kentaro) October 1, 2019
岡村詩野「そして大沢さんが抜け、シンリズムくんが加入するという……」
冨田「それもびっくりですよね」
岡村「一緒にツアーをしたり、近いところにいたりしたから、自然な流れのようです。シンリズムくんは同じ〈宅録派〉〈スタジオ派〉の仲間をみつけることができた感じです。これから再起動するんでしょうね」
冨田「最近は若くて良いバンドも多いですけど、スタジオ派・録音派みたいなアプローチのバンドは少ないですよね。ライヴ中心の活動だからそうなるんだろうけど。僕は昔からずっと録音物・録音作品優先だから、言ってみれば、スタジオ派じゃないですか?」
岡村「〈派〉どころか、スタジオそのものじゃないですか（笑）」
冨田「（笑）。ただ、最近は作編曲、パフォームする部分までが表現の大部分で、録音はそれを〈記録〉するプロセスと捉えられていることが多いんじゃないかな。まあ、原点回帰と言えるんだけど。でもOrangeadeを聴くと、〈録音が好きでやっているんだな、この感じ久々に聴いたな〉って思ったんです」
2000年代以降、スタジオ派の新しい波に先鞭をつけた冨田恵一の存在
岡村「望くんは昭和音楽大学の出身で、彼の世代はスタジオ派の新しい波を支えているんです。望くんとカメラ＝万年筆（caméra-stylo）というユニットを一緒にやっている佐藤優介くんやスカートの澤部渡くん、Babiさんといったミュージシャンは同じ昭和音大の仲間で、彼らはスタジオでウェルメイドな音を作ることにものすごく自覚的。澤部くんたちは牧村憲一さんの門下生なんですよ※」
冨田「マキジイさんですね」
岡村「ええ。牧村さんの授業でどんなことをしていたかというと、プリンスのビデオを観るとか、ブリジット・フォンテーヌの『Comme à la radio（ラジオのように）』（69年）を通して聴くとか……。いい授業ですよね、その作品から自発的にものを考えるって。
多くの学生たちはピンときてなかったみたいだけど、自分は興味深く授業を受けていたと、澤部くんが言っていました。少ないながらもそういう学生が何人かいて……それが澤部くんや望くん、優介くんだった。レコーディング作品のおもしろさを牧村さんが伝えていたら、一部のディープな学生にヒットしたんです。だから、彼らは〈ライヴ派〉でもあるけど、スタジオ派でもある」
冨田「いま、20代中盤ぐらいの人たちにはライヴ派が多いんですよね」
岡村「フェスやイヴェントがこれだけ多いので、そうなってしまうんだと思います」
冨田「なるほどね。僕が録音作品に向かう場合は、演奏するのが初対面のスタジオ・プレイヤー同士だろうが、新曲だろうが、それが息の合ったバンドが長年演奏してきた曲で、しかも奇跡的なパフォーマンスを残した、と聴こえるまで詰めて、そう録れた後にもさまざまなプロセスで作品をブラッシュアップする。伝統的とも言えるそういった価値観で制作しているかどうかは、作品を聴けばすぐわかるんです。もちろん、そういうアプローチじゃなくても良い作品はあるんだけどね。その点Orangeadeは、あきらかに僕と同じ派閥に聴こえました」
岡村「2000年代以降の録音派に先鞭をつけたのは、冨田さんなんですよ」
冨田「俺? あー、でも2000年はもう20年くらい前だから、そう考えればそうなんすかね?」
岡村「そうですよ（笑）! その流れを決定づけたのが冨田さんの著書『ナイトフライ 録音芸術の作法と鑑賞法』（2014年）。なので、冨田さんの影響はかなり大きいと思います」
冨田「だとしたら、あの本を書いておいて良かった。テクノロジーが進化したいまでも、伝統的な録音文化には参照すべき点がたくさんあるからね。
ソフトシンセや録音機材の進歩や低価格化があるので、ある程度のクォリティーは得やすくなりましたよね。僕は早々に自分のスタジオを作っちゃったけど、いまなら10分の1とか100分の1の費用で済むものもあると思います。あとは気持ちとやる気さえあれば、いいところまで持っていける。だから、宅録派としては楽しい時代なんだろうな」
音楽性さえ担保できれば、東京にいなくてもいい
冨田「Orangeadeのアレンジは、どんな分担になっているんですか?」
Orangeadeスタッフ「前作『Broccoli is Here』では、曲を作った人がアレンジをして、レコーディングのディレクションもしています」
冨田「曲ごとのアレンジのちがいは、そんなにない気がしました。みんな、わりと志向が似ていると思います。北園（みなみ）さんのCDは聴いていたから、音がビジーな曲は大沢さん作かなと思いました。でも、和声の感じはそんなにかけ離れていない。
例えばキリンジの（堀込）高樹くんと泰行くんの場合は、和声のちがいでも、どちらの曲かはわかりやすかったですよね。でもOrangeadeは、複数の作者というよりバンドとして一個に聴こえている。そこがおもしろかったけど、作者が一人減っちゃったんですよね」
岡村「いや、シンリズムくんが加入するからまた〈プラス1〉になりますよ」
冨田「そうか、それが楽しみですね」
岡村「そもそもそれぞれに活動してきたミュージシャンが手を組んだユニットで、そこにやはりソロをやってきた、スター性のあるメンバーが入ることで、ちょっとしたスーパー・バンドに近くなりそうですね」
冨田「北園さんの名前は、最初ネットで知ったんです」
岡村「ネットは大きかったですね。ネットやYouTubeをプラットフォームにする人たちは、2000年代後半から急激に増えていくじゃないですか。そのなかには、tofubeatsくんのようにヒップホップやクラブ・ミュージックを経由してポップにたどり着いた人たちと、北園さんのように宅録やスタジオありきの音作りでポップスを作っていた人たちがいた。いくつかのルートがあったと思います」
冨田「ネットがベースだと、東京住みである必要がないですよね。僕は東京にこんなスタジオを作っちゃったんですけど、いまになってみれば、もっと田舎で広くするという選択肢もあったなあと思います。データのやりとりだけで、スタジオから一歩も出ない仕事もあるわけですから」
岡村「冨田さんはメジャーの仕事が圧倒的に多いので、東京にいる必要はあるんじゃないですか?」
冨田「そうですね。ミュージシャンに来ていただくときも、ここなら利便性はある。けど、これから録音作品を発表していこうと思っている人は、音楽性さえ担保できれば、どこにいてもいい。でも考えさせられるのが、結局みんな東京に来るっていうことなんです。ある程度キャリアが順調になってくると、いまでも東京に来る人は多い。今後はわかりませんけど」
満足いくまでやるのがスタジオ派
冨田「Orangeadeの制作はどうやって進めていったんですか?」
Orangeadeスタッフ「ドラムなどはレコーディング・スタジオで録って、それ以外のウワモノはリハーサル・スタジオなどでひとつひとつ録っていく感じでした」
冨田「でも、そうは聴こえませんね。普通にレコーディングした音に聴こえる。リハスタでマイクを立てて録ったとしても、エンジニアリングの心得がある人が録ってミックスしていれば、大丈夫なことは多いんですよね」
岡村「さきほど冨田さんがおっしゃったのは、記録として録音作品を作っている人と、スタジオに主眼を置いて作っている人たちの差が絶対的に大きい、っていうことですか?」
冨田「もちろん良し悪しではないけど、はっきりとちがいますね。バンドでのパフォームやアンサンブルが起点になってそれを整理したり、そこに何かを加えて完成させたりしていくアプローチの人たちと、最初から、スピーカーから出て来る最終形を目指して録音を始めるような人たちとでは、ちがう質のものになりますよね」
岡村「Orangeadeのようにスタジオ派だと感じる人たちはいますか?」
冨田「うーん、あまり思い浮かばないですね。音楽的におもしろいと思う作品はありますが、スタジオ派と言われるとわからない。ライヴとそれほど乖離しているバンドが少ないからかな。録音優先に感じる人は、バンドではないことが多いですね。工夫を感じるものはR&Bやヒップホップのほうが多いんです」
岡村「例えば、ceroはいかがでしょう?」
冨田「ここ数年の彼らしかわからないけど、スタジオ派っていう感じはしないですね。さっきの説明と重複するけど、根本的なアイデアや作曲は別にして、実際のバンド演奏やアンサンブルをやるうちに膨らませていった部分も多い感じがする。レコーディングを見たことはないので、想像ですけど（笑）。
あと、ceroとOrangeadeは音楽構造が全然ちがいますよね。Orangeadeはアレンジャーが（楽譜に）書いた分量が多い音楽に聴こえる」
岡村「たしかに、ライヴで再現できないアレンジだからこそおもしろいんだっていう発想になると、スタジオでの作業に走ると思います。バンドにアレンジャー的感覚を持っている人がいるかいないかっていうのは大きいかもしれないですね」
冨田「Orangeadeはアレンジャーが複数いるバンドなわけですよね。編成とかライヴのことなどまったく頭にないというか、モニター・スピーカーで聴いて満足いくまでなんでもやるのがスタジオ派なんでしょう（笑）」
岡村「Orangeadeのメンバーには、〈ソングライター〉というよりも〈コンポーザー〉的な感覚があると思うんです。再現できるかできないかは措いて、書いた曲の面倒を最後まで見る、と言いますか。だから、誰かから意見を言われて修正するとか、そういう柔軟さをを持っている人がどれだけいるのかが気になります（笑）」
冨田「特に若い頃はね（笑）。僕も柔軟だったとはまったく言えないです（笑）」
岡村「そういうエゴ、私は全然嫌いじゃないです（笑）。バンドの民主的なあり方はそのエゴをうまく調整して、ハッピーなサプライズを起こせるどうかにかかっていますよね。でも、スタジオ派ミュージシャンはある程度計算して、最終的な青写真を描いて、どうやってそこへ近づけていくのかを考える。そして、サプライズがあったときにどう対応するか……ですよね」
冨田「僕がいいなって思う音楽は、その両面がある音楽なんです。だから、書かれすぎている音楽って好きじゃない。僕はリズム隊を全部自分で演奏するじゃないですか。あれは、ウワモノはアレンジャーが書いて、リズム隊は好きなプレイヤーがコード譜を見ながらプレイしたような音楽が、僕の好みだからなんです。そしてそのリズム隊にも音符的、ニュアンス的に明確な嗜好がある。そうすると、音符を書いて人にやらせるのじゃダメなんですよ。
大沢さんはベースも弾くけど、鍵盤も弾きますよね。詳しくはわからないけど、コントロール・フリーク気味なところはあると思う。僕もそれ気味だけど（笑）。なので、マルチ・プレイヤーの作品っていう印象も受けました。
Orangeadeには、そういう人が複数いるって言うことですからね。昔は適度に役割分担できている集団はバンドになって、一人でいろいろやりたい個人は宅録だったんですけどね」
冨田恵一時代のキリンジの影響力
岡村「アレンジャー気質のある人たちがバンドをやる感じ……。Orangeadeは、どうしてそういう人たちが集まったんでしょうね。なんとなく心細かったとか……?」
冨田「そういう可愛いところもあるんだ（笑）」
岡村「というか、周りはみんなバンドですし、インディーだとアレンジャーの資質や存在って、なかなか表に出しにくい。自分たちのアイデンティティーの表明の意味もあったのかもしれません」
冨田「Orangeadeを最初に知ったのは、キリンジ／KIRINJIファンのTwitterだったと思います。ぶっちゃけ、似ているところもありますしね。北園さんには当初、〈キリンジと冨田恵一、両方の役割を持つ!〉みたいなキャッチフレーズがついていたのも知っていますよ（笑）」
岡村「冨田さんが関わっていた頃のキリンジ（2003年作『For Beautiful Human Life』まで）は、ものすごく大きな雛形を作ったと思います。若い世代にとって、いまだにあれがものすごく大きな目標になっている。でも一方で、ある意味、目の上のたんこぶだと思うんです（笑）。〈俺たちまたキリンジと比較されたよ、でも好きだからしょうがないな〉みたいな」
冨田「あの頃やっていた音楽は独自のものでしたね。キリンジも僕も、まったく〈バンドの人〉ではなかったんですよ。僕も高樹くんも泰行くんも、バンドでライヴをたくさんやってきたようなタイプではなくて、最初から良い録音作品を目指している感じでした。
当時はレコーディング予算もかなりあって、商業スタジオでスタジオ・ミュージシャンを使えたわけなんですが。この間、高野寛さんと仕事をしたんですけど（『City Folklore』）、〈いまなら当時の予算で10枚は作れるよね〉って話したんです。2000年代頭までは、いまの10倍ぐらい予算がかかっているアルバムがあった。そういう時代に〈バンドべったり〉ではない人たちが集まって、ああいうことをやれたっていうのは、おもしろかったですね」
岡村「当時のキリンジには、キャリアを積んだスタジオ・ミュージシャンのスキルがないと、自分たちがやりたいことは再現できないんだ、っていう感覚があったわけじゃないですか。Orangeadeには〈バンドであればエクスキューズが効くから、少しぐらい再現できなくてもいいよね〉なんて感覚はないと思うんです。そこがすごくいいですよね」
小田朋美、石若駿、角銅真実……ポップ・シーンで活躍する東京藝術大学出身の音楽家たち
岡村「ところで、冨田さんは網守将平さんの音楽は聴いたことがありますか?」
冨田「お名前は何度か見かけていますが、聴いたことはないですね」
岡村「冨田さん、きっとお好きだと思いますよ。網守さんもそうですが、ceroのサポートをやっている古川麦くんや角銅真実さん、小田朋美さんなど、東京藝術大学出身でアカデミックな教育を受けてきたミュージシャンがポップ・フィールドで大活躍をしています。ドラマーの石若駿さんもそうですね」
冨田「多いですね。僕がインスト・バンドを一緒にやっているWONKの江﨑（文武）さんもそう」
岡村「ポップ・フィールドでやってきたバンドやアーティストと藝大出身のミュージシャンたちとの邂逅。それは、2010年代邦楽シーンの大きな特徴のひとつで」
冨田「以前からストリングスを中心としたスタジオ・プレイヤーに藝大出身者はいましたが、リズム隊にはあまりいなかったですね。ドラムの村石（雅行）さんは藝大卒でしたが。でも最近ポップスやジャズ・フィールドに、藝大に限らず音大出身者が増えたのは世代というか、時代的なことなのかなと思います。
クラシック以外の音楽表現にもシンパシーを感じるようになった世代だろうし、あとは生き方の多様性も当たり前になったからですかね。堅実が善だと信じられない時代というか。だったらポップスの可能性を試してみよう、っていう人が増えたのかな」
〈体験〉が重視される時代に問う、音楽鑑賞の奥深さ
岡村「あと、インスタレーションやワークショップ的な側面のある表現が増えましたよね。それが世界的に加速しているのも2010年代的です」
冨田「録音物の音を聴くだけでエンターテインメントである、っていう意識が一般リスナーの間で希薄になっているんでしょうね。その場に行って、経験することがメインになっている。ライヴも同じで、鑑賞ではなく体験。そうじゃないと楽しんだ気にならないっていう人が多い。
録音物だって、いまはなにがしかの動画が一緒になっているじゃないですか。僕も、誰かが新曲出したって聞いたら、最初にYouTubeで探しちゃう（笑）。映像付きだとおもしろかった作品が、後で音だけ聴くと物足りないなんてこともあります。若いアーティストにも、YouTubeでしか音楽を聴かないって人はたくさんいますしね。
でもそうすると、視覚はやはり強力なので、音楽は映像とセットで記憶される。それがもうデフォルトになってきていて、録音作品も耳だけで鑑賞する環境そのものが少なくなりましたよね。10日かけて録音作品を1つ作るより、1日で1曲作って、なにがしかの映像と共にアップするような形態が増えるのも当然だと思います。
ただ、視覚を伴わない音楽鑑賞の奥深さは著書『ナイトフライ』にも記した通りで、それによってどれだけ深い表現ができるかを知っている身としては、今後も録音作品に関してのアテイテュードは変わりません。音楽単体が芸術形態として有効であることは伝えていきたいと思っています」
岡村「そうですよね。ウェルメイドな音を作るには、ある程度の時間と手間をかけないといけない。パッと作ったものをすぐにアップしていく作業は、どんどんそこから遠のいていきますよね」
冨田「音楽の質によりますけどね。パフォームが中心的な魅力になっている音楽であれば、それでもいいですよね」
岡村「スタジオから中継します、とか」
冨田「家で練習している様子を撮って上げて、とかね」
岡村「Orangeadeは若いから、そういう即効性のあるメディアを活用する部分もありつつ、丁寧に音を作っていますよね。ある意味、やりかたとしてはアナログかもしれませんが」
冨田「ストイックにやっている感じが聴こえてきますよね」
Orangeade改めconteは今後どうなる?
岡村「三者三様のメンバーがひとつのバンドにいるということで、今後プロデューサー・チーム、ソングライター・チームみたいになったら、おもしろいと思うんです。ホランド＝ドジャー＝ホランドやストック・エイトキン・ウォーターマン※のような。自分たちで曲を作ってパフォームするだけじゃなくて、いろいろな人たちに曲を提供してプロデュースしていくという動きがあるといいなと」
冨田「全然できると思いますね。本人たちがやりたいのであれば（笑）」
岡村「そこですよね。冨田さんは、Orangeadeがどう展開していくとおもしろいとお考えですか?」
冨田「彼らが録音派かそうじゃないかっていうのは、ファンにとってはそれほど重要じゃない気がします。ファンが引っかかっているのは、やっぱり〈シティ・ポップ〉ってところじゃないかな。70～80年代の音楽のフォーマットを踏襲して、それを自分たちなりの味付けでクォリティー高くやっているから、いまは彼らもファンもそれが好きなんだと思います。僕は最近、〈70～80年代シミュレーショニズム〉をやらなくなっちゃったので、俯瞰的にそう感じるんですよね。彼らの興味がそこにあるなら、それをどんどん突き詰めるべきだと思います。サブスクで国外の人に聴いてもらうとしたら、〈シティ・ポップ〉というキーワードは、まだ有効でしょうし。
ただ彼らも若いですし、いろいろなジャンルに興味があるようですから、これから先どこへ興味が移っていくのかが気になりますね。
あとは、シンリズムくんが入るのはすごくおもしろいと思います。シンリズムくんが以前、〈学校で習って作ってみた〉と現代的な訛ったリズムの曲をTwitterにアップしていたんですよ。彼がリアルタイムのミュージック・シーンを自分の音楽の範疇に収めていくなら、それもおもしろくなりそうだなって。だから、シンリズムくんが介入することでバンドに変化が起きたらおもしろそう」
岡村「華やかでヒロイックなシンリズムくんが加わることによって、ちょっと変わるかもしれませんね」
冨田「ヴォーカリストが増えるっていうのも大きいですね」
岡村「冨田さんはいろいろなヴォーカリストと仕事をされてきたわけですが、ヴォーカリストとしてはどうですか?」
冨田「黒澤さんは真ん中に〈ドンッ〉ている、いい声だと思います。大沢さんもいい声ですけど、僕のなかでは〈シンガー・ソングライター声〉ってジャンル分けされている声ですね。OrangeadeはSSWが集まっているバンドにも思えるけど、黒澤さんの声がシンガー然としているので、歌モノポップスとして安定感があるんです」
岡村「では、もし冨田さんとOrangeadeが何か一緒にやるとしたら?」
冨田「いやいや、やれることはないんじゃないですか。ぜんぶ職種が被っていますもん（笑）。僕が助けなきゃいけないとか、そういうのはまったくないと思います。作品を聴いて、何かが足りていないとかは全然思わないので。最近、そういう若いミュージシャンが多いですね。自分で全部やれている人が多いと感じます」
LIVE INFORMATION
Mikiki presents TWEEDEES × Orangeade
2019年12月2日（月）東京・西永福JAM
出演：TWEEDEES／Orangeade
会場BGM選曲：RYUTist
開場／開演：18:30／19:30
前売り／当日：3,500円／4,000円（いずれもドリンク代別）
チケット（LivePocket）：https://t.livepocket.jp/e/8i9y1
※会場後部に座席を数席ご用意する予定です。座席数は当日の集客状況に応じて変わりますのでご了承ください
※会場にロッカーはございませんが、クロークを1袋400円でご提供いたします
https://mikiki.tokyo.jp/articles/-/23107
PROFILE: 冨田恵一（冨田ラボ）
音楽家、そして多くのアーティストにそれぞれの新境地となるような楽曲を提供する音楽プロデューサー。
セルフプロジェクト〈冨田ラボ〉としても今までに6枚のアルバムを発売。
最新作は2018年発売の『M-P-C “Mentality, Physicality, Computer”』。このアルバムには今の音楽界に欠かせないアーティストたちが集結し、冨田が見事に各アーティストの長所を引き出している。これまでなかった、ラッパーの参加や英語詞の曲も収録し、次の時代のPOPSを提示する名盤。
自身初の音楽書「ナイトフライ 録音芸術の作法と鑑賞法」が、2016年度横浜国立大学の入学試験問題にも著書一部が引用され採用されたり、1つの曲が出来ていく工程をオーディエンスの前で披露する〈作編曲SHOW〉の開催や、世界中から著名アーティストが講師として招かれることで話題のRed Bull Music Academyにてレクチャーなども行うなど、音楽業界を中心に耳の肥えた音楽ファンに圧倒的な支持を得るポップス界のマエストロ。
http://www.tomitalab.com/
PROFILE: 岡村詩野
音楽評論家／TURN編集長。京都精華大学非常勤講師。α-STATION（FM京都）「Imaginary Line」パーソナリティー。スタジオ録音作品として好きなのは、アーサー・ラッセル『World Of Echo』、ホルガー・チューカイ『Movies』、ミレニウム『Begin』です。
http://turntokyo.com/
