Helsinki Lambda ClubとTENDOUJI。2組はともに2010年代中頃から活動をスタートし、オルタナティヴ・ロックやギター・ポップを筆頭に海外のインディー・ミュージックからの影響が色濃いサウンドでリスナーを魅了してきた。フェスでの共演やイベントでの対バンなども多い両者は、盟友と言えるだろう。

今回はHelsinki Lambda Club（以下、ヘルシンキ）の新作『Eleven plus two / Twelve plus one』を機に、ヘルシンキの橋本薫、TENDOUJIのモリタナオヒコという両フロントマンの対談を実施した。

記事をはじめる前に、まず『Eleven plus two / Twelve plus one』のコンセプトを共有しておきたい。このアルバムはAB面構成になっていて、まず前半はこれまでのヘルシンキがやってきたロックにフォーカスした〈過去・現在盤〉として6曲を収録。そして、後半は未来のヘルシンキが鳴らしているであろうサウンドを想像した〈未来盤〉として同じく6曲を収録。その結果、ヘルシンキの作品のなかで、もっとも多様な音楽性を収めたアルバムになった。

そんな進化の一枚『Eleven plus two / Twelve plus one』を、モリタはどう聴いたのか?　まずは彼らの出会いから尋ねた。

 

最初に仲良くなったバンド

――おふたりは年齢も同じくらいですか?

橋本薫（Helsinki Lambda Club）「僕はいま30歳ですね」

モリタナオヒコ（TENDOUJI）「俺は34になったところ。でもバンド歴で言うと、ヘルシンキがちょっと先輩かな。俺らにとっては最初に仲良くなったバンドかも」

橋本「初めて会ったのは2014年だよね」

モリタ「2組とも同じオーディション・ライブに出ていたんですよ。そのとき俺らは結成2か月めぐらいで、何も知らなさすぎて、会場にシールドも持っていってなかった（笑）。〈上位何組かはCDデビューを考えます〉みたいな企画だったけど、結局TENDOUJIは落ちて、ヘルシンキは3位だったのかな。他の出ていたバンド、ほんとにクソだったよね（笑）?」

橋本「うん、まぁ（苦笑）」

モリタ「ゴミバンドが集まっていたんだけど、ヘルシンキを観たとき〈こいつらは絶対にいいバンドだろう〉と思って声をかけたんですよね」

――モリタさんはヘルシンキのどこに魅力を感じたんですか?

モリタ「いや、もうすべてですね。まず曲がいいし、演奏力も音圧も違うし、良い意味で適当なところもあって。MCがないところもよかったな」

橋本「僕からしても、その日はTENDOUJIがいちばん印象的だった」

モリタ「褒めてくれたのはヘルシンキだけだった。審査員に言われた言葉は『ボイトレ行け』でしたからね（笑）」

橋本「優勝者発表のときのTENDOUJIの姿が忘れられない。いちばん前で手を組みながら拝んでいて（笑）」

モリタ「あれはギャグでやっていたけど、心のどこかではもしかしたら……と思ってた」

橋本「でも、音楽はかっこよかった。すでに“HAPPY MAN”を演奏していたんだけど、あの曲の衝撃はいまでも忘れられないです」

 

インディー・バンドのロール・モデル、TENDOUJI
ギターの音をブランドにできている、ヘルシンキ

――そのあとの各バンドはそれぞれ歩みを進めていったわけですね。

橋本「僕にとってTENDOUJIはいまの時代のインディー・バンドのロール・モデルみたいなところがあります。身近なところで仲間を作って、いろんな小さいコミュニティーを巻き込みながら、上り詰めていくみたいな感じがすごくいいなと思う。そういうところを勝手に勉強させてもらっていたというか、それが大事だよなぁって。後は小さなコミュニティー発信のものでありつつ、当初から〈売れたい〉と言い続けていたし、それがちゃんと結果になっているのは、ほかのバンドにとっても希望なんじゃないかな」

――ちなみにヘルシンキはTENDOUJIの仲間ですか?

橋本「えーと……仲間だと思っています（笑）」

モリタ「そこ、難しいよね。お互い刺激し合っていて、いいバンドだというのはもう無意識のなかにあるけど、別に群れているとかじゃない。自分たちのイベントにはめちゃめちゃ出てもらっているけど」

橋本「俺らはどこのシーンにも入れないバンドだったから」

モリタ「あー、そうかもね。それが羨ましかったけどね」

――モリタさんはヘルシンキをどう見ていますか?

モリタ「ほんとに漫画みたいなバンドだと思っています。自分がバンドをやっていなかった時代にずっと〈バンドやるならこういうのがいいよな〉と憧れていた人たち――SPARTA LOCALSや髭がそうなんですけど、ヘルシンキってそういったバンドを一身に引き継いでいる感じがする。引き継いだけどもうそこには自分たちしかいなかった……みたいな（笑）」

――出会って以降、ヘルシンキはメンバーの脱退や加入を何度か経験^※してきましたね。

モリタ「めんどくせーなーと思ってました（笑）。出会ったときのメンバーがすごく好きだったし、もったいないなって。でもメンバー変わっても楽しいですね。それはすごいと思う。太起とかバンドにとってむっちゃいい刺激になっているし。ヘルシンキはギターの音が自分たちのブランドになっていると思う。いまギター・バンドは衰退していると俺は思っているんですけど、ヘルシンキを聴くとやっぱギターいいなと思う。その意味でTHEE MICHELLE GUN ELEPHANTみたいなバンドかも」

橋本「おお……!」

――モリタさんが特に好きなヘルシンキの曲と言えば?

モリタ「“シンセミア”ですね」

橋本「即答……」

モリタ「薫くんはああいう曲を書くとほんとにすごいと思う。ちょっとミドルテンポで切なくて景色が見えるというか」

橋本「自分でもそっちに本質はあるのかなと思ったりもします」

――逆に橋本さんが好きなTENDOUJIの曲は?

橋本「なんだろうな……やっぱり“Killing Heads”とかアッパーな曲はめっちゃいいなと思うし、最初の衝撃という点では“HAPPY MAN”。あと“GROUPEEEEE”を聴くと2016年頃のフロアの熱狂をめちゃくちゃ思い出します。あの時代のアンセムでしたよね。

でも、最近の曲もすごく好き。片寄（明人、GREAT3）さんがプロデューサーとして入って以降、曲の構成やアレンジのちょっとしたところに、より気が利くようになりましたよね」

モリタ「おっしゃるとおりです（笑）」

 

気持ち悪さや女々しさを隠さない言葉の魅力

――モリタさんはヘルシンキの新作『Eleven plus two / Twelve plus one』を聴いてみていかがでしたか?

モリタ「良いアルバムなのはもう大前提として、薫くんが考えていることもちょっとわかる気がした。というのも、新しい要素を積極的に取り入れている印象があったから。アルバムの後半では、かなり実験的なことをやっていたし、俺はあれ好きだったな。早くも〈次のアルバムはめっちゃ良さそうだな〉と思った（笑）。あと、薫くんは読書家ということもあって、歌詞がおもしろいし、読み応えありますよね。自分の音楽にはそれ絶対ないから」

――橋本さんの歌詞のおもしろさはどんなところにあると思います?

モリタ「気持ち悪いところ（笑）。いい意味で女々しかったりもするし、そこがまたよくて。本当は誰もがそういうところを持っているんだけど、〈男は男らしく〉とかそういう風潮があるなかで、なかなか出せない。でも、薫くんは歌詞のなかで女々しさや弱さを表現できている。音楽ってもともとそういう表現だと思うんです」

――確かに橋本さんの歌詞は、彼自身の抱えている不安感や失意を含めて、気持ちがつまびらかに表れている気がします。

橋本「ナオくんが汲み取ってくれたことは本当にそうだなと思いますね。ただ、表現として出す以上は、解釈は受け手次第という部分も意識しています。起こった出来事をそのまま言ってもただの日記だと思う。リアルな出来事を描くのであれば、そのなかにリアルではない、人によっては気持ち悪いと感じる表現を挟むことで、聴き手の意識を一瞬変なところに飛ばしたい。そういう仕掛けを作ることは常に意識していますね。音楽をやっているのだから、音に言葉が乗ったときに何かが喚起されるようなものでありたいんです」

――仕掛けと言えば本作はコンセプト・アルバムにもなっています。前半の6曲はいままでのヘルシンキがやってきたサウンドにフォーカスした〈過去・現在盤〉。そしてインタールード的な“Mind The Gap”を挟んでの後半6曲は、未来のヘルシンキがやっている音楽を想像して作ったという〈未来盤〉。

モリタ「そういう発想は薫くんっぽいよね」

――〈未来盤〉は、橋本さんが未来に旅して今後数十年間のヘルシンキのキャリアを見てきたうえで、その時々でバンドが演奏していた楽曲を再現したそうですね。CDにはバンドの未来年表も付いてくるという。そうした構想自体はどのように出てきたんですか?

橋本「〈未来盤〉というイメージが思い浮かんだのは2年前くらい。『Tourist』（2018年）を作ったあとに“you are my gravity”の断片ができて、まだ歌詞はなかったんですけど、曲から浮かぶ風景が未来だったんです。そのあとフル・アルバムを作るとなったときに、いろいろなアプローチの曲を入れたかったんだけど、とっ散らかった印象を持たれるかも……という不安もあった。であれば〈未来のヘルシンキ〉というある種の縛りを設けて、そのなかでいろいろやっているのがおもしろいんじゃないかなと。

さらに去年“Good News Is Bad News”を作っているあたりで、その頃は20代の終盤だったんですけど、僕らが影響を受けてきたガレージ・ロックとかって衝動的なものだし、若いうちに鳴らせているものが本物だなと思って。そういうものをちゃんと嘘なく鳴らせるうちに出しておきたい、ということで〈過去・現在盤〉をカップリングしようと考えたんです」

 

橋本薫、未来へ行く

――〈過去・現在盤〉と〈未来盤〉で歌詞のアプローチも変わりました?

橋本「そこは、そんなに意識的ではなかったですけど、特に〈未来盤〉は、未来のヘルシンキがそれぞれの曲をやっているうえでの背景までを一応想像しながら作りました。〈未来盤〉の歌詞は、温度感がなくなっているというか、無機質っぽいんだけど、言葉の端々には人間の本質とか世の真理みたいなものが垣間見えるものをめざしたんです。未来の空気感とかをふまえつつ歌詞も書いているから、そういった部分で結構〈過去・現在盤〉とは違っているんじゃないかと思います。何を言ってるんだという話ですけど（笑）」

一同「（笑）」

――未来の空気感をふまえてってすごい（笑）。

橋本「自分でもマジで見てきたものだと錯覚してますね（笑）」

モリタ「メンバー変わってた?」

橋本「いや、変わってなかった。でも〈未来盤〉“Sabai”という曲をやっている時代には、僕が脱退していて、だからこの曲は稲葉（航大、ベース）が作詞作曲して歌ってる。稲葉はなかなか作ってこなかったんですけど、『いや、俺は脱退しているんだから!』と何度も言って作らせました（笑）。あの曲、僕はレコーディングでも何も関与してないです。そこは徹底しました」

――そもそもメンバーのみなさんは〈未来盤〉というコンセプトについてはすんなり理解してくれたんですか?

橋本「いや、まったくですね。2年間ちょこちょこ伝えていたんですけど、レコーディングが始まっても全然理解していなかった。〈未来〉の曲とかを録りはじめて、“you are my gravity”をみんなで練り直したあたりで、ようやく理解が追いついてきた。この曲は未来の細部についていちばん説明したんで」

モリタ「（爆笑）。細部どんなの?」

橋本「“you are my gravity”の未来はかなり先で、2XXX年なんですけど、もう地球がめちゃくちゃ荒廃していて、ビルとかも崩れまくっていて。ほとんど砂地なんですよ」

モリタ「結構ベタな設定だね（笑）」

橋本「僕はいまもiPhone 6sを使っているんですけど、その2XXX年でもiPhone 6sを使い続けているんです。だから僕は未来でも4G回線でインターネットをしていて。だけど、その時代のみんなはもう5Gどころじゃないテクノロジーを使っているから、そうした技術の進歩によってみんなは……。この話、大丈夫?」

モリタ「とりあえず続けてよ」

橋本「あまりにすごいテクノロジーを使っているので、人類はもう肉体を失ってしまっているんですよ。僕だけが肉体を持って生き残っている唯一の人間。だからメンバーももう脳みそだけ、みたいな（笑）。そのなかで僕はiPhone 6sのGarageBandを使って曲を作るんです。その曲をメンバーがなんとかキャッチして、〈俺も参加しなきゃ〉と脳内で作ったギターとベースを入れてくるっていう」

モリタ「なるほどね。じゃあ、お薬出しときますね（笑）」

橋本「ってことを説明したら、納得したみたいで。ギターを入れるときも、あーちょっとこれはまだ肉体あるね、みたいな。ようやくそこらへんでコンセプトを共有できて、7曲目の“Mind The Gap”は過去・現在と未来を繋ぐタイムスリップ感を持ったインストとして太起が作ってきたんですよ」

 

変わらないことも救い

――いまの話はバンドのメンバーといかに完成イメージを共有していくかという話でもあると思うんですけど、TENDOUJIはそのあたり工夫されている点はありますか?

モリタ「うーん、特にこれといってないんですけど、俺らはメンバーがいいと言わなかった曲はやらないんです。イメージのすり合わせに関しては、前は〈『さらば青春の光』のラスト・シーンで出てくる崖みたいな〉とか結構抽象的に言っていたんですけど、最近はもうSpotifyを送っていますね（笑）」

――俄然わかりやすいですね（笑）。モリタさんが『Eleven plus two / Twelve plus one』のなかで特に好きだった曲は?

モリタ「“Shrimp Salad Sandwich”かな。あの曲がいちばんいいと思った。同じ職業だからか、やっぱり音楽家がどんなことを考えてきたのかとか、そのうえでどういう変化や進化があるのかはすごく気になるんですよ。特にこの1年はすごく特殊な1年だったから、いろんなアーティストの作品を聴くだけで、〈ああ、この人はこういう音楽を聴いてたんだな。こういうことを思ってたのかな〉と感じることが多い。新作のなかで、それをいちばん感じられたのはこの曲だった。過去も未来もアルバムにあるなかで、これはすごく現在だという気がしたんです。俺はこれがいちばん好き」

橋本「いや、ホントにそのとおり。僕らも当初レコーディングが2月ぐらいに始まる予定だったんだけど、新型コロナで延期になって、そんななかで思うところはいろいろあったわけじゃないですか。政治や経済とかって普段の生活に直結しているものなので、生活を歌えば、おのずとそっちに言及していくと思っていたし、僕はそれまでポリティカルど真ん中な歌詞は歌ってこなかった。でも、今年の春頃はいろいろな気分になったし、そのなかには怒りも当然あった。そういう気持ちが溜まりすぎて、曲にしなきゃいけない段階まできたんです。

なので、過去と未来を繋ぐ現在として、まさに〈いま〉を歌った曲が入ったらいいなと思って作ったんです。この曲は、最初から最後まで皮肉なんだけど、それがいちばん現在なのかなって」

――確かに歌詞では〈桜を見よう〉とか〈銃声が響いたが／選挙の話に／夢中で誰も気づかない〉とか出てきて、明確に政権への怒りを表していますよね。ただ、全体を読むと、描かれている政治家や富裕層に対して、慈しみを持った眼差しも落とし込まれている気がしたんです。

橋本「たぶんそういうところが僕らしいんだと思います。レイジ・アゲインスト・ザ・マシーンとかも大好きだけど、僕にはそういう表現できない。プロパガンダ的なものにはならないようには注意しました。楽曲自体もポップですからね」

――TENDOUJIも先日新曲“SURFPUNK”をリリースされましたけど、コロナ禍は楽曲に影響を及ぼしていますか?

モリタ「どうだろう。あんまり考えないようにしていたかもしれないですね。それを表現しすぎるっていうのもね。変わらないことも救いかなっていう。変わらず曲を作っていくと言う、ただ単に曲を作っていくというのもある種、正解だと思う。もちろん自分のマインドにはありましたよ。〈もう爆発したいな〉とか〈いやだな〉とか（笑）」

 

いまロック・バンドが鳴らすべき音とは?

――（笑）。あと、おふたりに訊いておきたいのが、いまのロック・バンドがどういう音作りをすべきか、ということです。『Eleven plus two / Twelve plus one』は現行の洋楽を意識して低音を強調したそうですが、まず橋本さんがそういうサウンドをめざした理由は?

橋本「僕自身、低音の効いている音楽がいいなと思う体になっています。数年前までは逆張りというか、時代と違うことをバンドではやろうとしていたんですよ。でも、それは自信のなさの裏返しだったのかとも思う。いまは自分の作るものやメンバーに対しても自信があるので、最終的な音の処理では我が道を行きすぎなくてもいい、むしろいろいろな人の耳を引くもののほうがいい。そういう気持ちの変化が強いのかも。単純に気持ちのいい音を出したいなという素直な心でしたね」

――音作りの面で参考にしたようなバンドはいますか?

橋本「うーん……僕はワローズ（Wallows）がすごく好きなんですけど、その理由としてはバンドらしいバンドでありながら、めちゃくちゃ自然にライブで同期を使っていたり、音源では低音が効いていたりするところなんです。いまはそういうのが自然だし、自分たちもいつの間にか近づいていきましたね」

――モリタさんは音作りの面でいま意識していることはあります?

モリタ「自分が好きなものをやりたいので、いま聴いているものや好きなものに近づきたいと思っていますね。俺らが作るものは絶対ワールド・スタンダードなものじゃないと嫌だという気持ちが念頭にある。海外のアーティストとプレイリストとかで混ざっても、どこの国のバンドなのかわからないようにしたいし、どこに出しても恥ずかしくない音楽をやりたい。

俺、ここ数年の音楽の進化はとんでもないと思っているんです。自分たちのことはパンク・バンドだという自負があるんですけど、いまいちばんパンクなものはバンドじゃないと思う。パンクって誰でもできる音楽ということをふまえると、携帯一個で音楽を作っている人たちがいまのパンクだと思う。しかも彼のサウンドは超おもしろくて、それまでに聴いたことがないもの。そういうカルチャーを感じながら、いまは作っているかもしれない。

ある種コロナ禍で自粛になったときに、そこはすごくすっきりしましたね。自分はこういうものが好きだとはっきりした。じゃあ俺は絶対にこのいまのスタンダードに負けないようなものを作ろうと。日本のフェスとかに結構出るようになり、〈売れてー〉とか〈負けたくねー〉とか〈お客さんを沸かせるぞー〉とか思っていたけど、それができないことでなんかフラットになったかな。ヘルシンキの新作のアプローチも結構近いと思う。たぶんライブばっかやってる時期だったら、こういうアルバムは出来なかったんじゃないかな。お客さんのことを考えちゃうからね」

橋本「うん、そうだと思う。そういうある種の雑念みたいなものから一度完全に切り離された感じはある。忙しいとどうしても目先のものを追うのに必死だけど、ライブがストップして、より作品そのものに意識がフォーカスされたのかもしれないです。

そして〈ライブができないなかで、どうやって生き残っていくべきだろう?〉と考えたときに、リスナーや市場は世界中に拡がっているのだからとにかくおもしろい作品を作って、日本に限らず世界中で聴いてもらいたいと強く思いました。だから今回のアルバムは、歌詞がわからなくても踊れたり揺れたりできるように、ビートの構築やミキシング／マスタリングの処理にはかなりこだわったんです」

 

未来のヘルシンキ、TENDOUJIを夢想する

――では、最後に〈未来盤〉にちなんで、それぞれのバンドの未来予想図を教えてください。まず20～30年後のTENDOUJIはどうなっていると思いますか?

モリタ「20年後もあいつらと一緒にバンドをやっているなんて想像ができないな。なるべく離れたところに住んでいたい（笑）。俺らは小学校から一緒なんで、60とか70とかまで一緒にいたら自分で引きますよ。俺の人生何だったんだ、と思っちゃうかも」

――（笑）。たとえばいまのTENDOUJIからメンバーが脱退するとすれば、それでもバンドは続くと思います?

モリタ「どうだろう。解散すかねー。1人入れてもいいけど、その人がかわいそう（笑）。俺らの話、地元のこととかばっかりだし、つまんないだろうな。入れるとしたらヘルシンキから誰かを入れたいですね。ホントにいい奴らだし、音楽の趣味も合うし」

――TENDOUJIの魅力として幼稚馴染みならではの関係性は絶対にありますしね。

モリタ「あるんですかねー」

橋本「僕も最初はそこをめざしていたんですけど（笑）」

――ヘルシンキはもはやどういう形でも続けられそうな強さを感じますよ。音楽的にも新しいアルバムでさらに柔軟性を得ているし。

橋本「確かにほかのメンバーが脳みそだけになってもやり続けてますからね（笑）。でも、いまのメンバー3人はマジで楽なんで、これがベストだとは思っています。だから仮に稲葉が抜けたとしたら、もうそれは殿堂入りというか永久欠番みたいな感じになるのかも。まぁ彼も続けるとは思うんだけど。ヘルシンキ自体はもう何やってもいいバンドというか、僕のなかではそういう立ち位置になっていますね。どんな形でもやり続けるんじゃないかな」

 

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Helsinki Lambda Club INFORMATION

「Eleven plus two / Twelve plus one」release tour "MIND THE GAP!!"
2020年12月5日（土）石川・金沢 GOLD CREEK
2020年12月6日（日）新潟 CLUB RIVERST
2021年1月30日（土）大阪・梅田 Shangri-La
2021年1月31日（日）愛知・名古屋 APOLLO BASE
2021年2月15日（月）東京・恵比寿 LIQUIDROOM
料金：前売り 3,500円（+1ドリンク）
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TENDOUJI INFORMATION

TENDOUJI UNPLUGGED TOUR POTATO
2020年12月2日（水）東京 上野恩賜公園 野外ステージ（水上音楽堂）
開場／開演：17:30／18:30
料金：前売 3,500円（+1ドリンク）※全席自由
出演：TENDOUJI
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