Plastic Tree、セルフタイトル作は締め括りでなく先に続く希望――4人が語った結成30周年のバンドの姿

結成30周年にして堂々のセルフ・タイトル――稀有なバンドの軌跡と在り方を再認識することで新たにした表現への情熱と確信が、この4年ぶりのニュー・アルバムには息づいている!

自分たちのことを再認識した

　前作『十色定理』（2020年）の発表直後よりコロナ禍へ突入。その後は20回にも及ぶ配信ライヴやオーケストラとのコラボ・コンサートなどを軸に活動を重ねてきたPlastic Treeが、約4年ぶりのニュー・アルバムを完成させた。その名も『Plastic Tree』――結成30周年にして堂々のセルフ・タイトルである。

「アルバムのタイトルって歌詞と違って観念的なものだから、これまでは何でもよかったような気がしてるんです、自分のなかでは。レッド・ツェッペリンみたいなもので（笑）、ほんとは『Plastic Tree I』『Plastic Tree II』でよかったんだけど、そのときどきで何かしらの意味を付加してきてて。それが今回は、自分たちですら何とも表現し難いこのバンド自体をタイトルにしたいって気持ちが、制作のわりと早い段階からあったんです。作品をリリースをして、ツアーをやって……っていうバンドとしてのサイクルがコロナ禍で一回途切れてしまったこと、そこから配信ライヴを通じて自分たちの過去の作品を新しい形で見せるっていう――Plastic Treeっていうバンドを集中して再認識する時期があったっていうこと、あとは自分たちのキャリアや年齢のこと、結成30周年っていうタイミング……それら全部を踏まえたときに、『Plastic Tree』っていうタイトルを付けるならいまなんじゃないかと思って」（有村竜太朗、ヴォーカル）。

邦楽ポップ／ロック

　そんな本作は、有村が作詞を、長谷川正（ベース）が作曲を担当した2枚のシングル“痣花”“ざわめき”に加え、4人それぞれが作詞／作曲を手掛けた2曲ずつの計10曲で構成。編曲はすべてPlastic Tree名義となっており、言わば、作家としての各々の個性をバンドのミュージシャンシップでもって立体的に音像化したような内容だ。オープニングは長谷川による“ライムライト”。輪郭を滲ませたピアノの旋律を力強いバンド・サウンドが引き継いだ瞬間、まるで実体を得た幻想に取り込まれるような感覚に陥る一曲だ。

「ライヴの1曲目とかもそうですけど、曲が始まる前にSEが鳴って、メンバーが出てきて演奏が始まるみたいな、そういうものを音で表現したような曲が欲しくて作ってみた曲です。歌詞も“ライムライト”って言葉自体が〈舞台装置〉だし、チャップリンの有名な映画もあるし、やっぱり演劇的な要素が強い言葉だと思うんで、そういうものをこの曲から感じ取ってもらって、聴いた人がこのアルバムに入り込んできてくれたらなって」（長谷川）。

楽曲ごとの存在感

　ソリッドなバンド・サウンドで疾走する“ざわめき”を挿み、続いてはナカヤマアキラ（ギター）と佐藤ケンケン（ドラムス）の楽曲が交互に登場。ユニゾンのコーラスが瑞々しいギター・ロック“no rest for the wicked”、アコギ使いのグルーヴィーなミディアム“ゆうえん”、エキセントリック&パンキッシュに激走する“シカバネーゼ”、生々しくも儚いメランコリーを吐露する“宵闇”と、両極の曲想で存在感を示している。

「“ざわめき”みたいなベクトルがおもしろかったから、30周年のライヴでもそういう方向の曲をやりたいなと思って“no rest for the wicked”を出して。でも、バンドとして初めての取り組みって感覚でもなかったから〈何でだろう〉って思ったら、最初期の頃――“サイコガーデン”（95年）でやってたんですね。この間の仙台のライヴで気付きました。“シカバネーゼ”もライヴで活きる曲っていうのを想定して書いたかな。歌詞はどちらも想像の話です。“シカバネーゼ”なんて、現実だったらたまったもんじゃない（笑）。なんか、古典的な童話がけっこう好きなんですよ。現代に普及してるものはマイルドに書き直されてますけど、第一稿とかは悲惨だったり救われなかったりで。そういうのがルーツなんですかね、かっこよく言えば（笑）」（ナカヤマ）。

「リフで押すような速い曲はギタリストが作ったほうがかっこ良くなるだろうなって思うから、それでミディアムの曲が増えちゃうのかもしれないです。まずはリズムパターンとBPM、あとは明るい／暗い／悲しい／ハッピーとかそういう方向性を決めて、そこから自分以外の三人が作らなそうな曲、でもこの四人が演奏してる場面を想像できる曲、ってところで作ってますね。俺からするとすごいイメージに近い仕上がりになりましたけど、三人はアレンジするとき大変だっただろうなと思います（笑）」（佐藤）。

　そして、長谷川が単独で書き下ろしたもう1曲は“Invisible letter”。ポップに弾けるメロディアスなギター・ロックで、青い昂揚感に満ちた詞世界がどこまでも眩しい。

「実は“痣花”と同時期に作った曲で、こっちがシングルでもいいのかなって最初は思ってたんですよ。でも、コロナ禍を経て久しぶりに新曲を出すのであれば、重みのある“痣花”じゃないかと。こっちはアッパーで明るい〈プラの王道のギター・ロック〉みたいなイメージで作った曲で、歌詞も〈青春〉みたいなものをテーマにしてます」（長谷川）。

全部に理由があった

　仄暗いフィードバック・ギターと甘美な歌が渦巻く“痣花”を経てエンディングを飾るのは、有村による2曲。柔らかいリヴァーブ越しに切なさを募らせる“メルヘン”と、ノスタルジックな世界観で聴き手を温かく包み込む“夢落ち”が並ぶが、後者はエンドロールのように鳴り続けるオルタナ・カントリー調のギター・ソロが新鮮だ。

「ちょっとタームが空いての制作だったから感覚が鈍ってたのもあって時間がかかりましたけど、“メルヘン”はバンドのイメージのひとつ……自分の役割のうちのひとつにしっかり貢献できた曲だと思います。“夢落ち”も古い曲で、もう15年ぐらい前に作ってたものですね。バンドにフォーク要素を持ち込む曲をこれまでもたくさん作ってきましたけど、この曲はずっと処理がわからなかったんです。でも、いまだったらいい感じになるっていう予感があったから、〈バンドで作りましょう!〉ってみんなに任せたらすごいスムースに出来たんですよね。結果的に2部構成みたいになってますけど、最後のタームはプリプロ中のフラッシュ・アイデアで、感覚的にはセッションに近い作り方というか。〈10代の頃からこういう展開やってみたかったんだよね〉〈いいじゃんいいじゃん〉みたいな、ほんとにそんなノリで（笑）。ただ、それで昔を思い出したというか……このバンドって3枚目ぐらいまでは合宿で作ってて、その頃のセッション的な発想も、いまの自分たちのライヴでメインになってる楽曲の大きな要素だったりするじゃないですか。それを忘れてたわけではないけど、よりはっきりと思い出した感覚があるんですよね。いままでのバンドの歴史を、いろんな意味で。今回はそれをあちこちの楽曲にぶち込んだ、みたいな感じです。歌詞についても、これまでの人生のいちばん大きな部分ってバンド活動だったと思うんで、バンドにまつわることだったり、音楽活動を通して出会った人、いなくなっちゃった人、自分たちを好きでいてくれる人たちに対しての自分なりの気持ちも入れてるつもりっていうか、入っちゃってますね。“夢落ち”も“メルヘン”も、出来上がってから自分で読んでみたら、ああ、こういう気持ちもあったんだなって改めて思ったり」（有村）。

　30年にわたるバンドのこれまでが綴られた“夢落ち”。だが、大陸的なギター・サウンドが物語の最後に描き出すのは、これからに向けてさらに歩みを進めるバンドの姿だ。

「うん、この先も続いてくれるような感じ。それは希望でもあるけど、考えてこういう締め括りにしたわけじゃなくて、すべては偶然（笑）。まあ、偶然は必然でもあるから……だから、アルバムの名付け方も含めて全部に理由があったんだろうなって。作り終えたいまはそう思います」（有村）。