昨年、初のソロアルバム『メタモルフォーゼ』を発表し、今年に入ってからは大友良英とのデュオ即興作『ラムネと発電所』も世に送り出したジャズトランペッターの類家心平。このたび新たなメンバーを擁したカルテットによるニューアルバム『セルレア』を、ソロ作と同様、日本のジャズの〈今〉を発信し続けるレーベルDays of Delightから2026年6月11日（木）にリリースする。
類家によるカルテットのアルバムといえば、2006年に結成した4ピースバンドでファーストリーダー作『Distorted Grace』（2009年）と菊地成孔プロデュースのセカンド『Sector b』（2011年）をリリース。その後、ピアノがハクエイ・キムから中嶋錠二に替わり、ギタリストの田中“TAK”拓也を加えて拡大した5人編成のアグレッシブなエレクトリックジャズバンドRS5pb（Ruike Shinpei 5 piece band）を活動の主軸に置いてきたが、2018年にはRS5pbから派生したカルテットで『Lady’s Blues』をライブレコーディングしていた。だが全曲をオリジナルで占めた完全アコースティックカルテットによるアルバムは『セルレア』が初である。
メンバーはピアノが盟友・中嶋錠二。類家と中嶋はデュオとしても共演を重ねており、これまで『N.40°』（2014年）、『Duo』（2022年）の2枚のアルバムを発表。ベースは映画「敵」（2025年）のサウンドトラックが反響を呼んだことも記憶に新しい千葉広樹。千葉はフリーインプロビゼーションや実験音楽からアンビエントミュージックまで多彩なフィールドでも活躍、近年は類家とkaYakと名づけたエレクトロニックジャズのデュオユニットも組んでライブを行っている。そしてドラムは2018年に『For 2 Akis』で日本人2人目となるECMリーダー作のデビューを果たし、その後自身のレーベルnagaluを設立、現在は日本へ拠点を移しアジア圏を視野に入れて活動を展開する福盛進也だ。
誰もが楽器の扱いに熟達し、さらには音響の空間性を含めて捉える鋭敏な感覚を持ち合わせた、まさに強者揃いのカルテットである。どのような経緯で結成に至ったのか、なぜあらためてアコースティックジャズに取り組むことにしたのか、その背景にあるものとは何か、新作『セルレア』の制作プロセスについて、理想とする〈音色〉とは――類家心平に話を訊いた。
アコースティック演奏の可能性はどこまでも残っている
――今回、新たなカルテットを結成してアルバムをリリースされました。なぜ新しいメンバーで活動を始めたのでしょうか? もともとRS5pbから派生したアコースティックカルテットもありましたよね。
「RS5pbからギターの田中“TAK”拓也を除いたメンバーでライブを演っていたのは、当時南青山にあったBODY&SOULから出演のオファーをいただいたことがきっかけです。ジャズの箱だからエレクトリックは難しいなと思って、それで中嶋錠二（ピアノ）、鉄井孝司（ベース）、吉岡大輔（ドラム）と僕のカルテットで出演することにしました。主にジャズスタンダードを演ってましたね。2018年にBODY&SOULでレコーディングして、翌年『Lady’s Blues』というライブ盤を出しています。
その流れで2021年にBODY&SOULが渋谷に移転してからもカルテットを続けていたんですけど、やっぱりRS5pbとメンバーがほぼ同じなので、別のものを演りたいと思うようになった。最初のうちはいろんな人を誘ってライブしてましたが、続ける中で中嶋錠二、千葉広樹（ベース）、福盛進也（ドラム）という今回のメンバーに落ち着きました」
――BODY&SOULが新しいアコースティックカルテット結成のきっかけになったと。
「そうです。2年ぐらい前からこのカルテットで定期的にライブを続けています。RS5pbに限らず、僕自身の活動の中でエレクトリックな表現が多くなっていたこともありました。インプロビゼーションのライブでもエフェクターを使う場面が増えていて、それに対する反動じゃないですけど、アコースティックで表現することへの興味がだんだん膨らんでいった。だからそういうバンドが一つあったらいいなと思っていました。
アコースティックな表現はどの時代も変わらないという意味では普遍的だし、みんな生の楽器を操るミュージシャンだから、その可能性はどこまでいっても残ってる。最近はよりそういうふうに感じています。フリーインプロビゼーションのライブを演っても、楽器一つでどこまでできるのか、ということへのチャレンジが面白い。そういう要素もアコースティックのカルテットでは入れていけたらなと思っています」
――BODY&SOULは残念ながら今年9月末で閉店しますよね。50年以上の歴史を持つ老舗ですが、どんな思い出がありますか?
「初めて出演したのはurbのメンバーとしてでした。僕が上京して最初の頃に参加していたジャムバンドです。2004年にソニーミュージックからメジャーデビューしたんですが、その頃、TOKUさんとか小沼ようすけさんとか、ソニーミュージック関係のジャズミュージシャンたちがBODY&SOULに出演する流れがあって、それで僕らもライブすることになりました。urbはいわゆるストリート系のバンドだったから、ジャズみたいにスーツをビシッと決めるファッションじゃなかったんですよ。それでニットキャップを被って行ったら、オーナーの関京子さんに〈そんな格好しちゃダメよ〉ってすごい怒られた（笑）。まあ、いろんな思い出がありますね。それこそミュージシャンになる前から観に行ってましたし。トランペットの原朋直さんとか五十嵐一生さんがよく出ていて。歴史がある場所なので、なくなってしまうのは寂しいです」
中嶋錠二、千葉広樹、福盛進也とカルテットを結成した理由
――新カルテットのメンバーのうち、ピアノの中嶋錠二さんだけRS5pbと共通しています。中嶋さんとはアコースティックなデュオでも長く活動されていますよね。今回の新カルテットは、類家さんが中嶋さんとデュオで続けてきたことを発展させる狙いもあったのかなと思ったのですが、いかがでしょうか?
「たしかに、見方によってはそうとも言えますね。でも錠二とずっと一緒に演っているのは、単純に彼のピアノがいいなということが大きい。それと、錠二とはスタンダードの曲もわりと演っていて、それはデュオだと自由が利く、スタンダードでもいろんなところに行けるということもある。コンセプトを立てているわけじゃないけど、自然とそういう感じになっていて、それに対してカルテットはもうちょっと自分のオリジナル曲を演る傾向が強いですね」
――中嶋さんのピアノについて、具体的にはどのようなところに魅力を感じますか?
「オリジナル曲を演った時に、僕のイメージに近いピアノを弾いてくれるんです。長いこと一緒に活動しているのもありますけど、話が早いというか、ツーカーみたいな。細かく説明しなくても理解してくれる。
錠二はジャズが主戦場のミュージシャンで、歌伴からいろんなバンド活動までやっていて、何でも弾けてしまう。準備したものじゃなくて、毎回その場でいろんなアプローチをしてくれるし、嘘のないピアノを弾いてくれるんですよね。コードに対してのアプローチも既存のものとは全然違うし。そういうところが好きです。こっちの音をちゃんと聴いて返してくれる。当たり前のことだけど、それがしっかりとできるプレイヤーは実は少ない。だから僕にとってとても貴重な存在です」
――ベースの千葉広樹さんとはいつからお知り合いですか?
「千葉ちゃんとの付き合いは長いんですよ。錠二と同じぐらい前から知っていて、何度も一緒にライブしています。千葉ちゃんと服部正嗣（ドラムス）の3人でバンドを組んでいたこともありました。最近はkaYakというデュオユニットでも活動していて、去年1stアルバムを出しました。そこでは千葉ちゃんはベースを弾かず、モジュラーシンセとプログラミングを担当しています。彼はジャズのフィールドだけじゃなくて幅広い視点で音楽を捉えてくれる。もちろん彼のベースもすごく好きなので、一緒に演りましょうということで誘いました」
――千葉さんはエレクトロニクスも多彩ですが、アコースティックベースに関してはどんな魅力を感じますか?
「やっぱり音色が好きですね。あと曲に対してアイデアをくれるので、そこもすごく助かっています。例えば、今回は収録されていない曲ですけど、ベースの最低音のEよりも全音下のDの音をボロンボロンと弾き続ける曲があって。ライブではよく演っているんですが、普通のベースプレイヤーだとDは出ないからオクターブ上のDを弾くと思うんです。それでも演奏としては成立する。けど、初めてその曲をライブで演った時に、千葉ちゃんは自然と調弦を緩めて低いDを出してくれた。僕は何も言っていなかったのに、曲の雰囲気として低いDを出した方がいいという感覚をおそらく共有してくれていて。その辺のセンスはさすがだなと思いました。やっぱりオクターブが違うと音色がだいぶ変わってしまうので」
――ドラムの福盛進也さんはいかがでしょうか? 今回のカルテットでは最年少になります。
「進也くんと知り合ったのは最近なんです。一昨年（2024年）、青森県八戸市の〈南郷サマージャズフェスティバル〉で一緒に演奏して。もともとは齋藤悌子さんという沖縄出身のジャズシンガーとピアニストのデイヴィッド・マシューズがメインで、歌モノの曲をやる予定だったんですが、その2人がコロナに罹ってフェスに出られなくなってしまった。それでベースの人（松永誠剛）と進也くんと〈どうしようか〉と相談して。用意してきた楽曲ができないですからね。なので結局、そこではトリオでほぼフリージャズみたいなことを演りました。そしたら進也くんのドラム、やっぱりすごくいいんですよ。もちろん噂は聞いていたし、ECMから出したアルバムも聴いてましたけど、実際に演ってみたらとても面白かった。世界観が大きい感じがするというか、視野の広いドラムで。それから一緒に演るようになって、今回のカルテットでも声をかけたんです」
ジャズのど真ん中にいながら特殊な存在、マイルス・デイヴィス
――新しいカルテットのライブでは、たびたびポール・モチアンの“Blue Midnight”を取り上げていましたよね。中嶋さんとのデュオアルバムでも演奏していますが、あの曲が今回のカルテットやアルバムを考える上で重要ではないかと思いました。
「“Blue Midnight”は、たしか石井彰さん（ピアノ）のバンドで演ったのが一番最初だったと記憶しています。錠二とのデュオでも演りましたが、好きな曲なんですよね。今おっしゃったように、モチアンのああいう雰囲気や方向性が、僕のカルテットの軸になっている部分はあるかもしれないです。いわゆるビバップではなく、モーダルなジャズの中で、音色を音楽の重要なファクターとして捉えるというか。そういう意味で“Blue Midnight”は音色の重要性を表現できるフォーマットになっている気がする。曲の中で自由に動きやすかったりもしますし。自分の表現の振れ幅みたいなものを出せる曲だなと思います」
――モチアンはECMからのリリースも多いですが、類家さんはECMをどんなふうに捉えていますか? 以前、ニルス・ペッター・モルヴェルやアルヴェ・ヘンリクセンなど、ECM作品があるトランペッターをフェイバリットに挙げていました。
「ECM自体は、いろんな作品がありますけど、基本はリバーブが深いじゃないですか。そこは僕の好みとは少し違うんですよね。もちろん憧れやリスペクトはありますけど、それよりもアーティスト個人の音色が好きで聴いています。ケニー・ホイーラーも彼のトランペットが好きで。ECMの音色が好きというより、個性的な音色を持つアーティストがECMに多くいる。だからECM自体にものすごくハマったことはないですね」
――独特の音色や音響と言うと、ピアニストの菊地雅章さんもECMからのリリースがあります。それこそポール・モチアンとも長年一緒に活動していました。菊地さんのピアノはどうでしょうか?
「プーさん（菊地雅章）がECMから『Sunrise』を出した直後、2012年のブルーノート東京のコンサートを観たんです。それが結構衝撃的で。モチアンが亡くなった後で、プーさんとトーマス・モーガン（ベース）、トッド・ニューフェルド（ギター）のトリオでした。アルバムも好きでしたけど、コンサートにもびっくりしてしまった。“黒いオルフェ”以外はほとんど即興で、でも曲のようなんです。6〜7分ぐらいで一つの演奏が終わると、また新しい演奏が始まっていく。フリーのインプロビゼーションだけどガラッと違うものが始まる。あれには感動しました。バーンって3人が楽器を鳴らした瞬間、毎回、すごく新鮮な響きが出てきた。あの体験はいまだに僕の中に残っています」
――菊地さんにも大きな影響を与えたマイルス・デイヴィスは〈音色〉という観点からはいかがでしょうか? アコースティック時代の作品など、今聴くと抑制された雰囲気がアンビエントに近いように感じられるものもあります。
「マイルスはレコーディングにとても凝っていたと思います。あんなにトランペットが前にいる音像って珍しいんですよね。レコーディングの時の立ち位置や録り方によっても変わるんですけど、マイルスは本当に近くて、一番前に聴こえる。もうボーカリストみたいな立ち位置で、それは管楽器奏者にしては珍しい。前にいるとどうしても目立ちすぎてしまうし、粗も見えてしまうので、普通はあそこまでトランペットの音を前には持ってこないんです。だからマイルスはすごく特殊な存在。あれだけジャズのど真ん中にいますけど、変わっているんですよね。
アドリブの取り方も特殊です。コードがあるけど、そこでメロディーを作るようにアドリブしていく。チャーリー・パーカーと一緒に演っていたビバップ時代からずっとそうなんですね。ビバップだと普通はアドリブの時にコードに対して縦にアプローチする。でもマイルスは横。あんな人はなかなかいない。
ライブも変わっていて、当時の映像や写真を見ると、アコースティックで演る時に、マイクが遠くて、ほぼ生で吹いた音を少しだけ拾って拡張してる。でもトニー・ウィリアムスのドラムは音がでかかっただろうし、あれでステージの中でバランスを取って吹いているのは驚異的だと思います」
――他にアコースティックな音色で好きなトランペッターはいらっしゃいますか?
「たとえば近藤等則さんなんかは、ある時期以降ずっとエレクトリックで、晩年に出したスタンダード集のアルバムもディレイとかをガンガン使っていたじゃないですか。でも浅川マキさんと一緒に演っていた頃は生で吹いていて、アコースティックな音色もめっちゃ素晴らしいんですよね。音がビンビンですごくカッコいい。ただその後、エレクトリック路線を突き詰めていって、ハーモニーをエフェクターで重ねる感じとかも含めて〈近藤等則の音〉になっていったから、それはそれで確立された個性でいいなとは思います。
僕の場合はエフェクターを使うこともあるけど、アコースティックが持っている魅力や可能性も捨てきれない。自分の中でずっと持っておきたい。だから、生音でどこまでできるのか挑戦し続けたいです」
『セルレア』ではコンポーズも含めて一つの表現
――ライブではモチアンをはじめカバー曲も取り上げていましたが、今回のアルバム『セルレア』は全てオリジナル曲ですよね。オリジナル曲だけにしたのはなぜでしょうか?
「最終的にオリジナル曲で揃えたいという思いはもともとありました。今回のアコースティックカルテットではコンポーズも含めて一つの表現だろうなと考えて演っていたので。もちろんジャズスタンダードとかレジェンドが作った曲も好きですけどね」
――タイトル曲の“Coerulea”は、第1期カルテットの『Sector b』や昨年の初ソロ作『メタモルフォーゼ』にも収録されていました。ラテン語で〈青〉を意味する言葉を冠した曲ですが、この曲のイメージを中心にアルバムをまとめていったのでしょうか?
「いや、レコーディングの時は特に考えていなくて、出来上がってからその曲をタイトルに持ってきました。コンセプトを設けるというより、どれも自分が書いた曲なので、並べたら必然的に統一感が出るだろうなという感じで録っていきました」
――今回のメンバーであれば、全て完全即興でも高いクオリティになったのではないかと思います。そうではなくあくまでも楽曲を用意したのはなぜですか?
「完全即興のアルバムも作りたいですけどね。でもインプロビゼーションとコンポジションはどんどん近づけばいいなというのが僕の中では理想。即興演奏のアベレージを上げるために曲を作ってるところがあるんです。そういう心持ちでいると、演奏しながら曲がどう変化しても受け入れられるし、自由度が高まっていく。用意した曲たちを演奏していくうちに、最終的にそれが曲だったのか即興演奏だったのかわからなくなればいいなという理想を持っているので、そういう方向性で制作しました」
――収録曲はどれも譜面に書いて用意したのでしょうか? それともセッションの中で生まれた譜面のない曲も含まれていますか?
「今回はどれも書いています。実は意外と決めてるんです。即興っぽくなるところも〈ここで崩れる〉〈ここで戻ってくる〉みたいに指示していて、いわば台本がある演奏。ただ、方向性は決めているけど、その中の振れ幅とかは皆さんに任せました。地図を見ながら自由に行動するようなイメージです」
――今回のカルテットのために書いた曲はどれになりますか?
「2曲目の“Kichimu”と4曲目の“NIVA”、それと6曲目の“Noema”です。3曲目の“Augustus”はRS5pbでも演っているんですけど、だいぶアレンジを変えました」
――それぞれの楽曲について教えてください。“Kichimu”はどんなイメージで書いた曲でしょうか?
「言葉通り〈夢の中〉のようなイメージです。一つのテーマがあって、それをピアノとトランペットで行ったり来たりする曲なんですが、それがどんどん溶け合っていって、また違う展開が生まれてくる。それが夢の中というか、現実逃避的な感覚を生む。それで〈吉夢〉という曲名にしました」
――“NIVA”はいかがでしょうか?
「“NIVA”は村上龍の小説『コインロッカー・ベイビーズ』に出てくる登場人物の名前が由来です。あの小説、すごく好きなんですよね。〈カラギ島〉という架空の島も出てくるんですけど、そこから取って以前“Karagi”という曲を作ったこともありました。それはRS5pbの最初のアルバム『4 AM』（2013年）に収録しています」
――“Noema”は現象学の用語が由来ですか?
「そうです。ただ、後付けなので哲学的な意味を込めているわけではない（笑）。それより、今回収録している“Haoma”という曲と曲調が似ているので、語呂が近いこともあって曲名にしました。“Noema”はテーマだけ決めてあとは自由。最後にまた戻ってきましょうという曲なので、いわゆるフリージャズと構造的には一緒ですね」
音に情報量をどれだけ含ませられるか
――レコーディングは都内のスタジオ〈NK SOUND TOKYO〉で行っています。アコースティックな響きといっても、ライブと録音作品では印象が異なってくると思いますが、レコーディングの際にこだわったことなどはありましたか?
「レコーディングに関してはエンジニアのニラジ・カジャンチさんにお任せして、とてもスムーズにいきました。時間がかかるかなと思ったら予想以上に早く録り終えた。RS5pbだとスタジオに入って2〜3日かかることもあるんですけど、今回は昼頃から初めて夕方には終わったかな。
トランペットの音ってエンジニアによって結構差が出るんです。でもニラジさんにミックスしてもらった音を聴いたら納得できる音で。〈こんな感じで録ってください〉みたいなリファレンスも特に挙げなかったですね。それをやると逆に上手くいかないこともありますし」
――『セルレア』の大きな魅力はやはり、時に過激で時に幻想的なアンサンブルを編み上げる、アコースティック楽器ならではの音色だと思います。最後に、類家さんにとって〈理想の音色〉とは何かを教えてください。
「僕、音色を聴いて感銘を受けるプレイヤーと特に何も感じないプレイヤーがいるんですよ。同じ楽器であったとしても、好きな音とそうでもない音がある。それってなんだろうと考えた時に、まあ難しいですけど、〈情報量〉な気がするんですよね。出している音に情報量をどれだけ含ませることができるか。たとえばマウスピースを変えるだけでも別の音色にはなるけれど、そういうことの奥の方にあるものが重要というか。音に情報量を込められるかどうかは、ピアノだと違いが顕著で、同じピアノを弾いても人によって音色が大きく変わることがある。誰でも鍵盤を叩けば音は出るけど、情報量が違うんですよね。その差は面白いなと思うし、音に含まれている情報量が多い人の演奏を聴くと感動します。
あと、僕は地元が青森県なんですけど、小さい頃に八戸市公会堂というコンサートホールで自衛隊の音楽隊を観たんです。小学生の時にブラスバンドをやっていたから聴きに行って。その時に本当に感動してしまって、身体中がビリビリしたことがあったんですよ。それはいまだに覚えてます。音楽が良かったか悪かったかはわからないですが、とにかく生の音を浴びて感動した。今振り返るとそれも〈ああ、すごい情報量だな〉という音色の衝撃だったと思うんです。そこからいろんな音楽を聴いたり経験したりする中で、聴く耳も変わっていって、なかなかビリビリすることはなくなってしまいましたけど、でも、今でもあの時感じた衝撃を求めて音楽を続けているところがありますね」
RELEASE INFORMATION
リリース日：2026年6月11日（木）
品番：DOD-062
価格：2,750円（税込）
TRACKLIST
1. Invisible
2. Kichimu
3. Augustus
4. NIVA
5. Addiction
6. Noema
7. Coerulea
8. Haoma
（2026年3月17日 東京録音）
■演奏者
類家心平 trumpet
中嶋錠二 piano
千葉広樹 bass
福盛進也 drums
PROFILE: 類家心平
トランペット奏者。1976年の青森に生まれた類家心平は、10歳のときにブラスバンドでトランペットに出会い、高校生のときにマイルス・デイヴィスでジャズに開眼。高校卒業後に海上自衛隊音楽隊に入隊してトラペットの腕を磨いた。2004年にジャムバンド〈urb〉でメジャーデビューを果たすと、リーダーバンド〈類家心平4 piece band〉〈RS5pb（Ruike Shinpei 5 piece band）〉を次々に始動させ、多彩な作品を送り出す。一方では〈RS5pb〉のバンドメイトでもある中嶋錠二とのデュオユニット〈N40°〉や完全即興のソロパフォーマンスなど、さまざまな編成・コンセプトの活動を併行的に展開している。2025年にはキャリア初のソロプレイ作品『メタモルフォーゼ』をDays of Delightからリリースした。
■Days of Delight
公式サイト：https://www.dod-jp.com/
YouTube：https://www.youtube.com/@daysofdelight6986
