2017年以降、英国ロンドンへと拠点を移して活動しているボーカルパフォーマーのハチスノイトが、約7年ぶりとなるサードアルバム『Aura』を完成させた。これまでのアルバム、とりわけ大胆な電子加工を施すことでサウンドコラージュの側面が大きな特徴を成していた前作『Illogical Dance』（2015年）からは一転し、今作ではあたかもライブパフォーマンスを録音物というフォーマットで上演しているかのような作風へと変貌。一部フィールドレコーディングを取り入れつつ、深みを増したヴォイスのアコースティックなサウンドがサイトスペシフィックな空間の響きと共鳴する、有機的で一回的な魅力を湛えたアルバムに仕上がっている。
ジョアン・ラ・バーバラ『Voice Is The Original Instrument』（76年）やビョーク『Medúlla』（2004年）をはじめとしたヴォイスの多重録音アルバムの系譜に新たなページを刻む『Aura』はどのように誕生したのか。今回のインタビューでは、渡英後の活動からアルバム制作のプロセスやテーマ、さらに芸術と政治の関わりにいたるまで話を伺った。
Masayoshi Fujitaとの交流、プラットフォーム〈SHAPE〉への参加
――ハチスノイトさんは2017年に日本からロンドンへと移住されました。移住後はどのような流れでロンドンのシーンと関わりを持つようになったのでしょうか?
「ロンドンのシーンを知るきっかけになったのは、移住前にビブラフォン奏者・Masayoshi Fujitaさんのサポートを務めたことでした。彼がまだベルリンに住んでいた頃、日本に一時帰国して凱旋ツアーを行なったのですが、そのときに一緒に参加させていただいたんですね。その彼がロンドンのイレースト・テープスからアルバムを出していたので、その流れで私もレーベルとつながりができて、『Illogical Dance』の再発（2018年）、そして今回3枚目のアルバム『Aura』をリリースさせていただくことになったんです。
それと2019年に〈SHAPE〉という、ヨーロッパ発のアーティストを支援するプラットフォームに参加させていただいたことも大きかったです。EUの〈クリエイティブ・ヨーロッパ〉プログラムが共同出資していて、毎年48人のアーティストを選出してフェスティバル出演やワークショップ参加などさまざまなサポートを行なっているのですが、そこに選んでいただいたことがきっかけで他の同じぐらいのキャリアのアーティストと知り合ったり、ライブの回数も増えていったりしました。私のときはライラ・プラムク（Lyra Pramuk）というベルリンを拠点に活動しているトランスジェンダーのアーティストが講師を務めていました」
ようやく〈自分の音楽〉に辿り着いた
――新作『Aura』はいつ頃から制作を始めましたか?
「アルバム作りはロンドン移住後から考えていました。というのも、まずは海外流通盤を出さないとブッキングも難しいと言われていて、名刺代わりになる作品を出さなければいけないなと思っていたんです。結果的にはアルバムを出す前からライブにお誘いいただけて、それは嬉しい誤算でした。
私自身はあくまでもパフォーマーで、プロデューサーではないと思っているんです。日本にいた頃はPURRE GOOHNの田中晴久さんが私の苦手な部分を助けてくださっていたんですが、ロンドンに来たばかりの頃は誰と一緒にやりたいのかもわからず、どうしようと戸惑う日々。しかも新しい環境に馴染まなければならなくて、いちから人脈を作っていったので、最初の2年間はロンドンでの生活に慣れるのに精一杯でした。
ただ、〈アルバムを作るぞ〉という大きな目標はずっと頭の中にありました。徐々にライブをやらせていただける機会が増えて、他のアーティストのライブも観ていくうちに、自分がやりたいことも固まっていきました。たとえば電子音や器楽音といった、声以外の音を使うかどうかということがアルバム作りの最初の選択肢としてありました。けれど他のアーティストのハイレベルなライブをたくさん観て、いろいろな刺激を受けるなかで、自分が次に作るアルバムは声だけにしようというビジョンがハッキリと見えてきたんです。
他のアーティストのライブからは音楽的影響というよりも、どういうふうに音楽と向き合っているのかという点で刺激を受けました。たとえばイレースト・テープスのレーベルメイトでもあるニルス・フラームやライバル・コンソールズ、ルボミール・メルニク、ピーター・ブロデリック等々、たくさんのライブを観る機会があって、その人たちがどういうふうに自分の音を探しているのか、どういうふうに自分のスタイルを作っているのかということを、直接の会話も交えて学びました。基本的なことではありますけど、ミュージシャンが誰かの真似ではなく自分の音楽を探すとはこういうことなのか、と。
私はいったい何者で、どういうことができて、自分のユニークな部分は何であるのか、ライブを重ねながらひたすら探していくなかで、ようやくアルバムという形に辿り着いた。その意味で『Aura』は一番自分に近い作品になったなと感じています」
メレディス・モンクから教わった〈自分の声〉を探すこと
――2019年には、以前からハチスノイトさんが影響を公言してきたメレディス・モンクのワークショップにも参加されています。そこでの経験もアルバム制作の糧になったのでしょうか?
「とても大きかったです。それもやっぱり音楽との向き合い方の話になりますが、ワークショップの中でメレディスが自分のキャリアについて話す時間があったんですね。そのときにふと〈若い頃は自分の声を探していた〉とおっしゃっていて、それにものすごく感銘を受けました。こんなに卓越した人物でもまずは自分の声を探すプロセスがあったんだなと再認識させられて、勇気づけられましたね。
それとメレディスがワークショップの参加者たちに伝えていたことは、作曲の仕方や歌い方といった表面的なテクニック以上に、どういうふうに自分自身を探すかということが一番大きかったと思うんです。それは自分に対してオープンでいることでもあって、ワークショップはそうした自分自身を探すためにプログラムされているところもありました。なので〈上手く歌わなきゃ〉〈良いパフォーマンスをしなきゃ〉という心配は不要で、メレディスがちゃんとマネージした空間でじっくり試行錯誤できる。そうした体験を通して、こんなふうに自分の音を探せるんだと気づいたり、自分から出てくるものを自由に受け入れたり、そしてそれらをどうすれば作品に落とし込んでいけるのかを学んだりしました。
ワークショップの場所におけるメレディスの存在の仕方にも驚きました。彼女はパフォーマーとしてその場で起きていることに対してオープンだし、周囲の出来事をしっかりとキャッチできる。つまりその場で何が起きているのかを完全に把握しているんです。考えるというより自然に周囲の出来事を自分の中に取り入れてアウトプットするという、その速度や感受性の鋭さが本当に素晴らしかった。講堂のような場所に50人ぐらいの参加者がいて、いろいろなドラマがいろいろなところで起きるんですけど、彼女はそれら全てに気づいて的確にリアクションしていく。それを見たときに〈パフォーマンスってこういうことだよな〉と思いました」
教会で録音したオーガニックな音響
――『Aura』ではどのようなことに新たにチャレンジしましたか?
「前作『Illogical Dance』、前々作『Universal Quiet』（2014年）は、自分に何ができるのかを模索したアルバムでもあったなと感じていて。いろいろなことをやって、これから自分がどういう方向性に進めるのかを試していた時期だったと思うんです。けれどロンドンに移住してからたくさんライブをやるなかで、自分が一番得意なことはやっぱり、特定の場所でそこにしかないアコースティックな響きと交わりながら自分の声だけでオーガニックにパフォーマンスすることだなと気づき、それを1枚のアルバムにまとめようと思いました。
実はレコーディング自体は2019年にほぼ全て終わっていたんです。なぜそこから3年近く経ってしまったのかというと、音作りがどうもしっくりこなかった。録音された声のテープはあるんですけど、どう組み合わせても人工的でプラスチックな音になってしまう。スタジオで録った素材にコンピュータの中でリバーブをかけても、どうしても自分が普段ライブをやっているときの音にならないんですね。場所の音を欠いているというか。それに納得できなくて、作りたいもののビジョンは見えているのに完成させることができないでいました。
そうこうしているうちにコロナ禍に見舞われて、ロンドンはロックダウン状態になってしまった。レコーディングはベルリンのスタジオだったので、当初はベルリンに戻ってエンジニアのフランチェスコ・ドナデッロと一緒にミックスなどの作業を進めていこうと考えていたんです。それがコロナ禍でできなくなり、ロンドンで完成させなければならず、途方に暮れてしまいました」
――コロナ禍でアルバム制作も一旦ストップしてしまったと。
「はい。ロックダウンで生活も大変で、しばらくストップしていたんですけど、どうもすぐにはコロナ禍も収束しそうになくて、このままロンドンで制作を進めようということになりました。それで新しくエンジニアのマルタ・サローニが参加してくれて、イレースト・テープスのロバート・ラスと私の3人で話し合ったんです。どうしたらプラスチックな音を普段自分がライブでやっている音に近づけられるだろうかと。そのときに出てきたアイデアが〈リアンピング〉という、録音素材をスピーカーから流して再度レコーディングする手法でした。ニルス・フラームも以前使用していた手法なんですけど、ロバートが〈こういう方法があるよ〉と教えてくれて。
スタジオで録ったデッドな音素材を反響音があるスペースでスピーカーから流して、それを再度レコーディングすればアコースティックなリバーブをかけることができるんです。ちょうどロックダウンでロンドンから出られなかったので、ローカルなつながりが深くなっていた時期でした。それで縁あって近くの教会を使わせていただけることになって、教会内のいろんな場所に10本以上のマイクを立ててレコーディングしたんです。録ったテイクを聴き返してみたら〈これだ!〉と感激しました。本当に、すごく美しかった。コンピュータでつけるリバーブとは全く違うんですね。教会は音を響かせるために建築された空間でもあるので、とても複雑で豊かな反響音を生むんです。
去年6月のことでしたが、そのテイクを聴いた瞬間に〈これでアルバムを完成させられる〉と思って、そこからはスムーズに制作が進んでいきました。アルバムに収録した全ての曲を同じ教会でリアンピングしたので、全体を通して一つの場所の響きを取り入れたサウンドになっているんです。
ロックダウン中は外に出られず、小さな部屋の中でずっと過ごしていて、ライブをやるにしても配信が多かったじゃないですか。それもあって、フィジカルな場所で鳴っている音に帰りたかったという思いもありました。生身のこの身体でしか出せない声、その日その教会の中でしか録れない音、そうした一回しか鳴らないオーガニックなサウンドというのが、最終的にはアルバムに通底するテーマになりました」
原発事故後の福島・富岡町を訪れたことで生まれた“Inori”
――収録曲のうち“Angelus Novus”は『Illogical Dance』、“Inori”はイレースト・テープスのコンピ盤『1+1=X』（2018年）に収録されていた楽曲の再録です。なぜこれらの楽曲を再録したのでしょうか?
「“Angelus Novus”は今回の収録曲の中ではとても古い曲で、何度もライブで取り上げてきたんですけど、やっぱりライブを通じて曲がどんどん成長していくんです。“Inori”もそうです。この2曲はライブをやり慣れてから録音したのではなくて、先に録音をしているんですね。その後にライブでやり始めたという順番だったのですが、どちらも録音当時と比べてどんどん変化していって、深みが出てきたり、当初は気づいていなかったことが見えてきたり、自分がこれらの曲を通してやりたかったことがわかってきたりしたので、成長した後の状態をもう一度ちゃんとパッケージしたいと思って今回のアルバムにも入れました」
――“Inori”にはアルバムの中で唯一、声以外の要素としてフィールドレコーディングが使用されています。福島第一原発から1キロの距離にある海辺で録音した音源とのことですが、レコーディングはハチスノイトさんがご自身で行ったのでしょうか?
「そうです。実は福島の富岡町に友人がいて、以前東京を拠点に音楽レーベルを運営していた方で、私が東京にいたときにお世話になっていたんです。ちょうどロンドンに移住する直前の2017年3月末、富岡町を含む4町村の一部地域で原発事故に伴う避難指示が解除されることになり、地元の人たちが集まる式典が行われました。そこでパフォーマンスをしてほしいとその友人に誘われて、参加させていただいたんです。“Inori”で使用しているのは、その次の日に現地でフィールドレコーディングした音源です。
もともと何か作品を作ろうと思って録音していました。当時東京にいた私も原発の悲惨さは感じていたので、最初は政治的なメッセージを込めた作品を作ろうと考えていました。けれどそのことを友人をはじめ地元の人に伝えたら〈そういうものは作ってほしくない〉とハッキリ言われたんです。地元の人からしたら、外部の人間が自分の作品のために原発事故を利用しているように見えたのかもしれない。それでとてもショックを受けて、自分がやろうとしていたことはいったい何だったのだろうと考え直すことになりました。私としては切実な思いを抱いて制作しようとしていたのに、地元の人の反応は全く違っていたんです。
そこからあらためていろいろ考えました。私が音楽を通してやりたいことは本当は何なのだろうと。考えた末に自分なりに出した答えが、外部からやってきて現地で録音した音源を使用して〈原発は危険だ〉と訴えることよりも、まずは地元の方々の感情や感覚、心の中の思いに寄り添うことが大事なのではないかということでした。震災後、福島は原発事故ばかりクローズアップされていましたが、そもそも他の被災地域と同じように地震や津波の甚大な被害も被っているのであって、地元の方々の中にはただただ深い悲しみだけがある方もいらっしゃったんです。
大事な人を亡くしてしまったり、ずっと住んでいた場所を失ってしまったり、帰りたくても帰れない状況であったり……そうした人々がいるなかで、アーティストのリアクションの仕方はさまざまだとは思いますが、私がやるのだとしたら、表面的な政治的メッセージを発信するのではなく、もっと根源的で人間的な部分を大事にしながら作品を制作したい。それが“Inori”が曲として成長した過程でもありました。徐々にフォーカスするポイントが変わっていって、今では自分に嘘をついていない作品になったと感じています」
音楽を政治利用するのではなく根源的で人間的なものに目を向け続けたい
――『Aura（アウラ）』というタイトルはドイツの思想家ヴァルター・ベンヤミンから取られています。ベンヤミンは〈アウラ〉に言及した論考「複製技術時代の芸術」の中で、政治の道具として芸術を利用する〈政治の美学化〉を批判しつつ、それには〈芸術の政治化〉で対抗すべきだと主張していました。ハチスノイトさんは芸術と政治の関わりについてどのように捉えていますか?
「“Inori”について今お話ししたようなことは現在もさまざまなところで起きている問題だと思っています。たとえばロシア軍によるウクライナへの侵攻。またはコロナ禍のなかであらためて拡大したBLM（ブラック・ライブズ・マター）運動。特にBLM運動が過激化した2020年はロンドンでもさまざまな主義主張が飛び交っていて、意見が合わないとすぐに攻撃し合って、いたるところで分断が起きていました。アーティストも自分の政治的な立ち位置を明確に示さなければならなかった。もちろんアーティストは政治的な問題を無視していい、それは大事ではない、というわけではないです。けれど主義主張のレベルで政治的にどちらの味方に立つのかという話よりも、もっと深いレベルで人間的な感情に寄り添うことが必要なのではないかと思うんです。
政治的な判断の前に生まれてくる根源的な優しさのようなもの、まずはそれを大事にすべきではないかと思います。たとえば目の前に今から自殺しようとしている人がいたら、その人がどんな政治的立場だろうと、どんな見た目をしていようと、放っておくわけにはいかないと感じてしまうのが自然な人間の感情ではないでしょうか。政治的な主義主張のレベルにいくとすぐに争いと分断が起こってしまう。けれどそこで争っている人たちが守ろうとしているものは本当は同じだなと思うこともあるんです。それはたとえば命の心配をせずに安全に暮らしたいとか、心豊かで安心した生活を送りたいとか、家族や友人のことを大事にしたいとか、とても自然な感情のはずです。
芸術が政治利用されてしまうこと、ベンヤミンが言う〈政治の美学化〉の危険性もそこにあると思っています。つまり芸術を用いて政治的なメッセージを伝えることはできるけど、そのとき、一番大事なものは見えなくなってしまう。それは複製芸術が容易にプロパガンダになってしまう危険性と表裏一体でもあります。けれど芸術はもっと深いところに触れることができて、もっと豊かなものとともにあるはずなんです。それは私たちが持っている一番最初のものとも言えます。
私はそれを大事にしながら音楽をやりたい。たった一回しかこの世界で生きられないなかで、たまたま縁あって私が作品を作れる状況にあるのだとしたら、政治的なメッセージのために音楽を道具として利用するのではなくて、根源的で人間的なものに目を向け続けていきたいと思うんです」
RELEASE INFORMATION
リリース日：2022年7月29日
品番：AMIP-0287
価格：2,750円（税込）
TRACKLIST
1. Aura
2. Thor
3. Himbrimi
4. A Caso
5. Jomon
6. Angelus Novus
7. Inori
8. Sir Etok
PROFILE: HATIS NOIT（ハチスノイト）
16歳でネパールの仏陀の生誕地へトレッキングに行った際、人の声が持つ直感的な力が人間や自然、宇宙の本質とつながる原始的であり、本能的な楽器であると瞬時に悟り、彼女の音楽が目覚めた。ハチスノイトという名前は日本の民間伝承が由来であり、蓮の花と茎（蓮の糸）という意味。蓮の花は現世を表し、その根は精神世界を表しており、彼女はその2つを繋ぐ存在である。チケットが完売となった英サウスバンク・センターでのロンドン・コンテンポラリー・オーケストラとの共演、ミラノ・ファッションウィークでのパフォーマンスや、ヨーロッパ各地でのフェスティバル出演、そして敬愛するデヴィッド・リンチ監督に招かれ出演したマンチェスター国際フェスティバルでのライブなど、ヨーロッパを中心に精力的に活動するハチスノイト。近年ではザ・バグとのコラボやヨンシー&アレックスの作品へのコーラス参加、ルボニール・メルニクの作品に参加するなど、さまざまなコラボレーション活動も行っている。
