1994年は、アメリカを中心にオルタナティブロックがメインストリームでも成功を収めるようになった時期だ。グランジムーブメントの最中、カート・コバーンが亡くなってしまったこの年、各国でパンクやエモ、オルタナティブメタルなどの名盤の数々が生まれている。そんな当時のアルバムを44作選んで紹介しよう。 ＊Mikiki編集部
1990年代といえば、女性シンガーソングライターによる自己表現が花開いた時代でもある。そんな流れを象徴するトーリ・エイモスは、クラシック由来の音楽性と繊細なボーカリゼーションが特徴で、フェミニズムなどを表現した歌詞も魅力的。前作に続いて成功を収めたこの2ndアルバムはエリック・ロスとの共同プロデュース作で、同時代的なオルタナティブロック調のサウンドも聴かせている。代表曲“Cornflake Girl”を収録。
日本でも人気が高いメロディックハードコアバンド、その代表作の一つである8thアルバム。メジャーデビューを果たし、商業的な成功を収めたとはいえ、変わらない青さと1970年代パンクの魂を純度高く受け継いだ歌や演奏が魅力的。グリーン・デイなどと並んで、ポップパンク再評価の今こそ改めて聴きたい。ヒットシングル“21st Century (Digital Boy)”は、キング・クリムゾン“21st Century Schizoid Man”へのオマージュであるとともに、加速する大量生産・大量消費社会化を皮肉ったもの。
近年、再評価が進むポストロックの始祖的なイギリスのバンドによる1stアルバム。リリース後に解散、2004年に復活して2作目『///Codename: Dustsucker』を制作したものの、グラハム・サットンのソロプロジェクトと化したので、本作がバンドとしてほぼ唯一のアルバム。後期トーク・トークの美学に連なるジャズの影響が顕著な静謐な演奏や音響、アンビエンスを湛えた空間性は、ここでしか聴けないタイムレスな魅力を放っている。
言わずと知れた悪ガキトリオの4作目にして代表作の一つ。バンド回帰した前作『Check Your Head』での成果を活かしつつ、サンプリングを駆使したヒップホップもあり、NYハードコアもありと多彩なサウンドを聴かせる。“Sure Shot”“Get It Together”“Root Down”など名曲揃いだが、中でも“Sabotage”はスパイク・ジョーンズが監督したミュージックビデオ込みで画期的かつ記念碑的。
1990年代のオルタナティブロックといえばこの人。〈俺は負け犬 俺を殺さないか?〉と歌い上げる象徴的な名曲“Loser”で幕開けするメジャーデビュー作。ヒップホップとフォークやブルースなどルーツミュージックの要素を掛け合わせた音楽性、低く吐き出す歌声、厭世的な態度は当時の空気と見事に合致。同年、本作の前後に『Stereopathetic Soulmanure』『One Foot In The Grave』という実験的なインディ作もリリースしており、まさにベックの時代だった。
オルタナティブロックの源流になったピクシーズが前年に解散、ブラック・フランシスからフランク・ブラックに改名してソロ活動を始めたあとに発表した、名盤として知られる2作目。ピクシーズの最終作『Trompe Le Monde』から活動をともにしてきたUSオルタナの重要人物エリック・ドリュー・フェルドマンが共同プロデュース。ダウナーな歌詞に反してサウンドは爽やかでポップな名曲“Headache”を収録。来年1月には30周年記念盤がリリースされる。
ルーツに根差すサザンロックやブルースロックを得意とするバンドがノリにノっていた時代の3rdアルバム。ローリング・ストーンズやレッド・ツェッペリンを幻視させる泥臭くハードな彼らの強みはアルバムの前半に凝縮されている。白眉は終盤に収められたカントリーロックの名曲“Wiser Time”。
1992年に結成、未だ現役で活動を続ける長寿インディロックバンドの2作目にして名盤。ローファイで粗削りな録音、奇抜な発想力で勝負するアイデアに満ちたバンドアンサンブルやギタープレイ、ダグ・マーシュのセンチメンタルな歌心など彼らの魅力が開花している。また実は、成長をテーマにしたコンセプトアルバムでもある。プロデューサーは重要人物フィル・エク。
ラテンオルタナティブを象徴するメキシコのバンド、カフェ・タクーバの2ndアルバム。ラテンのルーツミュージックと実験的なスタジオワークを溶け合わせ、一曲ごとにジャンルが異なるほど多彩なアイデアで織り合わされた怪作だが、カラッと乾いた陽気さが貫かれているので爽快に響く。スペイン語圏のビートルズ『ホワイト・アルバム』と称賛された。
シコ・サイエンス率いるナサォン・ズンビの1stアルバム。シコは、マンギビートと呼ばれたブラジル北東部発祥の音楽／カウンターカルチャーを象徴する人物。同時代のヒップホップやロックから影響を受けつつ、アフリカ由来のブラジル音楽に根差すダンサブルでファンキーな音楽性は唯一無二。しかしこのあと、2ndアルバム『Afrociberdelia』を遺してシコは1997年に事故死してしまう。
アイルランドの4人組の2ndアルバムで、“Zombie”“Ode To My Family”といった代表曲を含む傑作。アイリッシュフォークのルーツを感じさせるドロレス・オリオーダン&ノエル・ホーガンのソングライティングとヘビーなロックアンサンブルは、非常にユニークで魅力的。特に“Zombie”は、北アイルランド問題を取り上げた反戦歌／ポリティカルソングとして現在も広く聴かれている。
1980年代から活動するオルタナティブロック世代の先輩バンドが、商業的に成功を収めつつあった時期に発表した6作目。J・マスシスの細かすぎる指示と衝突し、名物ドラマーのマーフが去ったあとに制作されたためJがドラムを叩いている。それでも不変のダイナソーJr.らしさが横溢しており、シングルカットされた1曲目“Feel The Pain”がヒットした。
デンマークの3人組のデビュー作。グランジ／オルタナティブロックのざらついた感触、様式美的なハードロックの美学やヘビーさ、そしてパワーポップ由来のポップさを共存させた彼らならではの音楽性が魅力。本作で日本を含む世界で成功を収め、一躍人気バンドになった。
ポストパンクの時代から活動し、変わらぬ魅力を保ちつつも音楽性を変化させてきたトレイシー・ソーン&ベン・ワットの8作目。基盤にあるアコースティックなフォークのピュアネスはそのまま、電子音楽／ダンスミュージックへの接近を試み、次作以降の展開を予感させる。特にシングル“Missing”は、トッド・テリーがリミックスしたことで翌1995年にクラブヒットを記録した名曲。
レッド・ホット・チリ・ペッパーズへの復帰が記憶に新しい奇才のソロデビュー作。シド・バレットやサイモン・フィンなどに通じるアウトサイダー的サイケデリック／アシッドフォークの怪作で、レッチリを一時的に脱退していたジョンの薬物中毒による抑鬱と孤独感がそのまま録音されている。だからこそ、ほかの作品では聴けない危うく退廃的な魅力に満ちている。
今年、編集盤『We Have Dozens Of Titles』がリリースされて再び注目が集まったデヴィッド・グラブス&ジム・オルークのデュオの2ndアルバム。フォークやオルタナティブロックとミニマリズム、アンビエント、ドローン、ノイズ、フィールドレコーディングなどを組み合わせた実験的かつ静謐な傑作で、特に10分超えの“Work From Smoke”“The Wrong Soundings”が圧巻。盟友ジョン・マッケンタイア（トータス）がドラムで参加しており、ポストロックが盛り上がる以前のシカゴインディシーンの息吹を感じられる。ちなみに7曲目“The C In Cake”は、ザ・シー・アンド・ケイクのバンド名の由来。
説明不要のパンク名盤。3人にとって3作目にしてメジャーデビュー盤であり、世界で2,000万枚以上を売り上げたモンスターアルバム。“Longview”“Welcome To Paradise”“She”“When I Come Around”とシンプル&キャッチーなメロディと演奏による名曲がたっぷり収録されているが、やはり象徴的なのは“Basket Case”。その青さと切なさは、30年後の今もキッズを虜にしてやまない魅力に満ちている。昨年、アニバーサリー盤がリリースされた。
今なお現役で活動中の、インディロックの良心ガイデッド・バイ・ヴォイシズ。彼らの7作目にして代表的な名盤。ガレージで録ったデモと変わらないローファイすぎる録音（実際にガレージや地下室で安価な機材によって録られている）、ほぼ1分台の短すぎる曲といったアウトサイダー的な要素を突き破って届いてくるのは、ロバート・ポラードの練度の高いソングライティングと熱い歌心。実は、金銭面や家庭と仕事を優先しなければいけなかったロバートの状況ゆえにバンドの最後の作品となる予定だったそうだ。
ペイジ・ハミルトンを中心にするオルタナティブメタルバンドの3rdアルバム。ペイジの音楽的な野心からジャズやブルースの要素を取り入れつつ、グルーヴメタルのバンドアンサンブルを練り上げたような重たい演奏をノイジーに聴かせる。本作の独自性は、のちのポストメタルやニューメタルに影響を与えたと評価されている。
再評価著しいコートニー・ラヴ率いるバンドの代表的名盤で2ndアルバム。コートニーの激しく感情的な叫びや怒りに満ちた歌と詞は、女性が主導するロック、フェミニストによる音楽のメインストリームにおける先駆けになった。ニルヴァーナのカート・コバーン（コートニーの夫）がボーカルで参加したり、J・マスキスが11曲目“Gutless”をミックスしていたりと、当時のオルタナティブロックシーンの縮図のような側面もある。
カート・コバーンが惚れ込んだ異才の代表的アルバムで唯一のメジャー作。元々自主制作のカセットテープを配っていたところからカルト的な人気を得たアウトサイダーミュージシャンだが、ここでは繊細で脆く純粋な作家性を保ちつつ、見事なポップレコードを作ることに成功している。プロデュースはバットホール・サーファーズのポール・リアリー。
エドガー・ライト監督の映画「ベイビー・ドライバー」で“Bellbottoms”が使われたことから知った人も多いかもしれない。日本での人気が高いジョン・スペンサー率いるブルース・エクスプロージョンの名盤で4作目。勢い任せでありつつも息の合ったバンドアンサンブルはいかにもレトロだが、同時代のヒップホップやミクスチャーロックの感覚も漲っている。荒々しくやかましい録音やアナログなプロダクションにも注目したい。
ニューメタルや日本で言うところのミクスチャーロックの先駆けになったオルタナティブメタルバンドの初アルバム。ジャケットにも表れている児童虐待やいじめ、薬物乱用といった歌詞のテーマは未だに批判の的となっているが、ヒップホップやファンク、オルタナティブロックからの影響を昇華させた音楽性はあまりにも先見的。ここから時代が切り開かれ、2000年前後の盛り上がりに繋がっていく。
ストーナーロックやデザートロックを代表するバンドの3rdアルバムで、ジャンルを象徴する名盤でもある。ブラック・サバス由来のドゥーム／スラッジメタルにサイケデリックロックの要素を加え、重く引きずりながら執拗に反復するギターリフとグルーヴ、そしてホークウィンドやジミ・ヘンドリックスを彷彿とさせるギターソロを展開。一度ハマったら抜け出せない中毒性がある。
ロス・ロボスのデイヴィッド・イダルゴ、ルイ・ペレス、当時最先端をいくプロデューサーだったミッチェル・フルーム&チャド・ブレイクという4人の特殊ユニットによる1stアルバム。ミッチェルがプロデュースしたロス・ロボスのアルバム『Kiko』の流れを発展させ、滋味深いチカーノロックと編集やエフェクトを多用した実験的なスタジオワークを組み合わせた異形の作品。これもまたラテンオルタナティブのサウンドであり、ここでの試みはロス・ロボスの傑作『Colossal Head』に繋がっていく。
ブリットポップが隆盛した1994年、中でも特にオルタナティブロック的な音楽性だったのがマニック・ストリート・プリチャーズ。彼らの代表作であるこの3rdアルバムは、リッチー・エドワーズが失踪する前に遺した最後の作品になった。それゆえに重苦しさが横溢しており、USオルタナとの共振も聴ける。しかし名曲“Faster”など、パンク的な衝動性と爆発力で突き抜ける様もまた魅力的だ。
この時代のオルタナティブロックやインダストリアルロックを代表する永遠のクラシックにして、バンドが成功を掴んだ2作目。〈下降する悪循環〉に陥った男が自己破壊衝動に駆られる過程を描いた実に陰鬱なアルバムだが、最終曲“Hurt”は痛ましくも美しく、ジョニー・キャッシュら多くのシンガーがカバーしている。そして“Closer”は、ナイン・インチ・ネイルズが音楽的なアイデンティティを確立させた決定的な名曲。
カート・コバーンが4月に亡くなり、その後11月にリリースされたライブ盤。アコースティックな演奏でカートのソングライティングの妙や歌心があらわになっており、ニルヴァーナの曲はもとよりデヴィッド・ボウイ“The Man Who Sold The World”などカバーでも見事なパフォーマンスを見せてしまうあたりがすごい。ザ・ヴァセリンズの曲を取り上げたり、ミート・パペッツの2人を呼び込んで彼らの曲をやったりと、カートを軸にオルタナティブロックの地図が広がっていくような様子も見事。
今年、41年に及ぶ活動に終止符を打ったメロディックハードコアバンドの代表作である5thアルバム。“Linoleum”“Don’t Call Me White”といった名曲を収録した青い名盤で、やはりこれも近年のポップパンクの潮流から再訪したい作品。一方で不思議なレゲエの“My Heart Is Yearning”やヘビーでメタリックな“The Quass”なども収められており、一筋縄ではいかないところも魅力的だ。
スケートパンクの代表的なバンドによる3作目で全米4位を獲得、1,100万枚を売り上げるなど、インディのアルバムとして最大の成功を収めた。“Gotta Get Away”“Self Esteem”などで聴けるようにニルヴァーナらグランジ勢からの影響もわかりやすく顕著で、ポップパンク／メロディックハードコアだけに留まらない音楽性の模索の跡が窺える。だからこそ広いリスナーに開かれ、大きな成功を収めたのだろう。
あまりにもローファイすぎたデビュー作『Slanted And Enchanted』から録音の質が圧倒的に向上した2ndアルバム。しかしバンドの魅力は損なわれることなくパッケージされており、さらにスティーヴン・マルクマス固有のソングライティングや情けなさも冴え渡っている。“Silence Kid”“Cut Your Hair”“Gold Soundz”“Range Life”と、名曲が押し寄せてきて泣けるインディロック史上最高の傑作の一つだ。
“Immortality”などカート・コバーンの死を受けたと思しき重く悲しい曲がありつつ、パンキッシュなサウンドからバラードまで以前より幅を広げた多彩な音楽性と表現をものにした3rdアルバム。“Better Man”などで聴けるように、エディ・ヴェダーのソングライターとしての成熟は明らかだ。
根無し草的に音楽性を変転させていくプライマル・スクリームの4作目。ここでは突如1970年代的なブルースロックやカントリーロック、ファンクなどに回帰しており……つまるところ、ボビー・ギレスピーはローリング・ストーンズがやりたかったのだろう。とはいえオマージュに留まらず、ダンスミュージックやヒップホップの新鮮な要素を取り入れている点は聴き逃がせない。果てはPファンクの総帥ジョージ・クリントンまで担ぎ出して、全体的にあっけらかんとした陽気さやお祭り感が横溢している。当初制作していたメンフィスでの録音バージョンが2018年にリリースされた。
グランジ世代の親にあたるベテランが、マスターピース『Automatic For The People』に続いて発表した成功作。同時代のオルタナティブロックなどから刺激を受けたのか、ギターロックに回帰したラウドなサウンドで先輩としての風格を見せつけている。ヒットシングル“What’s the Frequency, Kenneth?”で幕開けして駆け抜けるロックンロールアルバムだ。
“Radio”“Salvation”などを収録したパンクアルバム。グリーン・デイらの成功を追い風に、ランシドもこの2ndアルバムで一気に名を上げた。ホワイトトラッシュ的な貧困と行き場のない感情、破壊衝動を描く開幕曲“Nihilism”が見事。
今年、惜しくも亡くなったスティーヴ・アルビニを擁した3人組のデビューアルバムで代表作の一つ。アルビニらしい録音とプロダクションがやはり魅力的で、刺々しく寒々しいギターやベース、部屋鳴りを多分に含むドラムと、聴き手を遠く突き放した冷徹な音像が強烈だ。ポストハードコアからマスロックへの道程を予見させるバンドアンサンブルも見事。
ニューヨークの地下でオルタナティブロックの礎を築いた開祖的なバンドの8作目。グランジブームに乗って商業的成功を収めた『Goo』『Dirty』から一転、実験的な初期の作風に近い重く暗いムードで覆われているのは、初期作『Sister』と同じシアー・サウンド・スタジオで録ったからか。キム・ゴードン作、名曲“Bull In The Heather”のMVにはビキニ・キルのキャスリーン・ハンナが出演。
前述のチャド・ブレイクがプロデュース、ロックやヒップホップ、ジャズ、ブルースのミクスチャーを得意とするバンドの個性とうまく嚙み合った1stアルバム。ベックやG. ラヴ&スペシャル・ソースとともに時代を築いたバンドだが、マジカルなスタジオワークは実に個性的。ちなみにソウル・コフィンは今年再結成を果たし、ツアーもおこなっている。
グランジムーブメントを代表するバンドの4作目で代表的なアルバム。本作で全米1位を獲り、バンドは一気に知名度を上げた。スラッジメタルに通じる重いグルーヴを聴かせつつ、大名曲“Black Hole Sun”を筆頭に“Fell On Black Days”“The Day I Tried To Live”といった作曲家クリス・コーネルの才気が漲る曲は聴きごたえ十分。“Spoonman”の4＋3拍子のリズムなどユニークなアプローチも光っている。
グランジブームから頭角を現したバンドの2作目で、全米1位に輝いた。親しみやすいメロディが開放的な代表曲“Interstate Love Song”をはじめ、ヘビーなだけではない“Vasoline”、カントリー風かつサイケデリックな“Big Empty”といった多彩なロックで魅せる。
米シアトルのバンドの1stアルバムで、これがなかったら現在のエモもなかったのではないか、と思う初期エモの決定的名盤。“Seven”から名曲“In Circles”へと至る冒頭2曲は、エモ史上最良の瞬間だ。ジャケットが物語る抑鬱、静かに沈み込んだ繊細なパートと感情を爆発させる部分を行き来するダイナミックな歌と演奏、ハードコアパンク由来のストイックさなどに惚れ惚れする。
結成35年、まだまだ現役なUSインディロックの良心スーパーチャンク。彼らの代表作の一つが、この4作目。1曲目“Like A Fool”からして泣けるが、なんといっても大名曲“Driveway To Driveway”だろう。ベーシストのローラ・バランスとボーカリスト／ギタリストのマック・マコーンの破局という苦い背景もありつつ、だからこそ切なさが反映された曲の数々が沁みる。スティーヴ・アルビニのホームスタジオでミックスされた逸話も残っている。
8分の6拍子の“My Name Is Jonas”に始まる1stアルバムで、通称『ブルー・アルバム』。パワーポップ系譜のリヴァース・クオモのソングライティング、情けなくも切ない歌詞、ヘビーなロックアンサンブルとバンドの個性が既に確立されている名盤。“Undone - The Sweater Song”“Say It Ain’t So”“Only In Dreams”と名曲揃いだが、やはり象徴的なのは〈僕はバディ・ホリーみたい〉〈そんなの気にしない〉と歌い飛ばす“Buddy Holly”だろう。今年、30周年盤が登場。
中国ロックのパイオニアで、北京で活動する朝鮮系シンガーソングライターの崔健（ツイ・ジェン）。天安門事件後のデモで歌われた“一無所有”が代表曲として知られており、この3作目ではフリージャズ的なサックスやオルタナティブロック的アンサンブルに乗せて、政治的な含意をにおわせる歌詞を検閲下で歌う。今なお現役のレジェンドによる名盤だ。
