Love City 2015
［ 特集 ］都市インディーの源流
音楽の聴かれ方、表現の仕方が大きく変化した90年代。その幸福な時代を起点に、多様化する〈街の音楽〉など現在の日本のインディー界隈の源流を紐解いてみよう
吉田ヨウヘイgroup
モダン・ポップとしてのブラックネス
ギター熱が高まって
「僕はメンバーのなかにプレイヤーとして光っている人がいると、その人の演奏を特に取り込んでいこうとするところがあるんです。で、この1年間を見てみると、西田（修大、ギター）くんが一番伸びた。となると、その西田くんを前に出した時に曲がカタチになっていくのは自然なことだったと思うんです」（吉田ヨウヘイ、ヴォーカル／ギター／アルト・サックス）。
ジャズやR&Bというアングルからダイナミックにロック～ポップ・ミュージックへと還元していくような演奏／楽曲で、一躍〈東京の新しい顔〉となった吉田ヨウヘイgroupが、早くも新たなステージへと進みはじめている。昨年発表された2作目『Smart Citizen』の制作時にはメンバーだったファゴット担当の内藤彩、テナー・サックス担当の榎庸介が相次いで脱退。バンドは否応なしに転機を強いられることになったが、リーダーの吉田は、バンドのイメージを象徴する管楽器を中心としたアンサンブルに引っ張られすぎない柔軟な発想で、ピンチをチャンスへと変えていった。その結果、誕生したのが新作『paradise lost, it begins』である。今回取材に応じてくれたのは、吉田と西田。ステージの隅で奇妙なリフやフレーズを次々と繰り出す長身のギタリストの成長が、次章へ舵を切るきっかけとなったようだ。
「曲のメインになるところは僕が作るんですけど、自分と同じ感覚で何かプラスが欲しいなって時にスタジオで西田くんに投げたら、満足のいくものが返ってくるようになって。前のアルバムの頃までは、まだ人を遠ざけてしまうような硬質なギターが多かったんですけど、いまはもっと愛嬌があるというか……任せていても安心できるようになりましたね」（吉田）。
「吉田さんと感覚を共有できるようになってきたっていうのが大きいですね。実は『Smart Citizen』の時より吉田さんがギターを弾いている分量って多いんです。それで二人してギター熱が高まったっていうか、いろいろなエフェクターを買ってみたりブリッジを変えてみたりってこともやったりして」（西田）。
実際にアルバムのほぼすべての曲でギターが中心となっている。スウィープ、速弾きなどさまざまな奏法を駆使したり、あるいはエフェクトを多用したり……そうやって西田と吉田が同時にギターを弾いている曲は実に11曲中7曲もあるという。けれど、いわゆるギター・バトルのようなパターンではなく、互いの細かなフレーズが絡むのでもなく、異なる打点によってそれぞれ自在に鳴らされるから、池田若菜のフルートが速いパッセージを乗せてきたり、reddamがアタック強く鍵盤を叩いても、高橋恭平のドラム、星力斗のベースが支えるビートが崩れる心配もない。その結果、メロディーだけではなく、2本のギターを中心とする各パートの多様なリフが飛び散るように構成された曲が増えた。
「でも最初からギターを中心にしようって決めたわけじゃなくて。ミックスの段階でようやくそういう作品なんだなって気付いたくらいなんです。ただ、ハイの音をクリーンに出したいってところだけは最初に決めていて。TVオン・ザ・レディオとかマイ・ブライテスト・ダイアモンドとかセイント・ヴィンセントとか、〈良いな〉と思える作品は高音が綺麗に出ているものばかりなんですね。そこに現代的な感覚の音にするカギがあるのかなって思ったんで、じゃあ、ギターの音も高音をキンキンに出してみようって、ミックスでやってみたんです」（吉田）。
これがすべてではない
ロウよりハイ。ザラついた音よりクリーン・トーン。吉田ヨウヘイgroupが、モダンな音であることを前提にして今作でめざしたそうした音質への圧倒的なこだわりは、もしかすると今日のシンセ・ポップや再評価されるシティー・ポップに起点があるように思われるかもしれない。だが、彼らがリファレンスとしていたのは、例えば男女ヴォーカルが交錯する曲の一つ“キャプテン・プロヴァーブ”にとりわけ表出しているようなフュージョン、AOR、ジャズ・ファンク。つまり、吉田たちにとって結成来のルーツである、〈ポップ・ミュージックとしてのブラック・ミュージック〉に他ならない。
「“キャプテン・プロヴァーブ”はウェルドン・アーヴィンの“I Love You”がきっかけだったんです。あれ、耳でコピーをしようとしてもなかなか上手くコードが取れなかったので、若菜ちゃんに譜面に起こしてもらって、コードの構造を分析して。そうしたらいろいろと閃くことが出てきたんですね。いままで僕は転調させることでポップネスを出すようなコンポーズをあまりしてこなかったんですけど、ウェルドン・アーヴィンのその曲は割とちゃんと転調もしている。じゃあ一度やってみようかなって試してみたら、Aメロのなかに転調を持たせることができた。これならラリー・カールトンみたいなギターが入ってきてもいいかなって。そんな感じで出来た曲。でも、それだけだったら絶対にモダンにはならないから、ミックスでハイを思い切って出したんです」（吉田）。
一言で言ってしまうとメカニカルな構造ありき、あちこちに散らばる音の点を一つ一つ追いかけて聴いていってこそスピード感が実感できる、そんなアルバムだと言っていい。当然、彼らの武器の一つである女性コーラスの役割も大きく変化した。ここ最近はサポート・メンバーとしてライヴにも登場するTAMTAMのKuroがreddamと共にコーラスを受け持つ曲も多いが、例えば“ユー・エフ・オー”などはまるで女性ロボットの歌声のように平板で無感情だ。
「そう、まさにあれは意図的に感情を抑えてもらった結果なんですよ。女性陣のヴォーカルは僕がディレクションしたんですけど、今回は特に演奏と照合させた時に平面的な歌にしたほうがいいと判断したんです」（西田）。
「西田くんに〈吉田さんは最近コーラスを書かなくなった〉って言われてて（笑）。で、Kuroちゃんだったら高音のコーラスを上手く歌ってくれると思って参加をお願いしてから、どんどんコーラスを作れるようになりました。ソロの歌に関しては、kuroちゃんにもreddamちゃんにもいろいろ試してもらったんですけど、今回の作品ではそれほど感情を出してもらわないほうが上手くいくことが多くて」（吉田）。
「でも、その感覚が今後逆転することは大いにあり得るんです。いま、僕らがやりたいことの最高の状態がこのアルバムに出ていますけど、これがすべてではないんで」（西田）。
[English Translation]
Yoshida Yohei group - “paradise lost, it begins”
The ‘black’ness seen as modern pops
Interview & text by Shino Okamura
The heightening of the guitar frenzy
“Whenever I find a talent glowing among the members, I tend to lay special focus on his/her performance to include in the tracks. Over the past year, Nishida-kun (Shuta Nishida –guitar) has been making great advances, so it was just natural for tracks that featured him make their way on to the line-up.” (Yohei Yoshida – vocals/guitar/alto sax.)
With their performances/music dynamically passing on music from the approach of jazz or R&B to rock~pop music, Yoshida Yohei group has become [the new face of Tokyo] overnight, and they are now making their way to the next new stage. With Aya Naito on bassoon and Yosuke Enoki on tenor sax, both who were present at the production of the band’s 2nd album “Smart Citizen” released last year, leaving the band one after the other, the band was forced to face a turning point. However, Yoshida, as the leader, changed this tough corner into an opportunity with his flexible approach by shifting away from the existing structure of centering the ensembles around the wind instruments that were representing the image of the band. And the outcome is this latest album, “paradise lost, it begins.” Yoshida and Nishida sat down with us to talk about this latest piece of work. Hearing what they say, it seems that the growth of the tall guitarist constantly playing out strange riffs or phrases from the edge of the stage became the motivator of steering the band towards a new chapter.
“I’m the one who makes the main parts of the song, but there was a time I wanted something a bit more but in the same sensibility as mine, so I reached out to Nishida-kun at the studio and he came back with something really satisfactory. Until about the previous album, his guitar-play was more rigid, like it would drive people away. But now it’s more engaging and winsome, and I feel a lot safer with handing things to him now.” (Yoshida)
“Becoming able to share the same sensibility with Yoshida-san was pretty significant for me. Actually, Yoshida-san is playing guitar more than the previous “Smart Citizen”, and the guitar frenzy of both of us got really heightened, leading us to buy different kinds of effectors and try out new bridges etc.” (Nishida)
In fact, almost all the tracks on the album are guitar-centered. Various kinds of techniques like sweep picking or shredding are applied, also making great use of effects etc… And in the end, there are a good 7 tracks out of the total of 11 featuring the simultaneous guitar-play by Nishida and Yoshida. Still, it does not sound like a so-called guitar-battle, nor do the fine phrases they play intertwine with each other, and because they hit the strings completely differently from each other, the beats supported by Kyohei Takahashi’s drums or Rikito Hoshi’s bass remain unaffected, even if Wakana Ikeda joins in with fast passages or reddam attacks the keyboard fiercely. And as a result, there are now more tracks structured to make the melodies and various riffs of each part, mainly the guitar, spatter around.
“But it’s not like we decided from the beginning that we will go with the guitar placed at the center. It was more like we finally realized that that was the way each piece of work was when we came to the stage of mixing. Though, the points where we wanted to make sure the high notes sound clearly had been decided upfront. TV On The Radio, My Brightest Diamond or St. Vincent, - music that I am impressed with are usually those that hit the high notes beautifully. It came to me that perhaps that is the key to making the sounds have a modernistic feel to them. So then I tried mixes by bringing the guitar notes shrilling high.” (Yoshida)
And this is not all
High, rather than low. Tone, clean and smooth, rather than rough. The resounding persistence to the quality of sound that Yoshida Yohei group aimed for that was demonstrated in the latest album on the basis that it would be modern-sounded, may give one the impression that it was derived from today’s synth-pop or city pop lately being reevaluated. However, it was actually fusion, AOR or jazz funk, the kind expressed, in particular in songs like their “Captain Proverb” in which male and female vocals cross each other that they referred to. Stated differently, it was always ‘black music seen as pop music’ that has been the roots of the group from ever since they formed the band, that they were referring to.
“Weldon Irvine’s “I Love You” was the inspiration for our “Captain Proverb”. It was a track I found so difficult to dictate and pick up the chords, so I asked Wakana-chan to transcribe the music on to a score and analyze the chords structure. With that, so many ideas came into my head. Until then, I hadn’t been using modulations in an effort to generate popness, but this Irvine track has a pretty proper modulation during the song. Given that, I thought I’d give it a go too, and managed to put in a modulation during the verse. Then it came to me that this may be good enough to throw in some Larry Carlton-ish guitar. That’s kind of how the song came about. But of course that by itself will not necessarily make the track modern, so I made a mix that would fully bring out the high notes.” (Yoshida)
Put simply, it’s an album that enhanced with a mechanical structure, and that would let the listener fully feel the speed by chasing each and single note that is scattered all over the tracks. Most naturally, the role of the female backing chorus, that is one of their big appeals, has changed significantly. Many of the latest tracks have Kuro (from the dub band TAMTAM), who lately has been appearing frequently as support member for live gigs, act as the backing chorus together with reddam, but in “U.F.O”, for example, the chorus sounds flat and emotionless like female robots.
“Exactly, that is the result of intentionally containing all the emotions. I gave directions for the female vocals. When we checked against the instruments, it came to me that it would be better to make the song planar.” (Nishida)
“Nishida-kun has been telling me that ‘you haven’t been writing chorus parts lately’ (laughs). So I asked Kuro-chan to help us out because I knew she’d be able to sing high-key choruses and since then, I’ve become so much able to write chorus parts. For solo-sung songs, I had both Kuro-chan and reddam attempt many ways of singing, but in this album, it worked better by having them keep their emotions contained.” (Yoshida)
“But of course there is so much possibility that this sense might be overthrown in the future. This album demonstrates the best of what we want to do now, but of course, this is not ‘all’ that we have.” (Nishida)
