ジャパニーズ・ハウス・ミュージックの祖、寺田創一が〈テクノ民謡とモーション・グラフィックスの融合実験企画〉を行うため、2001年に立ち上げたプロジェクト・Omodaka。民謡 × テクノ × チップチューンというその唯一無二の音楽性のみならず、巫女装束に仮面という出で立ちに、ゲーム機やカオシレーター、“イエロー・サブマリン音頭”でもおなじみの民謡歌手・金沢明子がデカデカと映るモニターを駆使するライヴ・パフォーマンスも、2009年の開始以降、国内・国外で大反響。そんなOmodakaが、10月28日（月）に配信先行で、11月6日（水）にはフィジカルで、5年ぶりのアルバム『Gujoh Bushi』をリリースする。Omodakaの誕生秘話から、現在、そして今後の活動に至るまで、寺田本人に話を伺った。
Omodakaの始まりは競艇から
――寺田さんは80年代から活躍していらっしゃいますが、Omodakaとしての活動開始は2001年です。当時は〈競艇〉をテーマにした楽曲を多数制作していらっしゃいますよね。
「当時たまたま麻雀とパチンコの曲を手掛けたので、〈次は競艇だ〉と思って、競艇のこともよく知らないのに作り出したんです。でも、初めて行った競艇場で大きな大会をやっていて、みんなやさぐれてるし、流血沙汰の喧嘩とかもあって、そのワイルドさが衝撃的でおもしろかったんですよね。そこからすっかりハマってしまって。競艇場でボロボロに負けて、帰ってきて曲にする。出来た曲を映像作家の方が作った映像と合わせる。そんなことがOmodakaの初期の活動でした。競艇の楽曲と同時に、民謡をまったく別のオケに乗せるという、いまのスタイルにも取り組んではいたんですが、この頃のメインは競艇の楽曲のほうでした」
――〈Omodakaというプロジェクトを始めよう〉というのと、〈競艇の曲を作ろう〉と思ったのは、どちらが先ですか?
「2000年くらい、Omodakaというプロジェクトをやろうと決めた時に最初に作ったのが競艇の曲だったので、ほぼ同時だけどOmodakaのほうがちょっとだけ先、だったような気がします。〈Omodakaをどうしていこうか〉というヴィジョンみたいなものは、当時すごくおぼろげでした」
――では、いまのOmodakaのプロフィールにもある〈テクノ民謡とモーション・グラフィックスの融合実験企画〉というテーマも、後から定まっていったんですね。
「テクノ民謡も始めてはいたんですが、当時の自分としては競艇のおもしろさのほうが大きかったんですよね。でも何年かするうちに、自分の音楽のことを第三者から〈テクノ民謡〉と言われるようになり、それでこういうプロフィールになっていったんです」
――その〈競艇シリーズ〉は2008年のEP『Favorite Games』で一区切りつきます。
「競艇は6艘のボートが走るので、〈競艇に関わる曲を6曲作ろう〉と思っていて、CDのジャケもその6色に合わせて作っていまして。そこで6作品が完結したので、一区切りをつけました」
――そこからはテクノ民謡にシフトしていったのでしょうか?
「2009年からライヴ活動をするようになるのですが、だからと言って〈競艇に次ぐテーマを設けよう〉とか〈民謡をやっていくぞ〉っていう意識があったわけでもないんです。でも結果的には、ほぼ民謡をやってるんですけどね」
人間から人間味を削りたかった
――そのライヴ活動では、仮面をつけた巫女姿で、手にはゲーム機やカオシレーターを持ち、演奏するジャンルはテクノ民謡という、ひとつひとつの要素が濃すぎるものですが、まずはあの見た目についてお聞かせください。あの外見は2009年からああだったんですか?
「あの見た目と、ステージ上にディスプレイを置いて映像を流すというのは2009年からです」
――ちょうど10年ですね。なぜ巫女さんだったんでしょう。
「なんでですかね……。ライヴというのは歌なりパフォーマンスなりをお客さんに見せるものだと思うんですけど、自分としては映像作家の方たちと一緒に作った映像のほうを観てほしくて。だから舞台に人間がいるのではなくて……人間から人間味を削りたかったというか、物体とか、幽霊的なものにしたかったんです。それにちょっと、ジャパニーズ・ホラー的なイメージでやりたかったというのもあると思います。仮面をしているのも、演者から出るパーソナリティーを遮断したくて。とは言え、DJが曲をかける場合はシンガーがいなくても成り立ちますけど、自分がライヴを始めたころはバンドと一緒にやる機会が多くて、ステージ上に人がいないのは致命的な欠陥だなと思ったので。
金沢明子さんが歌う様子をディスプレイに映し出すっていうのも、そういうところから来ています。舞台に人間は必要でも、そのディスプレイで歌っている人を際立たせるために、人間味はない方がいいと思ったんです。ただ、ライヴをしていくうちに、そんな気持ち悪い存在でもパーソナリティーを出したほうがお客さんはおもしろがるっていうことがわかってきましたけどね」
――もちろん〈中の人〉が寺田さんだというのは、知ってる人は知ってるわけですよね。
「別に隠してはいないので、知っている人には親近感を持ってもらえるようになったと思います。最近は（Omodakaと自分自身を）よく関連付けてもらえるようになりましたし」
――寺田さんといえば日本ハウス・ミュージック界にもっとも初期から参加されている方でもあるわけですが、〈実はそういう人がOmodakaの中の人なんだよ〉と関連付けて観たほうがいいのか、それとも切り離して考えたほうがいいのか、迷うところでもあります。
「もちろんどっちでもいいんですけど、Omodakaのパフォーマンスとしては、それを知っていても知らなくても楽しめるようにしたいとは思っています。例えば何かスピンオフの映画作品があって、本編を全然知らない人が観ても世界観が出来上がっていて楽しめるし、本編との関連を知ってる人は伏線が繋がってより楽しめるような、そういう作りにしたいですね」
――寺田さんは近年ハウス・セットでのライヴ活動も多く行っていて、そことの境界線はきっぱり引かれていますか?
「寺田創一ハウス・セットでのライヴをやるようになったのは2015年からで、Omodakaとハウス・セットのどちらでもやる新曲が少し出てきたりもしていて。だからきっぱり分けているつもりはなくて、むしろ少し近付いてる面もあるかもしれないですね。今作にも、元々はハウス・セットで作ったけど、金沢さんに歌い直してもらってオケも（Omodaka用に）作り直した曲があったり、90年代に（寺田創一名義で）横田信一郎くんと一緒に作った曲を、最近のOmodaka用にして収録したものもあったりして。自分が意識する・しないに関わらず、両者は近くなってきてるかもしれないです」
――パフォーマンスの面ではどうですか? Omodakaでは飛び跳ねたり踊ったりしていますが、ハウス・セットでもそうなってきていますか?
「自分では違うって思ってるつもりでも、両方観てる人からすると身体の動きは同じみたいですね。恰好は違うんですけど（笑）」
自分が食べてみて美味しかったもので寿司を握る
――見た目も特徴的ですが、個人的には一番最初にライヴを拝見した時に一曲目が“三階節”という曲で、あの曲の和声に衝撃を受けました。ブルガリアン・ヴォイスとか、日本古来の和音にも通じるような、ああいった独特の和音の使い方はどこから来てるんですか?
「民謡っていうのは旋律は洗練されて聴こえるんですけど、一方で和声とかリズムというのはあまり民謡にない部分なんですね。だからそういった磨かれた旋律には、全然違うところから持ってきたヴォイシングをはめられる〈隙間〉があると思ったんです。“三階節”の和声も民謡由来のものではなくて、どちらかというとジャズ・オルガンの和声とか、賛美歌の和声とかから来ていて。でもそういった和声を民謡に持って来ても、ものによってはピッタリはまることがあるんです。あの曲は特にジャズのオルガンと教会のオルガンの間をいってます」
――一歩間違えれば音と音がぶつかって気持ち悪くなりそうな、ギリギリのところでの気持ち良さがありますよね。他の楽曲も、ベースはそういった音楽なんでしょうか?
「基本としては、他の曲から持って来たコード進行を民謡に乗っけてみて、相性が合うものを探すみたいなことをしています。たまに作ったオケの上に金沢さんが即興で歌を乗っけてくれる場合もありますけど」
――本作でもマンボだったり、ボサノヴァ的なフレーズだったり、さまざまなジャンルを取り入れていて、世界中の音楽を研究されているように思います。
「そんなに研究してるってわけじゃないんですけど（笑）、ただ〈ここが好きだな〉っていうコード進行の上に、いろんな民謡を乗っけてみるっていうことを繰り返して、合う組み合わせを見つけていくだけなんです。もちろんそれも研究とか実験みたいなものかもしれないけど、自分が食べてみて美味しかったもので寿司を握ってるみたいな、そういう感じかな」
――例えばジャズとロックなんていう組み合わせは、もう何人ものアーティストが試して取り入れてきたものだと思うんですが、民謡とマンボ、それにチップチューンを組み合わせる人なんてなかなかいないと思うんです。その一方で民謡がいろんなジャンルと合いやすいのは、口伝ゆえに伴奏がないものが多いからかなとも思います。
「そうなんですよね。ただ民謡は口で伝わっていったものだから、同じ民謡でも各地方によってちょっと違ったりとか、伝承する人が絶滅寸前のものがあったりとかもあって。それが20世紀になって印刷技術と録音技術が発達したから、民謡を五線譜に記したり、録音したりして残すという動きができて。それで民謡は残っていったんですよね。
（今作にも収録されている）“こきりこ節”について印象的なエピソードがあって、実は“こきりこ節”って1800年くらい前からある歌らしいんですけど、ある時、富山県に歌えるおばあちゃんが一人しかいない状態になってしまって、昭和にそれを記録した人がいたおかげで絶滅しないで済んだらしいんです」
――おお、それはOmodakaの活動に通ずる部分もある気がします。一方で、“ちゃっきり節”のように伝統民謡ではなく昭和に生まれた〈新民謡〉も扱っていらして。
「“ちゃっきり節”が新しい民謡だというのは自分も知らなくて、金沢さんに訊いて初めて知ったんですが、そういうことも多いんです。 “ちゃっきり節”は作曲者の町田嘉章が亡くなってまだ50年も経ってない、昭和の民謡なんですよね（作詞は北原白秋）。この町田嘉章という人も、作曲家のみならず地方の民謡を採譜していく活動を続けた研究家で、もしかしたら“ちゃっきり節”の原型はどこかの民謡かもしれない。いまで言うリミックスとか編集的なことをして生まれた曲かもしれないし、そういうところにおもしろさを感じるんですよ」
民謡歌手・金沢明子との出会い
――金沢明子さんの歌は、あらかじめ用意されているんですか? それともOmodakaのために歌っていただくのですか?
「Omodakaで発表するものはOmodakaのために録っています。でもさっきも言ったように〈この曲にこのコードは合うか〉っていう実験をするために、純邦楽の伴奏で金沢さんに歌っていただいて、その歌をアカペラにして抜き出して、それを使って曲を作るということもあります。その上で、形ができたらもう一度歌い直してもらうこともあるし、そのまま使う時もあります」
――金沢さんといえばすでに民謡界のレジェンド的存在ではありますが、改めて金沢さんの声の魅力というのは何でしょう?
「金沢さんは、声のトーンも歌の表現力も素晴らしいっていうのはもちろんありますが、その他にも、何かのリズムやバックトラックを聴いただけですぐにメロディラインを思い付くっていう、ジャズ的な即興、インプロヴィゼーションの部分がすごく冴え渡る人です。ラッパーがトラックを聴いたらすぐラップを始めるのと同じくらいのレスポンスで、別の曲の上で民謡を歌い出すような方です。いわゆる〈歌手〉と言われている人以上のものをお持ちの方だなと思います」
――Omodakaのトラックによって、金沢さんの歌い方や節回しは変わるんですか?
「そうですね。最初の仮歌から歌い直してもらう時に、トラックに合わせて意図的に歌い方を変えるというのはよくあります。それが逆にハマりすぎて、元の歌を使うという場合もあるんですけどね」
――それは金沢さんにとっても寺田さんにとっても、結構な労力を使う作業ではないですか?
「そういう時もあるし、意外とすぐにできてる時もあります」
――またライヴで使用される映像にも金沢さんはたくさん登場しますよね。観ている側としては、金沢さんをあそこまでイジっちゃっていいのかなとも思います（笑）。
「企画段階から、金沢さんがステージで歌うというのはできないと言われていたんですが、映像として登場するのは了解をもらっていて。曲ごとに結構違うメイクとヘアースタイルで撮影するんですけど、〈この曲はこういうほうがおもしろい〉っていうアイデアは金沢さんからノリノリで出てくるんです。だから〈うわ、こんな恰好でやってる!〉って思う部分は、実は金沢さん本人のアイデアですね」
――そうだったんですね。そもそも寺田さんと金沢さんとの出会いは?
「金沢さんの歌を聴くきっかけは、90年代の始めに金沢さんのハウス・ミックスを作るっていう企画のアルバムがあって（『金沢明子HOUSE MIX 1』）、それに参加したことですね。それまで自分は民謡を聴いたことがなかったんです」
――いまでは金沢さん抜きでは考えられないプロジェクトですよね。
「Omodakaは映像も含めて金沢さんに歌っていただいているので、金沢さんの協力なしにはできないですね」
――今作に収録されている“十三みれん”は、オリジナルは金沢さんの楽曲で、その編曲を寺田さんが手掛けたんですよね。
「ええ。“十三みれん”は自分が編曲をしました。ディレクターの方も理解があって、普通は作曲者のつけたコード進行を変えるっていうのは編曲ではやらないことですけど、そういうこともOKだったんです。で、今回のアルバムが〈これで完成かな〉という時に、民謡以外の全然毛色の異なるものも欲しいなと思って、それで金沢さんの曲をOmodakaでカヴァーするっていうことを思い付いたんです。〈へんてこでいいかな〉って。歌も金沢さんに改めて歌っていただいて」
――原曲とは全く異なるドラムンベース調になりましたね。何も言われなければOmodakaの曲だけど、原曲を知ってると違いに驚けるという。
「そうなんです。元の曲と聴き比べてもらえたらおもしろいと思います」
森高千里への提供曲のセルフ・カヴァーからYMCKのリミックスまで
――今作は前作の『Bridge Song』から5年ぶりのリリースということで、けっこう間が空きました。その点についてはいかがですか?
「自分でももう少し早く作るつもりだったんですけど、前作を作ってから1年後に、昔自分のレーベルで出していたハウスの作品が再リリースされて（『SOUNDS FROM FAR EAST』）、その曲を再現するためにハウス・セットのライヴを海外でやるようになったんですね。それが2015年から3年間くらい。自分としてはすごくうれしかったんですけど、一方で体力的にはへとへとになっちゃって、Omodakaの曲を作るペースが落ちちゃったんです。それで気が付いたら5年経ってましたね」
――今作の制作はいつぐらいから始まっているんですか?
「2014年に前作をリリースして、その数か月後には出来てた曲もあるんです。だからその調子なら2～3年でアルバムが出来てたはずなんですけどね。でも間が空いたことで、さっきの“十三みれん”みたいなアイデアも生まれたから、いまとなってはよかったのかもって思います」
――民謡以外にも、ファミコン・カセット型音楽作品（『8BIT MUSIC POWER』『8BIT MUSIC POWER ENCORE』）に収録されていた楽曲（“キラキラ節”“なんか”）や、金沢さんや森高千里さんの曲をOmodaka版にしたものも収録されていて、結果的に盛りだくさんの内容になりました。
「自分としては5年間空いちゃったけど、その間にちょっとずつ作ってたものが溜まっていって、こうやってまとめられたからよかったです」
――そのなかで何と言っても森高千里さんに提供された“百見顔”がOmodakaヴァージョンになったというのは、大きなトピックです。
「森高さんの“百見顔”は、実は“一月一日”というお正月の曲の声を編集して作ったものなんです。編集すると単語の意味はバラバラになって意味不明の歌詞になるけど、そのなかで〈ひゃみかお〉って聴こえる部分があって、それで“百見顔”というタイトルになって。その後、金沢さんにも同じように“一月一日”を歌ってもらって、同じ編集をして作ったのがこのヴァージョンです。でも不思議だったのが、歌う人によって子音の出し方が違うみたいで、同じ編集をしてもなぜか同じ歌詞には聴こえなくなるんですよね」
――それは森高さんの声を編集する作業工程も残してあったんですか?
「〈この音をここに持ってくる〉っていうメモが残ってたので、金沢さんの声もその通りにしたんです」
――ブレイクビーツじゃないですけど、非常にユニークなことをしてらっしゃいますよね。
「あ、でもブレイクビーツを組み替える作業をメロディでやってるようなものですね。ビートを編集して作ったブレイクビーツを、別のビートでやってみた、みたいなことです」
――またYMCKのリミックス（“桑名の殿様（YMCKボンゾドラムスタイル）”）や、ヤーマルクマンハッタンがエディットした曲（“臆病な忍者達（ヤーマルク編集）”）もあって、今作はゲストが豪華です。
「はい。YMCKは、自分も彼らのアルバムにリミックスを作ったという縁もあって参加してもらいました。ヤーマルクマンハッタンのほうは、彼と共通の友人が短編映画を作って、そのサウンドトラックを2人で作ったんです。自分が映画のシーンに合わせてループを作って、それを彼が構成してくれて。それがとてもおもしろかったので、サントラに収録されたものからさらに構成し直して入れたんです」
――それと恒例のバッハ・シリーズとして“G線上のアリア”も入っていて。
「Omodakaのアルバムの決め事じゃないですけど、毎回バッハの曲をやっていて。それは競艇の曲を作る時に１度バッハの曲の替え歌で作ったことがあって、それを一作目（『万舟のカンタータ』）に収録したので、それ以降のアルバムにも1曲ずつ入っていて。実はこの“G線上のアリア”はコンピレーション用に作ったんですけど、少しヴァージョンを変えてます」
――それと先ほどお話のあった横田信一郎さんのミックス曲“両津甚句（横田信一郎配合）”もあります。
「“両津甚句”のベースになっているのは、90年代に横田くんが作った“Got To Be Real”のカヴァー・トラックで、その上に“両津甚句”を乗せて、ここ4～5年ライヴでやっていたんです。このヴァージョンはハウス・セットでもやっていたものです」
――横田さんはYMOがお好きなんですよね。影響を感じました。
「好きですね。もちろん自分も好きですけど、横田くんは自分のソロ作でカヴァーも入れてますから、自分よりももっと好きだと思うな（笑）。横田くんとは1年に1回くらいしか会わなくなった時期もあったんですけど、最近その再発もあって会う機会が増えましたね」
海外の人、昔の人、未来の人にも聴かせたいキメラ民謡
――今回は1曲目の“桑名の殿様”を聴いた時に、8bit感・チップチューン感は少し減ったのかなと感じたんですけど、5年間で意識の変化だったり、あるいは制作環境の変化だったりはありましたか?
「“桑名の殿様”は三重県の民謡ですけど、金沢さんが三重県の長島温泉限定でCDをリリースしている曲で。そこにいろんな要素を入れたから8bit感が少ないのかもしれないですね。確かにアルバムの前半は、〈1つのパートとしてゲームボーイがいるな〉くらいの比重の曲もあるんですが、基本的には何も変わってないと思います。それと最近はライヴ・パフォーマンスを多くやるようになったので、〈ライヴのなかでどういうふうにやるか〉っていうことは無意識のうちに考えちゃってるのかもしれないです。でも作った後でライヴでどうやるか悩むこともあるから、どうだろうな……（笑）」
――後半になっていくとチップ感は戻ってきますが、例えばハウス・セット寄りの音になったのかなとも思いました。
「自分でも意図してないですけど、あるのかなあ。でも8bitの定番的な表現、例えばトレモロとかは自分のなかでやりすぎた印象があったので、いわゆる定番の表現じゃなく、ただファミコンやゲームボーイの音色で和音を弾く、みたいなことをけっこう試しました。〈この楽器はこう弾くとこうなる〉みたいなものがけっこう出来上がっていて、そういう定番にも飽きてはいないですけど、そこと違う表現はないかなって思って試したんです。やりすぎると素のシンセの音に近くなっちゃうんですけどね」
――でもそれはそれで美しくて、なぜ三角波とか矩形波と言われるものがこんなに美しく響くんだろうって思います。人工的な波形なはずなのに人の感情に訴えるものがある。
「不思議ですよね。自分もそういうものをすごく感じます。例えば〈ゲーム機の音を聴いたことがない人に聴かせたらどう思うかな〉って考えたりもして、試してみたいです。すごく昔の人だったり、それかファミコンやゲームボーイを知らない未来の人だったり」
――未来の人はOmodakaを聴いて、〈これが日本の民謡か〉って思うかもしれないですね。
「それだったらありがたいけど、全然本当の民謡じゃない（笑）。合成民謡、キメラ民謡だと思ってもらえれば」
――また、すでに海外公演も何度も経験されていますが、来年は海外の方もたくさん日本にいらっしゃるわけで、海外の方にも聴いて観ていただきたいですね。
「海外の人も〈これが日本の民謡なのか〉って勘違いしてくれたらいいですね（笑）。今年は6月の上海など海外でOmodakaをやる機会に恵まれて、年末もモスクワで演奏する予定です」
――世界の反応はどうですか?
「これまで北米、ヨーロッパ、オーストラリア、中国でやってきて、呼んでくれる時点でいろいろ調べてくれて理解があるからだとは思うけど、どこも反応が良くてすごく喜んでくれるんです。特に中国ではいまエレクトロニックな音楽が盛り上がっているみたいで、それは意外な発見でしたね」
――今後の予定はいかがですか?
「ようやくアルバムが出るので、その内容に沿ったライヴを考えていって、いろんなところでライヴをやりたいですね。そのためには新曲の映像も作らなくちゃいけなくて、映像をお願いしたい作家の方もいるので、そっちも進めないといけないし。大変ですけど、すごく楽しいです」
