（左から）橋本薫、有馬和樹
自身の音楽性を〈ニュー・オルタナティヴ〉と表現し、2016年10月にAnalogfishの下岡晃をプロデューサーに迎えたファースト・アルバム『ME to ME』をリリースした4人組ロック・バンド、Helsinki Lambda Club（以下、ヘルシンキ）。Kidori KidoriのマッシュやThe Wisely Brothersの真舘晴子をゲストに迎え、古今東西のオルタナティヴなカルチャーをマッシュアップしたような同作を引っ提げて全国各地を回ってきたリリース・ツアー〈From ME to YOU〉が、いよいよ1月27日（金）の東京・渋谷WWW公演でファイナルを迎えようとしている。
そんな彼らがかねてから憧れの存在と公言しているのが、1月22日（日）に開催される大阪・心斎橋Pangeaでのツアー・セミファイナルにCHAIと共に出演するおとぎ話。過去にもHelsinki Lambda Clubが何度かオファーをしてきたという彼らとの夢の共演が、いよいよこのタイミングで実現する。そこで今回は、両バンドのフロントマン――ヘルシンキの橋本薫（ヴォーカル／ギター）とおとぎ話の有馬和樹（ヴォーカル／ギター）による対談を敢行。音楽シーンのなかでもなかなか比較対象が見つからない2組の個性や、それぞれにとっての〈オルタナティヴ〉について、たっぷりと語ってもらった。
★Helsinki Lambda Clubが切り拓く〈ニューオルナタティヴ〉という気運とは? Analogfish下岡と語る、初作『ME to ME』の背景
★結成16年を経て掴んだ〈おとぎ話らしさ〉とは? 有馬和樹が語る、本当に作りたい音楽を気負いなく表した新作『ISLAY』
曲やアルバムを作ることがただ楽しい
――まずは、あけましておめでとうございます。2人にとって2016年はどんな年でしたか？
橋本薫（Helsinki Lambda Club）「2016年はいろいろとあって、アルバムを出したし、ドカッと行かなきゃいけない年だったんですけど、同時に我慢の年でもあったと思っているんです。春から夏にかけてギターの佐久間（公平）がバンドを一時離脱したこともあって活動がスムースに行きづらい部分もあったし、アルバムの評判ももっと拡がってほしいと思っていて。ただ、アルバムを出す前よりも軽やかな気持ちになれているので、2017年からの活動が楽しみになるような1年だったんじゃないかと思いますね」
有馬和樹（おとぎ話）「素晴らしいね。自分がファースト・アルバムの『SALE!』（2007年）を出した頃なんて、そんなこと絶対言えなかったよ（笑）。俺は最初のアルバムを出してから10年ぐらい経つけど、曲やアルバムを作ることがただ楽しいという感覚になっていて、仏のモードになってきてる」
橋本「僕も早くそういう状態になりたいですよ（笑）」
有馬「でも、20代のうちは世間の評価に〈なにクソ〉と思って作品を作ったほうが良いよ」
――いまのおとぎ話は、とても自然体で音楽を作っているようなイメージがありますね。
有馬「おとぎ話はいろいろな経験を重ねてきてたからこそ、そこまで行けたということじゃないかな。でも2016年はいろいろとありすぎて、忙しいだけで終わってしまった感じもあって。新作『ISLAY』をリリースしたことはもちろん、バック・バンドとしての活動や映画『溺れるナイフ』（山戸結希監督作）への提供曲（『ISLAY』にも収録された“めぐり逢えたら”）もあったし。でも、自分が好きなことだけをやっているよ。歳を取ると難しいことだと思うから、それができているのはすごく嬉しい。ヘルシンキにはもっとビリビリ行ってもらいたいけど」
――2016年を通して、2人はどんな音楽や映画、アートにハマっていましたか？
橋本「2016年は特に忙しくて、いつもより音楽以外のカルチャーに触れることができなかったんですけど、音楽ならホイットニーやノラ・ジョーンズの最新作（『Day Breaks』）を聴いていました。『ME to ME』を作っていた頃はギター・ロックをいろいろと聴いていたんですけど、そうすると疲れちゃうんで、毎日聴けるような優しめの音楽を聴くことが多かった気がします。昔の作品ですけど、ジェイムズ・イハのファースト（98年作『Let It Come Diwn』）をめちゃくちゃ聴いたり」
有馬「へえー。俺は今年リリースされたものだとチャンス・ザ・ラッパーの『Coloring Book』にフランク・オーシャンの『Blonde』、ア・トライブ・コールド・クエストの『We Got It From Here… Thank You 4 Your Service』をめちゃくちゃ聴いていた。どれも圧倒的だったよね。あとはオールド・スクールのヒップホップやブラック・ミュージックばっかり聴いていたかな。ロックは自分の好きなものしか聴いてなかったかも。でもレモン・ツイッグスは良かったよね」
橋本「良かったですね」
有馬「あとは映画をたくさん観ていて『エブリバディ・ウォンツ・サム!! 世界はボクらの手の中に』（2015年）とか。さっきも『胸騒ぎのシチリア』（2015年）を観てきたんだけど、それも最高だったよ。シチリアでロックスターがヴァカンスする映画で、ストーンズの曲が使われていたりして。冒頭でキャプテン・ビーフハートがかかったときは〈おお、来た!〉と思った」
橋本「僕は『シング・ストリート 未来へのうた』（2016年）は観ました。あと旧作では、『台風クラブ』（85年）を観たんですけど、すごくおもしろかったです」
有馬「展覧会だと、東京オペラシティでやっていたライアン・マッギンレーの『BODY LOUD!』が印象に残った」
橋本「僕は東京都美術館の『ゴッホとゴーギャン展』にしか行ってないですね。読んだ本だと、マルセル・デュシャンの伝記が印象的でした」
――デュシャンですか。橋本さんはもともとそういうものが好きなんですか?
橋本「僕はニューヨーク・ダダイズムやマルク・シャガールに代表されるシュルナチュラリスムなど1900年代前半の芸術が好きなんです。そのあたりのアーティストは音楽をやっている人よりも姿勢がパンクな気がして、彼らのアティテュードに影響を受けたり、共感したりすることが多いんです」
好きなものを正直に出した結果、そのままじゃないものになっている
――では、ヘルシンキとおとぎ話、それぞれのバンドに対してはどんな魅力を感じますか?
有馬「まだ活動を詳しく知っているわけではないけど、アルバムを聴いた印象は〈音楽を聴く耳をしっかり持っているバンドなんだな〉ということかな。最近はあまり音楽自体を好きじゃないミュージシャンが多い印象もあるから、そこがいちばん印象に残ったかもしれない」
――最高の褒め言葉じゃないですか。
橋本「嬉しいですね。それは僕もおとぎ話の音楽にめちゃくちゃ感じることなので」
有馬「俺はいま35歳だけど、自分たちの世代でまだ音楽をやっている人は本気の人が多いから、最近は本当に音楽が好きなバンドが少ないという話になることがあって。でも、Helsinki Lambda Clubは〈こいつら音楽が好きなんだろうな〉という感じがあって、そこが本当に良いと思った。たとえば、ベースの稲葉（航大）くんのプレイを聴いていても、手癖ではやっていない。音楽が好きじゃないとできないプレイでめちゃくちゃ良いんだよね」
橋本「僕らにとっておとぎ話は、作品を重ねるごとにどんどん変わっていくのに、どんな音を鳴らしても揺るぎない〈おとぎ話らしさ〉があるバンドというイメージです。それこそがオリジナリティーだと思うし、憧れますね。まだ大学の頃に“Boys don't cry”を聴いて、バンドってこれだよなと思ったことをすごく覚えています」
有馬「めっちゃ嬉しいな。この間never young beachとツーマンをやったときにも、（安部）勇磨がMCで、〈初めておとぎ話を聴いたときに、これまで聴いてきた音楽って何だったんだろう?と思った〉と言ってくれて。年下の人たちにそういうふうに言ってもらえる機会が増えていることは、素直に嬉しい」
橋本「おとぎ話の音楽にはエネルギーがありますよね。絵画に喩えて言えば、作っている人の聴いてきた音楽がキャンヴァスだとしたら、そこに絵の具をぶちまけてビシャッとはみ出ているような感覚がおとぎ話にはあると思う。その〈ビシャッ!〉と飛び散るような、衝動的な部分がすごい」
有馬「やっぱり、気合いを入れないと音源は作れないんだよ。だから、1曲1曲に入魂している感じが伝わっているなら嬉しい。それはおとぎ話にとってずっと変わっていないものだと思うし。いまはやるなら本気でやらなきゃ伝わらない時代だと思うから、それを感じてくれて一緒にやりたいと思ってくれたのならめちゃくちゃ光栄だよ」
――橋本さんにとって理想的な活動をしているバンドのひとつ、ということですよね。
橋本「そうですね。それに、こんなことを言うと失礼かもしれないんですけど、ヘルシンキはめちゃくちゃ不器用なバンドなんですけど、おとぎ話にもそれが滲み出ていると感じるんです」
――両バンドに言えることだと思いますけど、やりたいことに正直な感じがあります。
橋本「そうですね。僕はおとぎ話の〈奇を衒っていないのに、傍から見るとひねくれたものに見える〉ところもすごく好きで。実際、奇を衒ったりはしていないですよね?」
有馬「全然してないよ。最初のアルバムの2曲ぐらいは衒ったかもしれないけど（笑）。あの頃は銀杏BOYZのツアーの前座で出ていたから、銀杏BOYZのファンの人にも気に入ってもらえる曲を書く必要があった。でも、そういうことをたまにやるとおもしろいよね」
――お互いの音楽を聴いて、共通する部分や違いを感じるところというと?
有馬「似ているところはないんじゃないかな? ヘルシンキがおとぎ話に似せようとしているところってないでしょ? 俺たちも、最初の頃は誰かに似ていると思ったことはなかったし」
橋本「そうですね。でも好きなものを正直に出した結果、そのままじゃないものになっているという部分は共通しているのかな、と僕は勝手に思ってます」
――さっきの〈音楽が好きそう〉という話に通じると思うんですが、それぞれの好きなカルチャーがオマージュのように盛り込まれている部分は共通しているかもしれないですね。ヘルシンキで言うと、『ME to ME』の6曲目“Morning Wood”の〈あいつは総理 boring lorry, baby〉という歌詞は、音だけ聴くとオアシス“Morning Glory”の〈What's The Story Morning Glory?〉にしか聴こえない。
橋本「あれは完全にそうですね（笑）。僕らはそうした遊びを入れたがっちゃうんです」
――おとぎ話で言うと、最新作『ISLAY』の“DREAM LIFE”にはビートルズの“I Feel Fine”などいろいろなフレーズが挿入されていて、ニヤリとさせられます。
有馬「俺たちがそういうフレーズを入れているのは、サンプリングしているみたいな気持ちからかな。バンドをやっていると、〈あの音楽っぽい〉と言われることがあるけど、〈いやいや、サンプリングだし〉と言うと楽しくなってくるというか（笑）。それっておもしろいし、今回のアルバムではやらないともったいないなと思って。ヘルシンキの場合は〈遊ぶ〉というよりももっとストレートにやっているイメージで、清々しいよね」
橋本「確かに、邪念は全然ないです。むしろ〈ここに入れたら気持ち良いじゃん〉みたいな感覚。それがオマージュになるかパクリになるかはセンスの問題だと思うので、おもしろいのか／そうじゃないのかということは考えて選り分けますけどね」
――どんなふうに曲が生まれることが多いんですか?
有馬「俺は友達と話をしているときのようなカジュアルなテンションのときに、鼻歌で作っていくことが多いかな。日常にないものから着想を得るタイプではないんで」
橋本「僕は本当にバラバラですね。ただ、自分の日常にないものから着想を得ることも楽しいけど、基本的に〈グッとくる感覚〉を大切にしているんで、そうすると僕も日常の延長線上にあるもののほうが響いてくるんです。恋愛で心揺さぶれることもあるし、他のバンドの良いライヴを観たりすると〈自分も良い曲を作ろう〉と思ったりするし」
――話を聞いていると、お互い近からず遠からずという良い距離感を感じますね。
有馬「近すぎたら一緒にバンドをやっていると思うし（笑）。対バンをするにしても、近すぎるバンドとやってもおもしろくないと思うんですよね」
最高を更新し続けているバンドに憧れる
――今回はHelsinki Lambda Clubからのラヴコールにおとぎ話が応える形で、1月22日に大阪で2組の対バンが決定したわけですが、橋本さんが対バンを決める際に意識することは?
橋本「やるからには来てくれた人に楽しんでもらいたいので、まずは単純に自分がおもしろいと思える人たちを呼ぶし、その場所でどういうメンツだと良いライヴになるかも考えます。おとぎ話は僕らが結成した当初から対バンしてもらいたいと思っていたバンドで、これまでも何度かオファーはしていたんですよ」
有馬「そうそう。でもタイミングが合わなかったんだよね。そういういろんな折り合いがついたのが今回のタイミングだった」
――ライヴのときに意識することは?
橋本「僕の場合は、ライヴ中に我を忘れる瞬間がやってくるといちばん手応えを感じますね。でもライヴってやっぱりコミュニケーションだと思うんですよ。曲を作るときは自分に向けて作るんですけど、ライヴでは目の前にいる人へ届けたい。そういう気持ちが、最近やっと出てくるようになりました」
有馬「俺らの場合は、〈他のバンドとは違うな〉と思って帰ってくれたらいい、というだけかな。いまは昔よりもすごく冷静になってきてるね。おとぎ話がバンドを始めた頃は周りにも無軌道なバンドが多くて、自分たちも演奏中にフロアへ降りたりしていたけど、felicityから作品を出すようになったこの3年ぐらいで、どう考えてもそういうライヴは自分たちの器じゃないことがわかってきた。いまは良い意味でお客さんが求めていることもわかるようになったし、昔よりはお客さんに寄り添った感じはあるかもしれない」
橋本「僕はまだそこを模索しているところですね」
有馬「いまの時点ではわからなくていいよ（笑）。これは30代以降の話だと思う。でも、俺の友達で言うと忘れらんねえよとかがそうだけど、ずっとピュアな気持ちでやれる人もいるんだよね。それはそれで凄いし、おとぎ話がバック・バンドをやっているドレスコーズの志磨（遼平）ちゃんを見ていても、日常を掻き消すようなことをしていて、凄いと思わされる瞬間がある。それはやっぱり、彼らは俺らにできないことをやっていて、俺たちも彼らにはできないことをやっているからなんだと思う。いろんなバンドがいて良いんだなという感じだよね」
――おとぎ話もヘルシンキも周りに比較対象が見つからないタイプのバンドですよね。そういう意味で、理想のバンド像というとどんなアーティストを思い浮かべますか?
橋本「おとぎ話もそうだし、Analogfishやくるりもそうですけど、ずっと最高を更新し続けているバンドに憧れます。好きなことを追究した結果、自分が変わっていくことを受け入れていくバンドってカッコイイと思うんですよ。あとは、音楽性で言うと昔のフジファブリックみたいに、一見ポップに聴こえるけど音楽的なルーツを理解している人たち。大衆が楽しめつつ、音楽マニアが聴いてもニヤリとできるものが凄いと思うので」
――おとぎ話もそうですし、『ME to ME』のプロデューサーを務めたAnalogfishの下岡さんもそうですが、ヘルシンキは憧れの人たちと実際に関われるようになってきているんですね。
橋本「本当にそうなんですよ」
有馬「俺の場合はおとぎ話を目標にしているとしか言いようがないかな。どんなものが理想像なのかわからないし、もしそれがわかったら、もう自分はバンドをやってないと思う。4人とも理解ができていないからこそ長く続いているというか。初期はピクシーズみたいになりたい、ぺイヴメントになりたいと思っていたけど、どっちのバンドもその後どうなるか分かってしまったし、ライヴに何度も行っていたゆらゆら帝国も解散してしまった。じゃあ、その先をめざすしかないんじゃないかと。でも、そういう意味では2016年のサニーデイ・サービスは良い意味で回顧主義的でありつつ更新もしていて指針になったし、やっぱり曽我部（恵一）さんはすごくカッコイイと思った」
〈ウィーザーが本当は作らなければいけなかったアルバム〉を作ってほしい
――いまピクシーズやペイヴメントの名前が出ましたが、おとぎ話とヘルシンキはオルタナティヴな要素があるバンドですよね。その源泉はそれぞれどういう音楽だったんでしょう?
橋本「ジャンルとしてのオルタナティヴで言うと、僕はニルヴァーナから入った感じですね」
有馬「俺もニルヴァーナが最初だよ。その前の小学生の頃にはキング・クリムゾンとかを聴いていたけど……」
――それはヤバイですね（笑）。
有馬「それからニルヴァーナを聴くようになったときに、もっとわかりやすくてカッコイイ音楽があるんだと思って。いま考えると、音楽的にはキング・クリムゾンのほうがよっぽどオルタナティヴだけどね（笑）」
橋本「ハハハハ! 」
有馬「でもスマッシング・パンプキンズやレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンが〈オルタナティヴ〉という言葉を格好良く広めてくれたと思う」
橋本「オルタナティヴという言葉自体が、定義の難しいものですよね。僕もスマパンやペイヴメントはすごく好きなんですけど、実は同世代で話が合う人はあまりいないんですよ。僕はミスター・T・エクスペリエンスやクイアーズあたりの90年代にルックアウト!から出ていたB級パンクっぽいバンドが好きなんですけど、それで会話が成立することはほとんどなかったし」
有馬「そうなんだ。ルックアウト!っぽい感じは『ME to ME』の1曲目“This is a pen.”にも出ているよね。これは聴いていて嬉しかった。ディセンデンツとかを思い出して……」
橋本「ああ、ディセンデンツは好きですね」
有馬「ハスカー・ドゥみたいなSST周りのバンドを聴いても、きっとおもしろいんじゃないかな。ヘルシンキにはああいうアメリカの荒涼とした感じも似合いそうだから。一方でポップ・パンクっぽいことも似合うから、ウィーザーが本当は作らなければいけなかったアルバムを、〈ニュー・オルタナティヴ〉を掲げて作ってくれたら、聴いたことのないおもしろいものが出来そう」
――そもそもHelsinki Lambda Clubが〈ニュー・オルタナティヴ〉という言葉を気に入ったのも、音楽性が限定されない言葉だからですよね。
橋本「そうですね。僕らの場合、Analogfishの下岡さんが〈Helsinki Lambda Clubの音楽はニュー・オルタナティヴだ〉と名付けてくれましたけど、この言葉を良いと思った理由は、〈新しい選択肢〉という意味だからで。オルタナティヴという定義に合致する音楽って、言葉の意味を考えるともっと更新していかなきゃいけないと思うんですよ。そういう意味で打ち出したかったという気持ちはあります。でも僕の場合、シリアスなだけじゃなくてちょっと笑えるものが好きなんです。マルセル・デュシャンが便器に署名を書いて作品にした〈泉〉（71年）とか、そういうアートを感じる作品を良いなと思うことが多い」
――『ME to ME』にも正面から捉えると意味を成していない歌詞があったり、“Justin Believer”という曲があったり、“目と目”と作品タイトルの『ME to ME』がかかっていたりと、さまざまなところにユーモアが詰まっています。
橋本「そうですね。意味のあるものだけが良いものじゃないというか。自分にとっては意味がないものでも、誰かがそこに意味を付けて規模がデカイものになれば、それもアートだと思う。自分だけで完結して閉じて終わるよりも、もっと拡げたい、広がってほしいという気持ちがあるんです。シュルレアリスムの方法論に〈甘美な死骸〉※というものがありますけど、そういうものに影響を受けているんだと思います」
※複数の人間が互いにどんなものを作っているのかを知らずに、自分のパートだけを作る創作方法。優美な死骸とも言われる
有馬「俺が曲を作るときは、全然考えてないんだよね。自分が好きなことをやっているだけ。だから、さっき橋本くんが言ってくれてすごく嬉しかったのが、〈何かのロールモデルがあるわけではなく、絵の具をビシャッ!とやって、それがはみ出しているみたい〉という表現。それは本当に言い得ていると思う。凄いと思った」
橋本「ありがとうございます（笑）」
有馬「でもだからこそちょっと怖いよ。こんなに若いのにわかりすぎていて大丈夫かな?って（笑）。勝手な願望としては、橋本くんが嫌いなものももっと歌ってほしいな」
橋本「おお。それは誰かにも言われた気がする」
有馬「ヘルシンキの音楽からもっと汚いものが見えたとき、わかってくれるリスナーは一生バンドのことを見てくれると思う。いまは良い意味で凄く綺麗だから、くたびれている自分の曲とかも歌ってほしいなと。“Justin Believer”も人を喰っていて凄くおもしろいし、俺は好きなんだけど、もっとゲロ吐いてるような曲も聴いてみたい」
橋本「感情をもっと出すという意味ですよね。良いアドヴァイスが聞けたな。僕はおとぎ話の『ISLAY』を聴いて、ひとつひとつの曲は壮大なことを歌っているわけではないのに、全体を通して、ジャケットにも描かれている宇宙が浮かんでくる感じが凄く好きでした」
有馬「ああ、嬉しい。ここ数年はNASAがテーマだからね。これから先、地球だけでやっていけるとは思ってないから（笑）」
橋本「めっちゃ先を見てますね（笑）! Helsinki Lambda Clubは、まずはもっとはみ出していきたいんで、次はもうちょっと行けるところまで行きたいです。と言いつつ、別のことをするかもしれないですけど（笑）」
有馬「一回、4人全員がユニゾンの曲を作ってみるのもいいかもよ。4人いると絶対誰かが違うことをするんだけど、一回一緒のことをやろうとしてみる、みたいな。それをリリースする必要はないと思うけど、はみ出すためのいちばんの方法は頭で考えないことだと思うから。コンピューターで管理される時代が来ても、バカな人間がバカ騒ぎをするのは管理できないと思うからね。結局は人間なんだよ」
――1月22日の対バンも本当に楽しみですね。
橋本「22日の対バンでは、おとぎのファンの人たちに〈こういう格好良さもあるんだな〉と思ってらえると嬉しいです。おとぎは圧倒的だから、がんばらないと。CHAIもいるし、カオスな現場になりそうですね」
有馬「潰し合いでしょう（笑）。（ヘルシンキが）やりづらいけどやりやすい雰囲気にできたらいいんじゃないかな。何より俺は、橋本くんに〈おとぎ話の演奏ですごく気合いが入った〉と感じてもらえるライヴにしたいね」
Helsinki Lambda Clubからのお知らせ
『ME to ME』Release Tour 〈From ME to YOU〉
1月22日（日）大阪・心斎橋Live House Pangea
共演：おとぎ話、CHAI
1月27日（金）東京・渋谷WWW
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おとぎ話からのお知らせ
『ISLAY』リリースツアー〈FLAVOUR OF ISLAY TOUR 2017〉
4月8日（土） 仙台FLYING SON
4月14日（金） 福岡 UTERO
4月15日（土） 広島 4.14
4月28日（金） 名古屋・今池 TOKUZO
4月30日（日） 大阪・十三 FANDANGO
5月14日（日） 東京・渋谷 CLUB QUATTRO
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