本日休演『MOOD』のヨレて揺らぐロック・サウンドはどうやって生まれた?　岩出拓十郎が語るこだわり抜いた音作り

京都を拠点に活動するロック・バンド、本日休演による3年ぶり4枚目のアルバム『MOOD』が完成した。オリジナル・メンバーであるキーボード／ヴォーカルの埜口敏博の急逝、ギター／ヴォーカルの佐藤拓朗の脱退を経て、スリーピースというミニマムな編成になった彼らは、今作で初の本格的なスタジオ・レコーディングに挑戦。あくまでもロック・バンドというフォーマットを保ちつつ、激しさと優しさが同居し、ヒップホップ～現代ジャズとも共振する様々な〈揺らぎ〉を孕んだ音楽へと結実させた。

幻想的でドリーミーなコーラス・ワークと柔らかなギター・サウンド、あるいは切れ味鋭いドラム音やノイジーに歪んだサックス・ソロ、無骨で重厚感あふれるベース、そしてクセのある歌声からラップ調の語りまで聴かせる低音ヴォイス等々、スタジオ録音ならではの新鮮なサウンドメイクはリスタートを切った彼らの新たな〈ファースト・アルバム〉と言うに相応しい内容に仕上がっている。そこにはロックをはじめアヴァンギャルド・ジャズやノイズ・ミュージックなどジャンルを越えて数多くの名盤を手がけてきたエンジニア、中村宗一郎（PEACE MUSIC）との共同作業も大きく影響していることだろう。

今回のインタビューでは新作の制作経緯やスタジオでの具体的な制作プロセス、ジャズ系ライブハウスの新宿ピットインにおけるエピソード、さらに同時発売された『LIVE 2015-2019』と『MOOD』の関係性について、バンドの中心人物である岩出拓十郎に話を伺った。

ファースト・アルバムをもう一回作る

――新作『MOOD』はいつ頃から、どのように制作が始まりましたか?

Rock

岩出拓十郎（本日休演）「2019年の春過ぎにNEWFOLKのA&R、須藤朋寿さんから〈新しいアルバムを作らない?〉ってお話をいただいたんです。〈中村宗一郎（PEACE MUSIC）さんのスタジオで録音しようよ〉って。それがきっかけでデモ曲を作って、12月にレコーディングを始めました。

僕は京都に住んでいたので、あまり頻繁には東京のスタジオで作業できなかったんですけど、年が明けてからはコロナ禍の影響で録音が延期になってしまったんですよね」

須藤朋寿（NEWFOLK）「ちょうどレコーディングが延期になったあとに岩出くんが東京に拠点を移して、まとまった時間が作れるようになったので7月からじっくりとレコーディング作業を進めていきました」

『MOOD』収録曲“天使の沈黙”

――須藤さんはなぜアルバム制作の話を持ちかけたのでしょうか?

須藤「本日休演って、ずっとDIYなやり方でアルバムを作っていたと思うんです。岩出くんが宅録でデモを制作して、そのイメージを自分たちの身の回りにある機材と場所とでレコーディングするというスタイル。

それは京都に住んでいるがゆえの限られた環境もあったとは思うんですが、2017年にメンバーの埜口（敏博）くんが亡くなって、その後ギターの佐藤（拓朗）くんが脱退して、スリーピースのシンプルなバンド編成になったいま、もう一回ファースト・アルバムのような作品を作ることができるんじゃないか?と思ったんです。これまでのDIYなやり方ではなくて、スタジオでエンジニアとがっぷり四つに組んだら面白くなるんじゃないかと。それで声をかけました」

岩出「ちょうどバンドが良い状態で、身体的な感覚として自分たちの演奏ができるなという思いはありましたね。ただ、デモの段階で音像のイメージはあったんですが、レコーディングした結果、全く別物になりました」

ローファイな音を狙ってハイファイに録る、中村宗一郎との音作り

――当初のイメージはどういったものでしたか?

岩出「僕はジャマイカのダブみたいな、ミキサーを通して歪んだモワモワした音が好きなんですけど、そういう音像をバンド・サウンドとして作ろうと思っていたんです。それは宅録の発想でもあるとは思うんですが、いざスタジオに入って中村宗一郎さんに相談してみたら〈だったら家で録ればいいじゃん?〉って言われて」

須藤「最初は戸張大輔の作品みたいなサウンドにしたいって話をしたんですよね」

岩出「そうですね。でも〈それだとバンドで録る意味がないんじゃない?〉って言われて、根本的なところから考え直しました。

それまではDTMを使って録音した音素材にイコライザーやディストーションをかけて音色を変えるという方法で考えていたんですけど、中村さんのディレクションを受けて録音の段階から音を作り込むことにしたんです。つまり曲ごとに細かく機材を変えたり、その場でアンプのツマミをいじってギターの音色を柔らかくしたり、歪みが足りなかったらエフェクターを加えたり。録音してから音色に手を加えるのではなくて、あらかじめねらった音を出せるように準備してから演奏して録音する。そうすると演奏自体も変わってくるので、曲が求めていた方向性もよりハッキリと見えてきましたね」

――『MOOD』の収録楽曲だと、デモの段階から最も変化した楽曲はどれでしたか?

岩出「どの曲もだいぶ変わりました。例えば5曲目の“線路”は、もともとモワモワとしたサウンドにしたいとは思っていたんですけど、デモ段階では録音してからダブみたいにディストーションやリヴァーブをかけようと思っていたんです。

けれど中村さんのディレクションを受けて、まずアンプを2台用意して、そこでイメージしているモワモワした音を作り込みました。それに合うようにドラムもキックや余計なシンバルをなくしてスネアとウッドブロックだけにして、曲全体の骨組みとなる音像を作っていって。だから後付け的にローファイな処理を施したサウンドというわけではなくて、曲のイメージに即したローファイさを狙って、音そのものはハイファイに録ったという感じです」

――録音してからローファイに加工することと、ローファイさを狙って作り込んだ音をハイファイに録音することは、やはり大きく違うのでしょうか?

岩出「はい。音の奥行きや質感が全然違うんです。録音してから加工すると、どうしても加工したエフェクターの音になってしまうんですよね。平面的でそれ以上奥行きがない感じです。けれど、ローファイさを狙って作り込んだ音をハイファイに録ったものは、ものすごく立体感が出るんですよ」

須藤「録り音の話で言うと、今回はヴォーカル・マイクも何種類か使いましたよね。岩出くんのヴォーカルだけで3種類ぐらい使い分けていて、明らかに歌そのものの質感やテンションも変わって聴こえると思います」

岩出「あと、例えば3曲目の“何もない日”はスネアをカリッとした音にしたいというのもありました。当初はヒップホップのトラックメイクみたいにMPCを使って、切り取ったサンプリング音にエフェクトやイコライザーをかけてエッジの効いたサウンドにしようと思っていたんです。

けれどスタジオで中村さんからアドバイスをいただいて、そもそもスネア自体にスプラッシュ・シンバルを置いて金属的な響きが出るようにしたんです。そうすると〈キンッ!〉って切れ味のいい音が鳴る。もちろん、ミックスでも色々と工夫してもらっていますけどね」

無駄の豊かさ

――昨年7月には岩出さんのもう一つのバンド、ラブワンダーランドのファースト・アルバム『永い昼』もリリースされていますよね。つまり制作時期が重なる期間があったと思うのですが、岩出さんにとって本日休演とラブワンダーランドはどのような関係にあるのでしょうか?

岩出「ラブワンダーランドは完全にレゲエのビートで、ダブの可能性を追求しているバンドなんです。なので録音した音をミキサーとかでどう気持ちよく歪ませていくかということにフォーカスしていて。

本日休演も以前はそうしたやり方だったのですが、今作は中村さんとスタジオで一緒に作業したので、スタジオのセッションでなければできないことは本日休演で、宅録でなければできないことはラブワンダーランドで、というふうに棲み分けていました。世界観的なところは一緒なんですけどね」

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――コロナ禍でスタジオに集まることなくインターネットを通じて音源をやりとりしてアルバムを完成させたミュージシャンも少なくないですが、今作に関してはスタジオでのセッションが重要な要素としてあったと。

岩出「やっぱりその場で一緒に演奏して良いか悪いかを判断した方が身体的になるんですよ。ビートのヨレとかグルーヴが生まれますからね。

もちろん無駄な時間も増えるかもしれないですけど、その無駄は否定したくない。むしろその無駄こそが面白いんじゃないかと思ってます。情報量が増えるわけですから、そこに豊かさもあるなと。

それは音楽に限らず、無駄なものだからといって何でもかんでも削ってしまっていいのか、もっと社会的に敏感になるべきだと思うんですけどね」

ロック・バンドとして挑むヨレたビートとラップ

――〈ヨレたビート〉は今回のアルバムでもポイントの一つだと思います。前作『アイラブユー』（2018年）ではOMSBさんが客演した楽曲もあり、今作では例えば“アレルギー”でラップのような要素もありますが、岩出さんとしてはヒップホップ的なものをバンド・サウンドへどのように取り入れようと考えていましたか?

岩出「ヒップホップと言っても、特にJ・ディラのビート感が好きなんですよ。5年前にJ・ディラを初めて聴いたんですけど、すごく新鮮で、ヨレたビートがとても気持ち良かったんですよね。

もともとバンドで演奏していてカッチリとグリッドに合わせることが苦手で、あんまり好きでもなかったんです。むしろローリング・ストーンズとか灰野敬二さんのように、ルーズであったり、急にキレが出てきたりするような音楽に関心があって。J・ディラを聴いたときに、それらと繋がるものを感じたんです。

なので僕らとしては、そうした〈ヨレ〉をロック・バンドのフォーマットでやりたいということをずっと考えてきました」

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――ラップに関してはどうでしょうか?

岩出「ラップに関しては、マッドリブの『Shades Of Blue』（2003年）というブルーノートのリミックス集があるじゃないですか。そこに収録されている“Please Set Me At Ease”でラッパーのM.E.D.（メダファー）が参加しているんですけど、あの楽曲を一時期ずっと繰り返し聴いていたことがあって、あのライムやフロウの作り方からは影響を受けましたね。

マッドリブの2003年作『Shades Of Blue』収録曲“Please Set Me At Ease (Feat. M.E.D.)”

あとは例えば真心ブラザーズとか、ロック・ミュージシャンがやるラップを参考にしたりはしました」

パンク精神を感じるジャズのライブ

――〈ヨレたビート〉というと、近年はドラマーのクリス・デイヴをはじめ多くのジャズ・ミュージシャンも生演奏でアプローチしていますよね。ところで岩出さんは最近、ジャズのライブハウスとして知られる新宿ピットインで働き始めたと聴いたのですが……。

岩出「そうです（笑）。京都から東京に移って、去年の9月ごろから働いてます」

――都内には数多くのライブハウスがありますけど、なぜジャズ系のハコを選んだのでしょうか?

岩出「自分が働くことを前提に考えたとき、ロック系のライブハウスはあまり魅力的に感じていなかったんですよね。ジャズ系のハコであれば、どんなに興味がない音楽だっとしても、少なくとも演奏は凄いじゃないですか。技術的な意味でもそうですし、発想も自分では思いつかないようなものばかりで。そういうのをたくさん聴きたかったというのはあります。自分が音楽をやる上で刺激になりますからね」

――新宿ピットインで観たライブの中で、特に印象に残っているものはありますか?

岩出「ドラマーの外山明さんのプレイは本当に凄かったですね。あとはサックスの松風鉱一さんが率いるカルテット。外山さんもメンバーなんですが、とても衝撃を受けました。松風さんの曲はポップでわかりやすいテーマを持っているんですけど、メンバー全員がフリーに振り切れるので、それがどんどんメチャクチャになっていく。全員が違う方向に引っ張っていって、どんどん輪が拡大していきつつ、その輪それ自体は切れないというか。ピットインに勤務する前はジャズのライブにはほとんど行ったことがなかったので、それもあってもの凄く印象に残っています」

南博トリオの2020年のライブ映像。会場は東京・新宿ピットイン、ドラマーは外山明

――先ほどジャズの聴きどころの一つとして〈技術〉が出ましたが、新宿ピットインだと一般的なジャズ・スポットには出演しないような、実験的と言いますか、ジャズのテクニックとは別の点で面白い音楽を演奏するミュージシャンも数多く出演しています。そうした音楽についてはどう思いましたか?

岩出「すごく面白いですよ。例えばギターの斉藤“社長”良一さんとベースの清水良憲さんが毎回別のドラマーを迎えて演奏するTENTというトリオがあるんですが、本当にメチャクチャに弾くシーンがあるんですね。それが面白くて。シンパシーも感じるというか。

パンク精神みたいなものも感じるから好きなのかもしれないです。逆にどれだけ技術的に上手くても、パンクを感じない音楽はあまり面白く思わないですね」

――新宿ピットインでの経験は、今回のアルバムにはどのぐらいフィードバックされているのでしょうか?

岩出「いや、実はアルバムを録り終わってからピットインで働き始めたんですよ。なので直接的には関係ないんですが、ただ、昔からコントーションズとかラウンジ・リザーズが好きだったので、そのイメージで“ロンリネス”にはサックスを入れたんです。そういうパンク寄りのジャズは自分の音楽の一番根底にあるんですよね」

『MOOD』収録曲“ロンリネス”

フリーキーなサックスに北アフリカのリズム、『MOOD』の音楽的挑戦

――“ロンリネス”で客演しているサックスの安藤暁彦さんはgoatやpenoといったバンドで活躍されている方ですが、本日休演にサポートで参加したのは今回が初めてですか?

岩出「そうです。他のサポート・メンバーはこれまでも一緒にやったことがあるんですけど、安藤さんは初めてでした。もともとgoatが好きでライブを観に行ったりしていたんですが、安藤さんはpenoでメロウなラインを吹きつつフリーに差し掛かるようなプレイもしていて、それがとても良くて今回オファーしました。レコーディングのときはワンテイクで完璧に演奏していただいたんです。

アルバム・ヴァージョンの“アレルギー”ではアウトロにサックスでノイズ・ソロみたいな演奏をしているんですけど、それでもの凄く曲の幅が出たというか、サックスのノイズ・ソロのおかげでギターとベースとドラムのリズムもちゃんと聴けるようになりました」

goatの2015年のライブ映像。安藤暁彦がアルト・サックスで参加

――アルバムの中でも“ロンリネス”は異色の楽曲だと思いますが、その直前に収録されている“砂男のテーマ -Midnight Desert Surfin’-”もやはり特徴的な楽曲ですよね。

岩出「その曲は北アフリカのトゥアレグ族のリズムが元になっているんですけど、僕はニジェールのグループ・イネラネというバンドがすごく好きなんですよね。グナワの5連リズムを無理やりガレージ・ロックみたいにした感じでカッコよくて。

グループ・イネラネの2007年作『Guitars From Agadez (Music Of Niger)』収録曲“Ano Nagarus”

セカンド・アルバムの『けむをまけ』（2015年）からそういったリズムは取り入れていたんですけど、ワンループの中で同じ〈ヨレ〉をひたすら繰り返すリズムで、その経験があったからJ・ディラのヨレたビートもしっくりきたのかもしれないです。“砂男のテーマ -Midnight Desert Surfin’-”に関しては、そうしたリズムとサーフ・ロック的なサウンドを掛け合わせた楽曲ですね」

――ところで今作のタイトルはなぜ『MOOD』になったのでしょうか?

岩出「これ、実は特に意味はないんですよ（笑）。ローマ字の大文字で、あまり意味のない言葉がいいよねってメンバーと話していて、ベースの有泉（慧）がいくつか案を考えてきてくれたんです。その中に〈MOOD〉があって、ありきたりな言葉だけど含みもあるのでちょうどいいなと思って選びました。

ただ、アルバムが完成してから聴き返してみたら、個々の曲がバラバラなようでいて、薄っすらとまとまりがある作品でもあるなと思いました。それは音作りやミックスの要素もあるんですけど、歌詞もどこかボンヤリとした心情を表現するというのがどの楽曲にも通底していて。そう考えるとアルバム全体のムードに統一感があるのかなと」

消えたバンドのライブ盤、されどバンドの根本を捉えた『LIVE 2015-2019』

――今回『MOOD』と同時にライブ盤『LIVE 2015-2019』もリリースされます。この2枚のアルバムは本日休演というバンドにとってどのような位置づけになるのでしょうか?

Rock

岩出「ずっとライブ盤は出したいと思っていたんです。ライブでは身体的な演奏のヨレとかグルーヴがあるので、それをパッケージにしたかったというか。ただ、今回は中村さんにミックス／マスタリングをしていただけたので、音源がものすごくクリアで聴きやすく変化して、なおかつテープで歪んだような音、つまりブート盤っぽい良さも残っていて、すごく良くなりましたね。中村さんには事前にゆらゆら帝国の『な・ま・し・び・れ・な・ま・め・ま・い』（2003年）とか裸のラリーズやINUのブート盤を音のイメージとしてお伝えしていたんですけど、まさにそうしたサウンドになったと思います。

ライブ盤は全部過去の、4〜5人編成時代の音源なんですよ。いわば〈消えたバンド〉で、当然ですけど『MOOD』のライブ・ヴァージョンというわけではないんです。だからこの2枚のアルバムは対にはならないんですけど、ライブ盤には『MOOD』の制作が始まるまでの活動の蓄積が刻まれていますし、スリーピースになって消えたものの痕跡もある。