NONA REEVESのギタリストであり、レキシ、堂島孝平、一十三十一、BONNIE PINKなど数々のサポートでも活躍する奥田健介が、ZEUS（ゼウス）なる名義でソロ・プロジェクトを立ち上げた。手始めとして、昨年9月にBONIIE PINKをフィーチャーした“Little Bit Better”と、自身がヴォーカルをとった“ホライズン”の2曲を配信。さらに、一十三十一をフィーチャーした11月の“それは、ウェンズデー”を経て、ソロ始動をアナウンスした際から予告されていたアルバムが、このたび2021年4月7日（水）についにリリースされる。これまでNONA REEVESや他のアーティストへの提供楽曲でうかがわせてきたものだけにとどまらない、むしろ原体験にまでさかのぼる音楽的ルーツと、表立った活動の裏側でアップデートされていたソングライティング・センスとメロウ・マインドを思う存分広げてみせたと思わせる奥行きの深さを感じさせる本作『ZEUS』。彼の音楽偏愛歴をたどりながら、その真髄に迫ってみたい。

 

奥田健介の音楽偏愛歴

──初めてのソロ・アルバムということで、過去から現在に至るまで奥田さんが眺めてきた音楽的風景があれこれとうかがえる内容になったんじゃないかと思います。制作に入る時は、どんな意気込みだったんでしょう。

「やはりその、コンセプトを考え出したら一生完成しないと思ったんですよね。本当に個人的なものにすることもできるし、完全にギター・インストだけの作品にすることもできるし……なので、とりあえず出来た順番に発表しようみたいな気持ちで。統一感っていうのは後からついてくるものだろうし、同じ人間が発信しているものだから、矛盾したものはそう出て来ないだろうっていう、それぐらい楽観的な感じでした。結果的にとっ散らかったものが出来上がったという気はしないし、こういうふうにしかならないというかね」

──こういう機会なので、奥田さんの音楽的な偏愛歴をあらためて伺いたいなと思うんですが。

「小さい頃にクラシック・ピアノを習っていて、そこでまあ、ある程度メロディーだったりハーモニーだったりみたいなものの感覚をつかんでいたんですけど、小学校5年の時に心臓の手術をして1か月ぐらい入院した時、親がチェッカーズと安全地帯とサザンオールスターズのカセットテープを買ってくれて。それを毎日ベッドで聴いて、そこから歌謡曲熱が始まった感じですね。曲を聴きながらピアノを、とりあえずメロディーを右手で弾いてみて、左手でベースを探すっていうことをやりながら耳コピしてました」

──自分で再現するということを早いうちからやってたわけですね。

「右手だけだと物足りないなと思って、左手って何をやるんだろうと思った時に、ベースを弾くと大体の曲がそれっぽく聞こえるという、左手の存在というのにわりと早く気がついたというか、偶然意識が行ったんです。とにかくベースが好きだったんですよね。低い音が好き。高い音と低い音を最初に探して、最後に真ん中を探すみたいな。結果、今でもそういう聴き方をしているところがありますね」

──バンドに興味を持つのはいつ頃からだったんですか。今名前が出てきたチェッカーズやサザンは楽器パートも多いですし、安全地帯は上手すぎる。バンドではあるけど、中高生が〈バンドやろうぜ!〉という衝動にはなかなかなりにくいですよね。

「中1ぐらいでエレキ・ギターを買ってもらって、その時はもう、バンドやりたいっていう一心で。サザンとかのあとにRCサクセションが好きになったんですけど、サザンとはまた違うベクトル、鋭角的なものを感じたんですよね。ファッションもパンキッシュだったし、（忌野）清志郎さんがもっているR&B色、オーティス・レディングみたいな部分よりもジョン・ライドンのような攻撃的なものを感じて、そこがかっこいいなと。で、中学の時はメンバーが揃わなくてバンドを組めず、もっぱら家で練習している感じだったんですけど、高校に入ったと同時にバンドを組んで」

──ギターを持つきっかけがそのあたりの音楽からの影響だったわけですね。

「それもありますが、ピアノはちょっと軟弱というか、高学年になると馬鹿にされがちだから（笑）。あとは、スポーツ全般がすごく苦手で、スポーツ以外で何かアグレッシヴさを、ひいては女の子にアピールできるものはないかなって思った時に、ギターしかないかなって（笑）。それもやっぱりエレキ・ギター。正直、曲の中でどの音がエレキ・ギターかっていうのもあまりよくわかってなかったんですけど、その頃は。

それでまあ、最初に買ってもらったのが、ヤマハのストラト・タイプで、黒と白のパッパラー河合モデル。田舎の楽器屋さんだったから、それぐらいしかエレキを置いてなくて（笑）。それを高2ぐらいまで使っていて、でも、パンク・バンドみたいなことをやってたから、もっとガツンとした音のやつが欲しいなと思って、オーヴィル・バイ・ギブソン（Orville by Gibson）のレスポールを買ってもらいました。それでセックス・ピストルズのコピー・バンドとかをやってたんですけど、レスポールって重いから、学校に置いていきがちになって、部室に置いたまま修学旅行に行ったら盗まれてたんですよ。だいたい犯人の目星はついてたんですけど、置いていったオレも悪いかなと思って、それ以来レスポールはトラウマというか、何か悪いことが起こるんじゃないかと思って使ってないですね（笑）」

──レパートリーは主にパンク・ロックが多かった?

「ザ・スターリンとかクラッシュとか、THE BLUE HEARTSもやってたし、それと、オールド・ロックというか、ドアーズとかをやるバンドでも弾いてましたね。わりと雑食な感じでした。ほかにもローザ・ルクセンブルグとか、ひとくちにいえば、『宝島』のなかにあるレンジ感。藤原ヒロシと高木完の連載もあったし、フリッパーズ・ギターもね、そこで知ったみたいな」

 

NONA REEVESにおける役割

──NONA REEVESに参加するのは96年、大学の時になりますか。

「高校の時に、スライ&ザ・ファミリー・ストーンとかジェイムズ・ブラウンぐらいまでは聴いてたんですよ、黒人音楽は。で、もうちょっとその、モータウンだったりフィリー・ソウルみたいな流麗な世界は、大学に入ってから。〈Suburbia Suite（サバービア・スイート）〉とか〈Free Soul（フリー・ソウル）〉なんかの洗礼も受けてて、渋谷に行ったら5、6件レコード屋をまわって帰るみたいなことを週に3回ぐらいやってたかな。それが普通だと思ってましたね」

──曲作りはするのはいつ頃から?

「ノーナではずっと〈共作イスト〉だったんですよね。作曲の手助けというか、（西寺）郷太が書いてきたメロディーにコードをつけたり、そういう係を長年やっていて、もちろん僕が持ち込んだものもあったんですけど、役割としてはモチーフに対して色付けする感じがメインでした。作曲を本格的にやりはじめたのは、ノーナでというよりも、土岐麻子さんに曲を書いたのが……もう15年ぐらい前かな。“ウィークエンドの手品”^※っていう曲が最初で、そのあとも一時期よく書いてて」

※土岐麻子の2005年作『Debut』収録

──2000年代の後半は南波志帆さんや坂本真綾さんにも。

「その頃はわりかしコンスタントに書いていた印象がありますね。ノーナの作品もコンスタントに出していたんですけど、3人とも外仕事が増えてきて、いろいろやり始めた頃で。僕もサポート・ギターをやったり、作曲の依頼も受けてみようかっていう。ノーナがビルボードに移籍したあたり（2013年）からはノーナに対して曲を出すようになって、その割合もどんどん増えてきて」

──西寺さんがメインのソングライターで、奥田さんがサブっていうこともなく。

「曲数はともかく、意識のなかではサブっていう気持ちでやってはいないですね。お互い、ちょっとしたライバル関係でもあるというか、作曲ということでは」

──お互い刺激し合うところもあったでしょうし。

「得意分野も違いますしね。絵に喩えたら、自分でこれは緑色と思っていても、もっと濃い緑にしないと緑だと思ってもらえないとか、これちょっと派手だなと思ったら、まわりからしたら地味だったとか、他人からどう見えてるかは家にこもって作ってるだけだとあまり分からないですよね。やっぱりそれを人に聴かせて、お客さんとかメンバーの反応を聞いて初めて〈あっ、こういう絵だったんだ〉ってわかるところもある。やっぱ、発表してなんぼだなって。家で断片をたくさん作ることは前からやっていたんですけど、そうじゃなくて、出して初めて曲になるというか、ビルボードに移籍したぐらいからそんな感じになってきて、曲出しミーティングがあったら必ず2、3曲はもっていくようにして。そしたら郷太も〈なにっ!〉ってたくさんもってくるようになって、ある種健康的なバンドになるという（笑）」

 

表に出るものと裏方に徹するもの、その中間をいきたい

──良い耳をもったメンバーとお客さんによってソングライティングの技術が磨かれていったわけですね。そんななかでソロの話になりますけど、作るとなるまでの流れはどういった感じだったんですか。

「ソロをやりたいなっていうのは昔から思っていたんですけど、5、6年前からちょこちょこ〈やりませんか〉っていう話をもらってたんです。ただ、何かしらのツアー・サポートだったり、ノーナでアルバムを作ってる時期だったりして、なかなか踏ん切りがつかなかったんですよ。その頃は、ソロをやるならこういうことをしようとか今以上に考えてたし、今以上に何でもできるって考えてたんですけど、時間が経つにつれて、出来たら出来た順番で発表する、そういうことのほうが健全だし、大事なんじゃないかっていう考えに徐々に変わってきて。やっぱり、頭で考えてもしょうがないというか。今回、BONNIE PINKさんといっしょにやった“Little Bit Better”とか、出して初めてホッとしたというか、そこでようやくスタートできたなっていう感覚でした」

──その“Little Bit Better”と、ご自身で歌った“ホライズン”が最初に発表した2曲になりましたね。

「自分が歌っているのとゲスト・ヴォーカルを迎えたもの、ズルいといえばズルいというか、どっちかだけでもないんだよってのを打ち出したくて。やっぱり自分の声を聴かせないと説得力ないなって思ってたんですよね。それでムチ打って、歌詞も書いて、同時に2曲出そうかって」

──NONA REEVESの曲でもたびたび歌声を聴かせてはいましたけど、自分で1曲まるごと歌うということはなかったですよね。

「歌声って顔みたいなものなので、好きとか嫌いの問題じゃなく、ここにこういう人がいるんだよっていうのを見せないとダメかなと思って。歌うこと自体は嫌いじゃないし、家でも鼻歌とか歌ってたし、そもそも歌謡曲少年だった頃は歌が好きで音楽を聴いてましたからね。別にギターが好きで聴いてたわけじゃなく、やっぱり好きなバンドってヴォーカルが好きなバンドだったりするんですよ」

──当然ですが、奥田さんの〈匂い〉が作品に表れていてよかったです。

「一発目がBONNIE PINKさんのだけだったら〈あー、そういう感じで行くのね〉って、ちょっとナメられてたかもしれないですね（笑）。すごく裏方的なね、そういうのも好きなんですけど、その中間をいきたいなっていうのがあって」

──2曲発表したあと、アルバムの直前に一十三十一さんとの“それは、ウェンズデー”を配信しました。バンマスとしてずっとサポートしてきた一十三十一さんなので、勝手知ったるところもあるかと思います。

「この曲は一十三十一しかないなと思って作った曲なので、アルバムのなかではいちばん憂いがあるというか、ニュー・ミュージック的というか。メロディーの構成も多くて、Aメロ、Bメロ……Eメロぐらいまである感じで、洋楽的というよりは80年代の日本のテクノ・ポップ、YMO歌謡みたいな。わりとカクカクした音に作っておいて、そこにやわらかいヴォーカルが入ってくるとグッとくる、僕が思ういちばんおいしい邦楽の時代感が出せたなって思ってます」

──微妙に一十三十一の王道からずらしてるところが新鮮です。

「一十三十一さんはここ数年、意識的にシティ・ポップの世界観を歌ってきたじゃないですか。ノーナも、デビューの時からシティ・ポップってカテゴライズされても文句を言えないような音楽をずっとやっていたわけですけど、その距離感を測ってきた20年でもあったんですよね。今考えれば無駄な抵抗なんですけど、なるべくそこにカテゴライズされすぎないように距離を保ってきたんですけど、一十三さんはむしろ意識的にそこを取り込んでいるし、それはそれですごくアティテュードとして潔いなあと思っていて。

だからまあ、ベクトルとしてはノーナと反対方向なんですけど、筋の通し方はすごく分かるなあと思っていたから、ソロをやる時は絶対に一緒にやりたいと思っていて。共通の言語、聴いてきた音楽も近いものがたくさんありますからね。僕はよく、曲のなかにラー・バンドっぽさって入れたくなるんですけど、彼女もラー・バンド好きだし」

──ああ、なるほど!　ラー・バンドのどんなところがクセになる感じなんでしょう。

「コード感だったり、音色ですよね。シンセの音色。かっこよすぎない、キメキメすぎない感じがグッとくる。ラー・バンドのニュアンスと、アース・ウィンド&ファイアー“September”の循環コードっていうのをどこかで入れたがるのは僕のクセですね。“ホライズン”も大きく言えば“September”のコード進行だし、自分のアルバムだから自分の手グセが多くても文句は言われないかなって（笑）」

 

入江陽との出会い

──曲を上げていくなかで躊躇がないというか、あまり奇を衒ったものはなさそうですね。Dos Monosの没（a.k.a NGS）さんのラップをフィーチャーした“Dogs”はちょっと意外性があるかも知れないですけど。

「うん、やったことないことをやってみようっていう感じではなかったですからね。“Dogs”も没くんのワイルドなラップが入っているけど、ラップ自体はノーナも歴代、色んなラッパーに来てもらってやってましたからね。郷太もやるし。そういう点でいうと、その“Dogs”を歌ってくれた入江陽くんとの出会いは大きいですね、今回。男性で歌ってほしいって思った時に、パッと浮かんだのが入江くんで、僕にないものをたくさん持ってる。主に声と言葉なんですけど、すごく好きなヴォーカリストで、歌詞もおもしろいし、本人もユニークな人なんで」

──入江さんとはそもそもどういった接点で?

「軽い面識はあったんですけど、今回のタイミングでディレクターが紹介してくれたところもあって。ただまあ、彼も人脈の広い人なので、共通の知り合いはたくさんいて。最初に会って話した時に、得意分野が僕ときれいに分かれているところもあったんですが、ただやっぱり、好きなテイストはすごく似ているんじゃないかと思ったんですよ。彼の音楽って、ちょっと不吉じゃないですか。不吉なところに僕も惹かれるから（笑）。スイートな曲のなかにも不吉・不穏な部分を入れたくなる、そういうことをやってるのがラー・バンドだったりするんですけど、入江くんの魅力も良い意味で不吉なところなんですよね」

──歌詞のユニークさ、言葉選びは世代ならではの新鮮さがありますよね。

「コピーライター的というか、僕とはひとまわりぐらい年が違うと思うけど、僕よりも上の世代に近い感覚を受ける時もあるし、確実に世界観というか、彼個人の特殊性なんだと思います」

──入江さんは3曲で歌詞を書いてますけど、なかでも“ごめんね”っていう曲がすごく耳に残りました。

「そういう感想は何人かに言ってもらえました。すごくストレートなんですが、ちょっとコワい歌詞なんですよね。これ、最初は入江くんに歌ってもらおうかなって悩んでたんですけど、こういう歌詞だからこそ僕が歌う意味があるのかなって思って。僕の、わりとコントロールの利かないヴォーカルで歌うことによって伝わるところ、自在に歌を操れる人が出せない切実さっていうものが出せたかなって思うんですよね、恥ずかしいですけど。

〈ごめん〉っていう感情がなかなかひと筋縄ではいかない、言うのは簡単だけど、どういう次元で謝っているのかっていうのが一番大事だから。こんなに〈ごめん〉って言うことはないだろうっていうぐらいこの曲のなかで言ってますもんね。もはや懺悔に近いというか（笑）。こういう引っかかりというのも、入江くんのコピーライター的センスによるものなのかなって思います」

 

ZEUSというのは、自分を見張ってる何か

──なんとなくアルバム収録曲を追った話に移ってますが、順を追うと3曲目の“Foxy Love”。これはずいぶん昔に作られていた曲だそうですね。

「曲自体は十数年前に作っていて、ただその時点では〈イマっぽくないな〉と思ってストックしてたんです。作った当時よりもずっと前にさかのぼった気分、言っちゃえば渋谷系っぽい曲ではあるんで、それを今なら堂々とやってもかっこいいかなと思って。イマ風にぼかしてやるんじゃなく、歌詞とかもちょっと逃避行っぽい感じで、軽薄というか、特にメッセージ性を含ませない……それって渋谷系とかシティ・ポップの美学ですよね。そういうものの良さはあるなと思ってるし、悪く言えば字面を埋めてる感じというか、それっぽい言葉を並べてる。並べただけで何の個性も出ない曲もあるけど、一十三十一ちゃんみたいにすごく〈匂い〉が出る人もいる。そこに才能とかセンスが生きると思うので、僕も自分で歌詞を書く時に、そのジャンルで一回書いてみたいなと思ったんですよね」

──人物設定が若い感じですね。

「イメージとしては20代、30代の恋愛っていうか、今の自分ではない。もうちょっと無責任だった年頃で、起きる時間も寝る時間も日によってまちまち。2日間寝ない日もあって……っていう、そういう生活のカップルみたいな歌ですよね。思いつきで海に出かけてみたり、実際に自分がそういう生活を送ったっていうわけではないんですけど、なんか、確実に今よりはそういう部分はあったはずだから、そのへんのイメージでマス目を埋めた感じですね。

これを女の子に歌ってもらったらハマるんですけど、46歳の男がこういう世界を歌うことにも何か意味があるかなと思って、自分で歌いました。ただ、キーの選定はすごく迷いましたね。ちょっと低いんですよ。もっと高くしたほうが派手にはなって、ただやっぱその、嘘をついちゃいけないなってところもあって、やっぱリアルな今の僕が歌っている感じというのが、この高くもなく低くもないキーだったりするんです。

で、歌ってみたら、やっぱり華やかさが足りなくて（笑）。ここにヤングとしかいいようがない女性コーラスが入ったら、いいコントラストになるかな思って、コレサワさんを呼んだらすごくハマッて。この声がなかったらもっとモノクロームなものになったんじゃないかな。46歳と20代の女の子が恋愛しているような感じにも聞こえるし、なんかおもしろいバランスになったと思います」

──“ZEUS”という曲がありますけど、そもそもソロ名義をZEUSにしたのはどういう流れだったんですか?

「これはね、一十三十一ちゃんにアイデアをもらって。名義を決める時にずっと悩んでて、それこそ“それは、ウェンズデー”の打ち合わせでそういう話をしたら、いろいろ話を聞いてくれて。星座を訊かれた時に牡牛座って答えたら、〈ゼウスっていうのはどう?〉と。恋に落ちたゼウスが牡牛に姿を変えたとか、そういうエピソードがあるらしく、言われた瞬間にもう、それしかないと思って。ゼウスって響きが強そうだし、何か意味深そうだし、ZEUSってアルファベットで書いた時も見た目がすごくいいなと思って。ただ、難点は、普遍的な言葉過ぎて、エゴサーチに引っかからない（笑）」

──名義をタイトルに冠した曲ということで、奥田さん本来の姿というか、ギタリストとしての面を前に出した曲になりました。

「インストも何曲かやりたいなと思ってたので、これも最初は完全なギター・インストにするつもりだったんです。で、ギター・インストと言えば〈Mステ〉のテーマかなって（笑）。僕のなかのイメージとしては、サンダーキャットとか、ああいうジャズっぽいミュージシャンがテレ朝からオファーを受けて、〈Mステ〉のテーマ曲を書いてくださいって言われた時にどういう曲を作るのかな……っていうところを妄想して。

歌詞も自分で書いたんですけど、ソロを始めるにあたっての、もうひとつの自分との出会いみたいなものが歌になった感じですね。結局、ZEUSっていうのも自分自身のことというよりかは、自分を見張ってる何かっていう意識なんですよ。神の視点というか、空から俯瞰している感じというか、その見張っている何かがないとソロ・アルバムは完成しなかったと思うんです」

 

ゼウス（神）がデビルマン（悪魔）を歌う

──“ミッドナイト・シーサイド・テンダーレイン”では郷太さんが詞を書いてます。

「アルバムのなかではいちばんノーナっぽい曲だとは思うので、歌詞も郷太がいいなと思って。はじめは全部英語にしてもらおうと思ったんですけど、英語だけというよりは、英語多めの日本語詞のほうがいいんじゃないかって郷太が言ってきて」

──少年隊へのオマージュかと思いました（笑）。

「タイトルの出典^※はそうでしょうね。まさか自分の作品に少年隊のエキスが入ってくるとは思いませんでした（笑）。サウンドのイメージはコーギスあたりの牧歌的なニューウェイヴというか、あとはウィークエンドの“Blinding Lights”だったりもするので、まあ、内容は少年隊とまったく違いますけど。

難しい歌詞だったりメロディーも細かいし、本来は歌いにくいのかも知れないですけど、さすがに勝手知ったるというか、歌いやすかったですね。実家の味噌汁を飲んでるみたいな。他人じゃないんだなって思いました（笑）」

※87年発表のシングル“君だけに”のB面に収められていた“ミッドナイト・ロンリー・ビーチサイド・バンド”

──その次の“マスク”は、人力R&Bとでも言えるようなスロウ・ナンバーで、入江陽さんの詞でヴォーカルも入江さん。ユルりとしたビートがエンドロール感を思わせる雰囲気で……って、このあとにもう1曲ありますが（笑）。

「これはとにかく、ネオ・ソウルっぽい濃密なコード感のものをやりたくて。初めから入江くんしかないなと思って作っていて、仮タイトルも“入江”でした。入江っていう言葉もあるから、いっそそれでもいいかなって思ったぐらい。入江くんは、こういう時期だからこその歌詞にしてみましたって、それでタイトルが“マスク”。うわっ、直球だなと。でも言葉を読んでみると、すごくこれもコピーライター的というか、誰にでもわかる歌詞で、でもちょっとニヒルというか不吉なところがあって、僕の好みだなあと」

──最後に、ボーナストラックのような趣きで“今日もどこかでデビルマン”のインストが入ってます。アルバムを聴いた人がいろんな意味で〈!?〉となるところかと思います。

「ディレクターが、昔のアニメのエンディング・テーマをインストでやってみるのはどうかと。その時に、ゼウス（神）がデビルマン（悪魔）を歌うのはどうかなって言ってくれて。アニメの『デビルマン』は、再放送ですけどバリバリ観てたし、思い入れはすごくあって。それであのエンディング・テーマを思い浮かべた時に、絶対にラウンジっぽいアレンジが合うと思ったんですよね。一時期、ラウンジとかモンドとか音響派とか言われていたものに目がなかったので、その時の気分と、最近で言うとクルアンビンとか、ああいう今の人たちがやってるエキゾ感というか、グルーヴィーなムード・ミュージックみたいなところでまとめられるんじゃないかなと思ってやったら、びっくりするぐらいすんなり出来て」

──このあたりのルーツに基づいた曲作りは、これまでノーナや提供曲でほとんど見せていなかった部分ですよね。

「学生の頃、ラウンジとかサントラとか、そのへんのムード・ミュージックにハマッてたんですけど、そこを徹底して追い求めるマニアにはならなかったんですね。レッド・ツェッペリンとかも好きだったから、ちゃんと肉体性のあるガツンとしたものもどっちも好きで。でもクルアンビンを聴いた時に、そのどっちのいいとこもとってる。リズム隊はめちゃくちゃかっこいいし、ギターもすごくテクニックがあるんだけど、嗜好している音楽がどう考えてもいかがわしい（笑）。それにはジェラシーというか衝撃を受けて。しかもそれを頭でっかちじゃなくて、ナチュラルにかっこよくやってるから、こういうの理想だなあって。そんな気分でアレンジした“今日もどこかでデビルマン”は、まあかなり洒落が利いたものになったんじゃないかと思ってます」

──さて、アルバムが完成して、ZEUSとしての最初のフェイズを達成したことになります。本来ならこれを引っ提げてライブも、という話になると思うんですが。

「そういう話もなくはないんですけど、形態上、ゲストを全員呼んでってうのはこのご時世だと特に難しいところはありますね。ライブをやるとしたらぜんぜん考え方を変えて、これをもとにしたインストっぽいライブをやるとか、たまに歌モノを挿むぐらいのものでやらないと、これを再現するのは不可能かな。聴いた人も、別にそこは望んでないだろうって思うし、そもそも再現性というのは度外視して、レコード芸術としてベストを尽くしたいと思って作り始めたものなので、その通りのものはできたかなって思います」