シャムキャッツとしての活動はもちろん、近年では自身のバンド〈菅原慎一BAND〉としての活動も積極的に繰り広げている菅原慎一。アジア各国へのツアー経験をもとに、各地インディー・シーンの盛況や知られざるカセット・テープ音源の紹介なども行う彼にはいま、1人の演奏家という枠組みを超えたトレンド・セッターとしても熱い注目が集まっている。
そして、予てからソロ作品のリリースも待望されるなか、映画のサウンドトラック盤という形でその成果が届けられることになった。映画祭〈MOOSIC LAB 2019〉長編部門出品作品である「ドンテンタウン」へのオリジナル劇伴集となる本作は、これまで菅原がプレイヤー／リスナーとして吸収してきた音楽要素の鮮やかな開陳にして、映画そのものの方向性へも影響を与えた、単なる〈サントラ〉を超えた魅力を持つ作品となっている。
どのような経緯で本作が制作されたのか、初となる映画現場への参加から感じ取ったもの、そして彼の映画音楽観など、さまざまな興味深いトピックについて話を訊いた。
〈団地〉が舞台の物語
――初めに、今回の作品に至るまでのソロ活動や菅原慎一BAND名義での活動について教えて下さい。
「最初は2012年位に、スッパマイクロパンチョップさんに高円寺の円盤でのイベントに誘われたことがきっかけです。〈菅原くんはソロでもやったほうがいよ!と言ってくれて。それまでソロでは何もやったことがなかったので曲もなかったんですが、いまもドラマーとして僕のバンドに参加してくれているARTLESS NOTE／penoの水谷貴次くんと、同じくARTLESS NOTEの金田くんにも急遽参加してもらって。そのときはsamoedoって名義で、カヴァーとかやったんです。
その後徐々にオリジナル曲を作りはじめて、いろいろなところでライブをするようになった。いまでもよく覚えているのが、当時池袋にあったミュージック・オルグでのライブですね。森は生きている、ランタンパレード、それと僕たちといういま考えるとなかなか濃いメンツで」
――昨今はメンバーも増えて積極的に演奏活動を行っていると思うんですが、何か自身のなかでのモードチェンジがあったんでしょうか?
「特に大きなターニング・ポイントがあったっていう感じでもないんですよ。気付いたら、だんだん仲間が増えていった感じ。水谷くんからフルートの松村拓海さんを紹介してもらって、ベースシストはバンビ（シャムキャッツの大塚智之）に声かけて、yumboの芦田勇人くん（ペダルスチール・ギターほか）や内藤彩ちゃん（バスーン）にも参加してもらって……。僕、一度一緒に演奏した人たちと別れるってことができなくて。だからどんどん大編成になってしまう（笑）」
写真：柳宙見
――今回の映画劇伴制作については、どういった経緯でやることになったんですか?
「監督の井上康平さんから、今年の春前くらいにいきなり連絡がきたんです。面識はなかったんですが、以前からシャムキャッツを熱心に聴いてくれていたみたいで。彼は団地を舞台にした作品を以前から撮りたいと思っていたらしく、シャムキャッツのアルバム『Friends Again』（2017年）での僕の演奏や、団地をテーマにした楽曲に共感を覚えたらしくて。今回の『ドンテンタウン』はまさに団地を舞台とした物語なので、声を掛けてくれたという感じですね」
――でも、劇伴音楽ということはシャムキャッツのような歌ものだけでなく、インスト曲も必要になってきますよね。初めから相当菅原さんへの信頼感があったんでしょうね。
「たまに自分のSoundCloudアカウントへ民族音楽の要素が入ったような似非レアグルーヴ的音源を上げてすぐ下げたりみたいなことを趣味でやっていたんですけど、それも聴いてくれていたみたいで。そういうモノ含めて、映画の全体的な雰囲気にフィットすると感じてくれたようです」
――具体的な音楽制作にあたっては監督ともイメージをしっかり共有しながら進めたんですか?
「簡単な擦り合せはしましたが、基本100％こちらを信頼してもらっていたので、監督からの細かな指定はなかったですね。やりがいを感じつつも、逆にそれがプレッシャーでもありました」
――楽曲自体が映画本編とも深く関わり合ってくる作品ということで、映像が完パケしたあとから音楽を付けていく一般的な劇伴制作の流れとは違うのだろうな、と想像しました。
「実は僕も脚本が送られてくる前の段階では、映像完パケ後からの作業なのかなと思っていたんですけど、もう全然違いました（笑）。映像が完成する段階で音楽も完成していないといけないってスケジュールでした。だからかなり大変……というか一緒に映画自体を作っていったという感覚です」
日常からふわっと浮遊しているような世界への憧れ
――映画音楽へは以前から興味があったんですか?
「昔からリスナーとしても映画音楽全般が大好きでした。このジャンルにしかない音楽的な魅力が確実にあると思っているし、以前からチャレンジしてみたかったんです」
――普段から映画を観るときもやっぱり音楽に注目してしまう?
「めちゃくちゃそうですね。でも、1ファンとして正直がっかりするパターンも少なくない……。いかにもプロの人がベタに作った劇伴とか、映画本編自体はスコア含めてすごく良いのにエンディング・テーマでずっこけたり。業界内の政治が絡んでそうな邦画にありがちですけど……」
――あ～、すごくわかります（笑）。今回はテーマ曲的な楽曲もタイアップではなくて、自身で作曲されてますね。
「そう。その点も良かったですね（笑）」
――個人的に好きな映画音楽や劇伴作家は?
「いろいろなところで言っているんですが、ジャック・タチの映画の音楽を手掛けているフランク・バルセリーニとアラン・ロマンという作家の音楽は本当に大好きですね」
――ジャズとクラシックが融合したような室内楽的世界。
「そういう音楽が好きになったのは、バレエの先生だった親の影響かも。小さい頃からレッスン場や劇場に行って非ポップス的な音楽に慣れ親しんでいたというのが大きいような気がします。ああいう、日常からふわっと浮遊しているような世界に子供ながらすごくワクワクしたんです。〈バンドをやりたい!〉っていう軸とは別の志向が以前からあったんですね。それを自分なりのやり方でポップスと融合しながら実践しているのが、菅原慎一BANDなのかもしれない」
――邦画の音楽だと何がお気に入りでしょう?
「日本人音楽家じゃないけど、若松孝二監督の『実録・連合赤軍 あさま山荘への道程』（2008年）におけるジム・オルークの仕事とか……でも、聴くとヘコんじゃうんですよね、良すぎて……（笑）」
――たしかにあれは素晴らしい……。
「それと、相米慎二監督の80年作品の音楽はシンセサイザーの使い方がヤバ過ぎで。もちろん映画としても素晴らしいけど、僕はいつも音楽のほうにヤラれちゃう。プロレスラーの武藤敬司が主演の『光る女』（87年、音楽：三枝成彰） が特に好きですね。でも、80年代の映画や映画音楽の世界ってそれ自体が確立されたアートだと思っているので、あまりその方面に寄りすぎちゃうのは違うなというのはありました。誤解を恐れずにあえて言うと、いまの技術なら例えばパッド系のシンセ音とか電子音とか、簡単に作れてしまうものも多いんですよね。今回はそういうものとは別のものを作りたいなと思っていました」
――たしかに、シンセサイザーによるエレクトロニックな音と、菅原慎一BAND的な生楽器のアンサンブルが良いバランスで表現されているなと感じました。
「そう感じてくれたら嬉しいですね。あくまで、自分の手に届く範囲の〈ポケット・エレクトロニクス〉というか。それと、インスピレーション元が、楽器そのものだったりもするんです。リズム・ボックスも今回エーストーンの古いものを手に入れたんですけど、それを鳴らして自分なりのアンサンブルへのインスピレーションを得るという作り方をしました。プラグインとかでいろいろ音を出すことも可能ではあるんですけど、かえって際限がなくなってしまうので」
ニューエイジやエキゾを菅原なりにミックス
――“hare”や“Tennis”、“スコーン”といった曲でマリンバを使っているのも特徴的です。
「マリンバの使用は、監督からあった唯一の希望でしたね。トニー・スコット監督の『トゥルー・ロマンス』（94年、音楽：ハンス・ジマー）のイメージを参考として提案されて。マリンバの響きって、特定の感情に回収されないようなニュアンスを持っていると思うんです。悲しくもあり、楽しそうでもある。作品自体、監督してもそういう世界を狙っているんじゃないかなと思って。切ないシーンにそういう音楽をあてると、不思議に明るく聴こえたりする。その逆もしかり。『トゥルー・ロマンス』自体も、暴力的な映画だけどどこか儚い美しさもあるし……。」
――「トゥルー・ロマンス」の音楽も、テレンス・マリック監督の「地獄の逃避行」（73年、音楽：ジョージ・アリソン・ティプトン）へのオマージュになっているし、監督としてもそういう映画史的事実への敬愛があったのかもしれないですね。
「そうなのかも。実際に作りはじめたら、マリンバの音色がすごくしっくりきて、一気に作業が進みました。今回のレコーディングに吉祥寺Gok Soundというスタジオを使った理由も、そこに大きなマリンバが置いてあったからなんです。それと、オープン・リール・テープのレコーダーもあって、まさしく〈曇天〉らしいくぐもった音像を表現できたかなと思います。よく聴くと〈サー〉ってノイズが聴こえると思うんですけど（笑）。スクリーンで聴くとよりいっそう映えるサウンドに仕上げることができたと思います」
――生楽器や電子音の融合も含め、全体的な聴感としてバレアリックやニューエイジという昨今復権してきた音楽タームにも近しいものを感じました。それと、ちょっとアーサー・ラッセルっぽいミュータント・ディスコ感も……。
「そうですよね。ある時期からそういう音楽が自分でも恥ずかしくなるくらい好きなので……（笑）。あの時代に使われていたものの世界的な再発見と、もともと自分のなかにあった趣味趣向ががっちりとリンクするタイミングってあるじゃないですか。いままさにそういう感じ。菅原慎一BANDのメンバーからの影響も強いと思います。これもいろんなところで話してるんですが、芦田くんの家でアーサー・ラッセルのドキュメント映画『ワイルド コンビネーション：アーサーラッセルの肖像』（2008年）のDVDを観る会をしたんです。そしたらドハマリしちゃって」
――マリンバを使っていることで、マーティン・デニー的なエキゾ性も感じます。
「大好きですね。そういうラウンジ的なものはもちろん、ラテン圏の音楽とかブラジルのポップ・ミュージック、インドネシアの80年代のカセット・テープ作品とかもよく聴いてたので、その当たりからの影響を自分なりにミックスした感覚です」
――アジア音楽の紹介なども含めて最近の菅原さんの活動からは、いまふたたびリスナーとしてあらゆる興味が広がっていっているんだろうな、と感じます。
「アジアの音楽については、シャムキャッツのツアーとかで実際に自分が現地に行っていたというのが大きいと思います。現地で体験すると興味や知識がどんどん増えていく。そのなかで知ったものが素晴らしいものだったから、これはみんなにも広めたいな、と」
――バンドマン的な部分とは違ったチャンネルなんでしょうね。ある意味DJ的な発想というか。今回のサントラ作品からもそういうDJミックスに通じるセンスを感じました。
「まさしくそうだと思います」
主人公の〈ソラ〉になったつもりで作ってみた
――具体的にいくつかの楽曲についても訊かせてください。2曲目“Vintage Tile Champion”は、これまでのシャムキャッツ作品における菅原さんの作風にも通じるフォーキーなものですね。
「この曲はもともと菅原慎一BANDのレパートリーだったんです。ヴォーカルを抜いて映画用にリアレンジしました。ペダルスチール・ギターってとても映像とのマッチングがよくて。6曲目の“毎日”も最近ライブで演奏しているものですね」
――それと、木管の音が特徴的な3曲目“ソラとミドリ”や7曲目の“トキオ”などからは、いわゆるレコメン系※のプログレッシヴ・ロックのようなチェンバー・ミュージック感や現代音楽的要素を感じます。
「おもしろいですよね。彩ちゃんや芦田くんのセンスが出ている曲ですね。何曲かで、メンバーに注文をしてオブジェクトを提示してもらうという作業を行ったんです」
――これらの曲は特に、単純に〈こういうムード〉と断言できない複雑な感情が喚起されます。
「やっぱりベタなことはやりたくないなと思っていて。泣けるシーンに泣ける曲ぶつけるとかは、こう言っては何だけど誰でもできるわけで。例えば、殺人の惨たらしいシーンに美しいクラシックのピアノ曲が流れたりするとハッとするじゃないですか。ああいう、いわゆる〈異化作用〉みたいなことにチャレンジしたいなって思ったんです。監督にも、〈映像にぴったりと寄り添うようなものは作らないつもりです〉って最初から伝えていました」
――リード曲“晴れの間の日にでも”は、映画のクライマックス・シーンを決定づけるようなものになっていますね。
「監督からも、〈菅原さんが書く曲によって映画がある程度決まります〉とは言われていて。実は、最初の脚本をもらったとき、主人公の女の子、ソラはプロのシンガー・ソングライターじゃなく趣味で曲作りをしていて、最後に泣ける感じの良い曲を作る、っていう内容だったんですよ。だから、〈じゃあ単純な和音で、ドミソで8ビートだな〉と作っていた。
でも、その後脚本が二転三転して、主人公はがっちりプロのシンガー・ソングライターっていう設定になったんです（笑）。だから、そっとCメジャーをCメジャー7thに変えたり。ちょっと複雑な進行にしたりして、曲作りにある程度慣れている感じを出したという（笑）。実際にソラになったつもりで、作ってみた曲ですね」
――ソラ役を演じた佐藤玲さんの、劇中での歌唱も素晴らしいですね。
「すごいですよね。撮影現場に行って、佐藤さんが僕の曲をワンカットでフル・コーラス歌い上げるのを見て、感動で目が潤んでしまいました。忙しいなかずっと練習してくれていたらしいですね。映画での彼女のピアノ演奏と歌には、彼女自身のニュアンスが相当入っているんですよ。ちょっとコード感が違ったり、ブリッジにアレンジが入ってたりして。それがむしろ素晴らしかった。ちょっと不思議な体験でしたね」
――歌詞についても、なにか決定的な答えや結論を提示するわけじゃなく、映画そのものと深く触れ合っていると思いました。
「一組の男女や中学生たちとか、いろいろな人がいるなかで、彼らの〈これからのこと〉を表現したいと監督が言っていて。もうさよならなのか、そうじゃないのか、また会えるのか、会えないのか……。そういった複層的な感情を反映した曲になったんじゃないかと思います」
音楽家・菅原慎一の展望
――劇場公開だけに終わらせず、菅原慎一名義での第一作目として、サントラ盤という形でフィジカル・リリースするということ自体にも、菅原さんの並々ならぬ矜持を感じたのですが。
「〈これは絶対に良いものになるな〉という自信と手応えがあったから、作品としてリリースしたいと自分から映画スタッフ側へ伝えていたんです。ちゃんと形として残したい、と。それと、これはぶっちゃけ話ですが、盤としてリリースして、ある程度資金を回収しないと……という（笑）。音楽業界の厳しさも日々耳に入ってくるけど、映画業界も同じようにいろんな課題があるんだなあ、というのもわかって。だからこそ、規模感は大きくないにせよ良質な作品を今後も作り続けていくために、劇場での上映以外のアウトプットの整備をちゃんとやっていくって大事だなと思ったんです」
――最後に、これからのソロおよび菅原慎一BANDの展望を教えてください。
「劇伴音楽という仕事を終えたいま、〈100％自分〉という歌もののオリジナル・アルバムを作ってみたいなとは思っています。あとは、誰かと一緒に作品を作っていくという楽しさを今回再認識したので、他アーティストのプロデュースにも興味がありますね。いま、ちらほらそういう話もあったりして、自分でもどうなるかワクワクしているところ。そうしたオファーもお待ちしております（笑）」
LIVE INFORMATION
『ドンテンタウン』『Ground Scarf / Seashell Song』Wリリース記念
菅原慎一ミニライブ&サイン会
2019年12月18日（水） ココナッツディスク吉祥寺
開演：21:00
予約不要 入場無料
いなかまちにおんがくがなりひびく その41
2019年12月22日（日） 埼玉・カフェクウワ
開場／開演：17:30／18:30
前売り 3,500円／当日 3,800円（別途1ドリンク要）
出演：菅原慎一BAND／SaToA
