2019年にDAIZAWA RECORDSから鮮烈なデビューを飾った名古屋の新鋭ロック・バンド、EASTOKLAB（イーストオーケーラボ）が帰ってきた。

ライブ・バンドの演奏と電子音とを溶け合わせ、しかしプログラミングには一切頼らずに緻密さと構築美を追求したデビュー作『EASTOKLAB』。前作から一転、新作『Fake Planets』はダイナミックでワイルドかつ躍動的な作品になっている。開放的な景色を描く“Contrail”、激しいビートとギターが絡まり合う“Rainbow”、バックビートを強調した“Stud”。それを経たアルバムの後半では、音楽的な野心をむき出しにした挑戦的な楽曲が続いていく。

「カチッと固めたものを壊していくことから始まったんです」。フロントマンの日置逸人は、そう語る。その言葉どおり、バンドは一曲ごとに新たな姿を見せていくが、しかし日置は〈コア〉や〈芯〉といった言葉を繰り返し口にする。ブレない芯と、生々しい変化の瞬間。それらを伝える充実の『Fake Planets』について話を訊いた。

なお本作はデジタル・リリースのみの作品だが、タワーレコード名古屋パルコ店などの一部店舗やライブ会場限定で、クリア・ケース仕様のフィジカル盤が販売されている。モノとしての『Fake Planets』を手に入れたい方は、そちらをぜひチェックしてほしい（詳しくはこちら）。

 

最高到達点を越え、さらにその先へ

――コロナ禍のなか、EASTOKLABと日置くんはどのように過ごしていますか?

「ライブがなくなったので、練習する意味がなくなっちゃって。〈どうしよう?〉という流れから、以前とは全然ちがうことをやっています。メンバー全員がシンセサイザーやパッドを使って、ガチガチのダンス・ミュージックを作っているんです。もう録りはじめているんですよ。発表するかどうかはわからないけど、実験としておもしろいので。何にもならない可能性もあるんですけどね。自粛期間が明けたら、EASTOKLABとその〈EASTOKLAB（○○）〉とのツーマン・ライブをやりたくて（笑）」

――それはおもしろそう（笑）。新作にもダンサブルな曲がありましたし。『Fake Planets』の制作はいつスタートしたんですか?

「前作（『EASTOKLAB』）を完成させた後ですね。本当に手応えがあって、やりきった、やってきたことが実を結んだっていう感触があったんです。デビュー・アルバムということもあって、気合いを入れて細かいところまで気にしながら完成させたので、自分の年齢とかも含めて、最高到達点だったと思います。〈芯〉のようなものが出来たので、同じ手法ではもうこれ以上突き詰められないし、同じことを続けるのはつまらないなと思いました。

なので、しばらくは何も考えずスタジオに集まって遊んで、その流れから曲作りが始まったんです。前作の反動で、めちゃくちゃ適当にやりたくなって（笑）。カチッと固めたものを壊していくことから始まったんですね。ダンサブルな“Ten”やギターがカッティングしている“Stud”のような曲は、いままでだったら絶対に作らなかったと思います」

――前作でひとつのスタイルを打ち立てたので、一度ゼロに戻った? 〈これ以上行けない〉というデッドエンドな感じもあったんですか?

「〈ゼロに戻る〉というよりは、一度〈100〉まで行って、そこで頭打ちを食らったので、その〈100〉を超えるためにいろいろなことをやったのかなと思います。

もっと新しくて、もっとかっこいいものって何だろう?　そういう意識は、メンバー共通のものとして持っていたと思います。僕らはセッションで曲を作るので、もっとゾクゾクや高揚感を味わいたい。一度完成したものには、やっぱりゾクゾクしないんです」

 

ミスマッチのかっこよさもバンド・マジック

――前作についてのインタビューやcinema staffの辻友貴さんとの対談で、バンド・アンサンブルの身体性、肉体性を大事にしていると語っていました。今回は、それがより録音に出ていると思います。特にギターに顕著で、前作では他の音や空間と溶け合うようなフレーズを弾いていたのに、今回はカッティングしていたり、音が歪んでいたりと、だいぶちがいますね。

「いままでだったら僕が〈ノー〉って言っていたようなことが、まったくなくなったんです。ギターの西尾（大祐）くんがバンドに入ったとき、僕は冗談で〈カッティングとかしたら殴るから〉と言っていたらしくて（笑）。〈まさかこのバンドでカッティングができるとは〉と西尾くんが言っていました」

――あはは（笑）。

「セッションで曲を作るときはメンバー全員の瞬発力が重要なので、本当に〈筋肉〉が必要で。前作を作ったことで、各々〈筋力〉が一気に強くなったことで武器が増えて、いままでになかった引き出しを開けてもすぐに対応できるようになりました。新しいアプローチに対して、対応できないから〈ノー〉と言っていたのかもしれないって気づいたんですね」

――まるでアスリートのような話（笑）。

「いままでは4人が1つの方向に向かって動いていく感じでした。でも、ミスマッチになった瞬間のかっこよさもバンド・マジックなんだなってことに気づけて。

前作は〈自分たちのストロング・ポイントを全部出そう〉っていうテーマがあったので、必然的に曲に沿ったアレンジのイメージが出来上がっていて、そこに向かってみんなでトライしていく感じだったんです。今作はそもそも青写真や明確なイメージがないところから始まって、自由に何も考えず遊んでいたので、こういうふうになっていったのかなと思います」

 

回り道をしても強くてニュー・ゲーム

――“Rainbow”で聴ける速弾きのギター・リフや“Stud”のカッティングも、そういう遊びから生まれたのかなと思いました。

「そうですね。“Rainbow”は先にドラムのビートがあって、そこに対してみんなでさっと付けていったんだと思います。〈曲を作ろう〉っていうところから生まれた曲じゃないですね。“Stud”は、ドラムが跳ねているのが、いままでやっていなかったことだと思います」

――“Rainbow”や“Dive”ではギター・ソロが聴けて、そこも新しいですね。“Dive”のほうはリード・ギター的なフレーズの反復ですが。

「“Dive”は1日で完成したんですけど、その後5回くらいアレンジが変わって。でも最終的には最初とまったく同じところに戻ってきてしまいました。それもバンドのおもしろいところだなと思って。

模索して、試行錯誤して、回り道をしたことが、他の曲やアルバム全体にすごく影響するんです。いろいろと変化を重ねていって、また同じところに戻ってくるとしても、〈強くてニュー・ゲーム〉みたいな状態になれるんですよね」

――（笑）。“Farewell”はドレイクの“Passionfruit”っぽいベースラインから始まって、ギターの弦を擦った音が入っているなど、不思議な曲ですよね。その後、6分超の大曲“Living”、ダンサブルな“Ten”と、バンドの変化を感じさせる幻想的な3曲が続いて、驚かされました。

「エクスペリメンタルなものをやろうとしたわけではないんですけど、“Rainbow”や“Contrail”のような曲が出来ると、反動で対照的な曲を作りたくなるんですよね。自分たちが見せたいものは、もっと深いところにもあったので。

アルバムの曲順は、外から内へと向かっていくイメージを表現したかったんです。開放的な曲から始まって、だんだん心の内側のほうに入っていく感じで。そういうなかで、“Living”や“Farewell”のような曲を作りたいなって思ったんです。

当時はアンビエントとかをけっこう聴いてたので、それが自然と出てきた感じはあるかなと思います」

 

ACO『irony』で受けた衝撃と〈ヤバさ〉を表現したいという思い

――アンビエントというと、具体的には?

「前にMikikiで書いたアルバム・リーフとかムームとかの初期作品を聴いていました。でも、いちばん衝撃を受けたのはACOさんの『irony』（2003年）というアルバムです。たまたま友だちの車で流れているのを聴いて、びっくりしたんですよね。モスキート音みたいな、ものすごい超高域の音が鳴っているんですよ。その友だちに〈これ、スピーカー壊れとらん?〉って訊いちゃって（笑）。

“悦びに咲く花”とか、有名な曲はもちろん知ってたんですけど、『irony』は本当にアンダーグラウンドな作品で。音像がかなり攻めていて、ポーティスヘッドみたいなんです。メジャーで活躍されていて、『Absolute Ego』みたいなポップで大衆に向けたアルバムをちゃんと作った後に到達するのがこれって、めちゃくちゃヤバいなと思いました。

たぶん、これがACOさんのコア、本来の部分なのかなって。そこにすごく感動したんです。当時は、毎日ずっと『irony』だけを延々と聴いている状態でした。それが色濃く出ているかもしれません」

――『irony』にはムームや、くるりの岸田繁さん、渋谷慶一郎さんも参加しているんですね。

「ひさしぶりに音楽を聴いて、めちゃくちゃ感動しました。それで、聴く人に深く突き刺さるものを自分たちも作りたいなと思ったんです。

音楽的なかっこよさ以上に、〈熱〉というか〈気〉というか、そういうちょっとスピリチュアルな部分も含めたヤバさも、これからどんどん表現したいなって。最後にアルバムを仕上げる期間は、そういうことをずっと考えていました」

――ポップにわかりやすく伝えるよりも、日置くんが『irony』を聴いたときのように、深く突き刺さって、引っ掛かって取れないくらいの衝撃を与えるような作品を作りたかった?

「そうですね。大きく刺さるものじゃなくてもいいんです。ふとしたときに思い出しちゃうような小さいものだとしても、それが新しい感覚であればいいなと。僕らも作りながらその感覚を得たいし、聴いている人にもそれを感じてもらいたい。そういうことが、替えがきかない音楽をやることへの第一歩なのかなって。

ACOさんの『irony』は、場合によってはトラウマになっちゃうような作品だと思うんです。自分たちの音楽にも、そういう部分があってもいいんじゃないかなって。〈この音は自分たちらしくない〉とか、そういう狭い視野や短い尺度で測るんじゃなくて、もっとコアの部分でかっこいいと思えるものに向かっていきたいんです」

――俯瞰するのをやめたということでしょうか?

「たしかにそうですね。自分はレコーディング・エンジニアをやっているので、音のバランスや帯域の処理をすごく大事にしているんですけど、〈でもそんなの関係ないじゃん〉って思うようにもなった。〈かっこよかったらそれでよくない?〉みたいな。

本当に刺さるものは、そういう音楽的な要因を超越したところにあるのかもしれない。〈バランスを取ることがプラスなんだ〉っていう考え方をやめたんですね。バランスが崩れる瞬間もかっこいいと思うんです。

たとえばギター・ソロは、ギターがいちばん前に出るというバランスが好きじゃなかったんです。ギターがソロをガンって弾くと、他の3人はバッキングをしている状態になってしまうので。それより、すべての音が絡み合っている状態が好きだった。でも、単純にそのギター・ソロがかっこよくてぐっとくるものあれば、〈それでいいよね〉というふうに、だんだん変化していったんです」

――なるほど。ACOさんの『irony』以外に影響を受けたものはありますか?

「クラブ・ミュージックなんですけど、グリフィン（Gryffin）の曲はメンバー共通でずっと聴いていましたね。メロディーがめちゃくちゃかっこいいんです。ドロップとか、メロディーが盛り上がった後に楽器のフレーズがバツンってくる曲の流れや、その波がすごく綺麗だなって。ジャンルはちがうけど、自分たちと通ずるものを感じて」

――たしかに、メロディーを大事にしているところは共通していると思います。

「メロディーを立てるために何かを引いている感じがしないんです。全編マッチョなタッチで構成されているので、曲が〈落ちる〉瞬間がないんですね。最初から最後まで、ずっと上がっていく感じで」

 

パーソナルな表現に向かった歌詞

――では、歌詞を書くにあたって、日置くんのメンタリティーやマインドはどういう感じでしたか?

「大きなトピックがあったわけではないんです。とにかく綺麗な言葉、綺麗な日本語で歌いたい、というのがまずありました。文字として読んでも綺麗であってほしいし、音楽としても綺麗なものでありたい。

メンバーが言っていた言葉を借りると、そういうふうに生きていきたい、自分自身がちゃんと綺麗でありたい、ということなんです。そういう思いが歌詞にも出ているのかなと思います。

今回いちばん変わったのは、〈僕〉や〈君〉といった言葉を使うようになったことですね」

――以前は使わないようにしていると言っていましたね。

「それも、俯瞰して書きたかったからなんです。自分のなかから出てきたものだけで音楽を完成させるより、イメージとかいろいろなものを重ねて作っていたので。

今回は、自分が思っていることや具体的な出来事があって、それに対して書いているので、すごくパーソナルな感じになったと思います。前作まではそういう部分を見せたくなくて、一人称や二人称を省いていたんです。

でも、“Dive”で自分のコアの部分を書けたと感じたんですよね。すごくパーソナルなことを書いたので、〈これじゃダメかも、どうしよう?〉って不安に感じて。でも、ライブで歌っていて、いちばん熱が入るんですよ。いちばん気持ちよくて、いちばん伝わるなと思いました。

いままで絶対に譲れないと思っていたこだわりが、案外すごく小さいものだったんだなって思えてきて。どんどん自分の内側に入っていって、そこにあるものを装飾せずにそのまま歌う、それがいちばん綺麗なことなのかもしれない。それをどうやったら綺麗に伝えられるかなって考えていました」

――パーソナルなものを包み隠さずに歌うのは、美しいことではないと感じていたんですか?

「そうですね。僕らは、僕ら4人という〈作品〉でありたかった。個人の主張を入れるのは、〈作品〉じゃないと思っていたんですよ。4人のチームで作り上げたところに個人の気持ちが入ってくることによって、高尚さがなくなるような気がしていたんです」

――例えて言うなら、大理石の中にある理想形を掘り出していたというミケランジェロのような彫刻家から、感情を重視する近代の表現主義作家への変化というか……（笑）。

「あはは（笑）。でも、また戻っていく可能性もあるので。いろいろ試したけれど、自分たちのコアや芯の部分がかっこいいって思っているのは、やっぱりいまも変わっていない。その彫刻を、いろいろとアレンジできるようになったのかな」

――〈Fake Planets＝偽物の惑星群〉というタイトルについてはいかがでしょう?

「セッションで曲が完成していくたびに、出来上がった曲が自分の体験や経験、見たものや考えたことと内側でリンクする瞬間があって。自分の心のなかにあった、色も形もなかったものが、曲と結びついたときに色と形が生まれる瞬間があったんです。

それに名前をつけるとしたら、〈実体のない、変わった形の歪なもの〉という意味で、〈Fake Planets〉という言葉がぱっと出てきたんです」

――自分自身に近いものが出来たのに、〈Fake〉というのも不思議ですね。

「〈偽物〉というよりは、〈実体がない〉という意味が強いですね。たとえば、自分と同じ体験を共有した他人がいたとして、そのひとがその体験に対して自分と同じ色や形を感じるわけじゃない。ひとによって見え方が変わる、という意味での〈Fake〉ですね。まだ自分のなかでもまとまっていないんですけど」

 

『Fake Planets』は少し歪な形をした音楽

――最後に、『Fake Planets』はどういう作品になったと思いますか?

「いままで自分が作ってきた作品のなかで、いちばん自分らしいというか、本来の自分に近いものだと思います。いちばん自分にフィットして、いちばん自然なものが作れました。

客観的には不思議で、少し歪な形をしているものに感じますね。その歪さも美しいっていうふうに思えるようになったし、聴いている人にもそう思ってもらえたらいいかな」

――最初に言っていた、ダンス・ミュージックを演奏するEASTOKLABというのもすごく気になります。くるりやスーパーカー、サカナクション、最近のGEZANなど、ダンス・ミュージックに傾倒するのはバンドが充実した変化を迎えるタイミングなので。なので、期待しています!

「ありがとうございます。スタジオでは盛り上がって作っているんですけど、歌詞を書くために家で聴いていると、ふと〈これ、大丈夫なのかな?〉って不安になるんです（笑）。心が折れかけることもあるので、その言葉を励みに頑張ります」

 

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INFORMATION
EASTOKLAB、デジタル・ミニ・アルバム『Fake Planets』を会場&店舗限定でフィジカル・リリース

『Fake Planets』のフィジカル盤がライブ会場と限定店舗で販売。CDは全7色のクリア・ケースによるパッケージ。デジタル版未収録曲“Everything”のダウンロード・コードを封入。販売店は下記の他、EASTOKLABのオフィシャル・ウェブストアなど。

■CD取扱店舗
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