フリースタイル・ラップのサイファーのように、街角で歌声を重ねる音遊びとして1950年代のアメリカで広がったドゥーワップや60年代のグリニッジ・ヴィレッジで巻き起こったフォーク・リヴァイヴァルがそうであるように、ストリートから自然発生的に生まれる音楽にはいつの時代も変わらない躍動感があり、日常を力強く生きるなかで備わったタフネスが聴く者の心を掴んで離さない。
2016年に遊び場であったジャマイカン・ミュージックのパーティーで、マイクとギターを手にして自然な流れで歌い始め、クラブのフロアでその有機的な音楽性を育んできたShoko & The Akillaもストリート・ミュージックのオーセンティシティーを継承するフレッシュな男女デュオだ。ヴォーカリストにしてレゲエのセレクターでもあるShokoとギタリストのAkillaからなる彼らのデビュー・アルバム『Shoko & The Akilla』は、2人がそのスピリットにシンパシーを寄せるロックステディやスカ、ドゥーワップやR&B、チカーノ・ソウル、フォーク、ブルース、サイケデリック・ロックといった音楽が歌とギター、それらをバックアップするバンド・サウンドを通じ、10篇の簡素な音楽として伸びやかに鳴らされている。
クールハンターがマーケティング的な発想で作る机上の音楽が力を失いつつある現在の音楽シーンにあって、彼らが紡ぐ生のままの音楽は、COVID-19の逆境にあってさえ変わることなく、聴き手の日常に寄り添うものであり続けるだろう。甘く夢見心地で、しかし、しっかりと地に足をつけた作品をまさに放とうとしているShoko & The Akillaの2人に話を訊いた。
小学校低学年の時、姉や母と海岸レイヴに行った
――Shoko & The Akillaは2016年結成ということですが、2人とも同じ地元である湘南の出身なんですね。
Shoko（ヴォーカル）「はい。もともとは高校の同級生です。当時はお互いのことが好きじゃなかったんですけど（笑）、卒業後に音楽好きということで意気投合しました」
――それぞれのバックグラウンドを教えてください。
Akilla（ギター）「僕の父は自分でギターを弾いたりもする音楽好きで、クリームやジミ・ヘンドリックス、ジャニス・ジョプリンからそのルーツであるブルースといった音楽を教えてくれて、そこからギターを弾くようになったんです。僕が育った地元の藤沢はDINARY DELTA FORCEのホームということもあって、学校ではヒップホップ好きが周りに多かったんですけど、ロックだったり、それにまつわるカルチャーだったりが好きな人は少なくて。
地元で行き着けの古着屋さんを介して、今回のアルバムにベースで参加している大林（亮三、SANABAGUN／RYOZO BAND）と知り合って、同じようなロック好きということで高校2年の時にバンドを結成しました。そのバンドはセックス・ピストルズやラモーンズといった初期パンクと、地元で人気があった〈らぞく〉のようなジャム・バンドから影響を受けた音楽性。勢いに任せて、高校卒業後は東京で共同生活しながら活動を続けようと目論んでいたんですけど、見事に挫折して（笑）。これからどうしようかなと思った時に再会したのがShokoだったんです」
Shoko「私も音楽好きの父から（ローリング・）ストーンズやビートルズ、3人いる音楽好きの兄と姉のうちウェッサイ好きの兄からドクター・ドレや2パック、姉からは60年代ロックやソウルやファンク、ブラジル音楽など、ありとあらゆる音楽を教えてもらって、その姉には小学1、2年の時、地元の海岸でやっていたレイヴに連れていってもらったんですけど、そこに私を心配した母もついてきたり（笑）」
――はははは。ファンキーなご家族ですね。その流れで自分でも音楽をやろうと?
Shoko「いえ、私は小学生の頃から高校生の頃まで、スケートボードに夢中で、そこでも色んな音楽を教えてもらっていたんですけど、自分でやろうとは全く考えてなかったです。ただ、私はジム・モリソンやジャニス・ジョプリンといったロックスターの伝記映画を観るのが大好きで、そういう作品を観ながら、もしかすると私は観る側じゃなく、映画を撮られる側かもしれないって、妄想していたことはあります（笑）」
レゲエのレコードに合わせて歌う、食後のひとときが私たちの日課
――しかし、ここまでのお二人の話は、まだまだ、現在のShoko & The Akillaの音楽には直結しませんよね。
Shoko「高校生の頃、レゲエも聴いていたんですよ。ただし、スカやロックステディといったサブジャンルがあることは知らなくて（笑）。自分のなかでは全てが一緒くただったんですけど、高校を卒業した頃、ハウスのパーティーで踊っていたら、レゲエの要素がミックスされたトラックがかかって、波長があったというか、私、もしかするとレゲエがすごい好きかもしれないって。
そんな時に友達を介して再会したAkillaとお付き合いするようになり、彼が東京に出たいと言うので、地元を離れて一緒に暮らすようになったんですけど、レゲエ熱が高じて、自分でもレコードを集めるようになって。さらに渋谷のクラブ、Organ Barで毎月やっているジャマイカン・ミュージックのパーティー〈Version City〉に数年通っているうちにセレクターをやらせてもらうようになったんです」
Akilla「2人でレゲエのレコードを集めるようになったのは20歳の時かな。最初はブルー・ビートにハマって、リズム&ブルースやニューオリンズの音楽に通じるシャッフル・ビートと男女ヴォーカルの曲に自分のルーツであるブルース心がくすぐられたというか、どんどんレゲエに惹きつけられていったんです」
――レゲエはアメリカの音楽トレンドを糧に発展した音楽でもありますもんね。
Shoko「それで、毎晩、ご飯を食べた後、家でかけたレコードに合わせてAkillaがギターを弾くようになり、そこで私が歌うようになったんです。さらにそれが〈次この曲やってみない?〉ってことになり、〈じゃあ、歌詞覚えるわ〉という感じでレパートリーが増えていって、その食後のひとときが2人の日課というか、日々の遊びになっていったんです。
ある日、セレクターをやらせてもらうようになった〈Version City〉で先輩DJに〈いつか先輩がDJを引退して、自分たちがパーティーを仕切っていくことになった時、家でやってる音楽を人前でやってみたい〉というような話をしたら、〈いつかとは言わず、近いうちにやればいいじゃん〉って。それで2か月練習して、1回限りのつもりで初ライブをやらせてもらったら、〈意外といいじゃん〉ってことになり、翌月、そのまた翌月と続けているうちに気づいたらレギュラーになっていたという（笑）」
――初めて拝見したShoko & The Akillaのライブはクラブ・イベントだったんですけど、その活動は家での音遊びが夜の遊び場を介して、自然に発展していったと。
Shoko「そうですね。〈Version City〉を主宰している先輩たちが〈LONDON NITE〉や〈CLUB SKA〉のDJだったりもするので、周りにイベントをやってる方が沢山いて。そういった方の耳にも入って、始めてから2、3か月で他でもライブに呼んでもらえるようになっていったんです」
湘南の海の夕暮れ時をイメージしたインストからスタート
――夜遊びの現場で育まれた作品でもあるデビューアルバム『Shoko & The Akilla』について1曲ずつお話をうかがっていきたいんですけど、アルバムはAkillaくんのメロウなギター・インスト“Intro”で雰囲気たっぷりに始まりますね。
Shoko「アルバムにはインスト曲も入れたくて、私から〈海っぽい感じがいい〉というアイデアを伝えました」
Akilla「イメージしたのは、僕らがことあるごとに足を運ぶ地元、湘南の海の夕暮れ時ですね。例えば、活動するなかで、慣れないライブが増えて、気持ちが疲れた時とかに何をするわけでもなく海に行って、深呼吸したり、ぼーっとしたりするんです。付き合い始めの頃もよく海に行ってたし、初心に返るじゃないですけど、当時のことを思い出す意味で作った曲でもあります」
――2曲目のゆったりとたゆたうような“Earthy Smells”は、サイケデリック・ソウルやアシッド・フォークを思わせる牧歌的なサイケデリアが流れているように思いました。
Akilla「聴き始めたばかりのチカーノ・ソウルを自分たちなりに解釈して、初めて作ったオリジナル曲で、ずっとライブで歌ってきた曲なんです。その後、ライブで演奏するなかで曲がどんどんアップデートされていったんですけど、今回、バンドでレコーディングするにあたっては、2人の間でフレッド・ニールのアシッド・フォーク名盤『Other Side Of This Life』（71年）が盛り上がっていたこともあって、あのアルバムに感じられる牧歌的なサイケ感と曲名にあるようなアーシーな世界観をマッチングさせました」
――続く3曲目は、思い出野郎Aチームよりトランペットの高橋一さんを迎えた“Muriel”。7インチ・シングルで先行リリースされた楽曲にして、ロックステディの代表的アーティストであるアルトン（・エリス）&エディが1959年に発表したもののカヴァーです。
Shoko「“Muriel”は私がレコードで初めて買ったジャマイカの音楽なんです。アルトン・エリスは聴いていたんですけど、この曲の存在は知らなくて。大阪のDrum & Bass Recordsで見つけたんですけど、可愛いジャケットに惹かれて手に取ったLPに収録されていて、それ以来、大好きな曲になりました」
Akilla「今回アルバムを出す前にスロー・バラードの7インチを出したくて、デュエットで歌ってるこの曲がいいなって。当初、このアルバムは“Muriel”のようなシャッフルのスロー・バラードがいっぱい詰まった作品にしたいと考えたりもしたんですけど、さすがにクドいとShokoに止められました（笑）」
嘘でもいいから、いいことしか書かない歌
――4曲目の“日曜日の昼下がり”は、最小限のバンド・アレンジがアコースティック・スウィングにもリズム&ブルースにも聴こえるルーツ・ミュージック寄りの楽曲ですね。
Akilla「この曲はカリプソっぽい曲をやりたくて作った曲だったんですけど、今回のレコーディングにあたって、ジャグ・バンドが路上で演奏しているようなカラッとしたニュアンスを出したくて、ドラムはブラシのみ、ベースもエレクトリック・ベースをウッドベースっぽく弾いてもらいました。ライブではジャグ・バンドのマナーでウォッシュボードを入れて演奏してみたいですね」
Shoko「あと、メロディーもそうなんですけど、歌詞を考えるのもすごく楽しくて。こうなったら、ああなったらいいねって、2人で話していると止まらなくなっちゃうんですよ。想像の世界って、終わりがないというか、すごい幸せな時間なので、この先もずっと一緒に楽しいことができたらなって思いつつ、その気持ちを歌にしました」
――5曲目の“My Summer Love”は、60年代に活躍したR&Bグループ、ルビー&ザ・ロマンティックスのバラードが原曲のドリーミーなタッチはそのままにスローなスカに仕立て上げられていますね。
Shoko「最初はラジオで知って、そのあと家でヘビロテしていた曲なんです。そして、ある方から誕生日プレゼントに7インチをもらって以来、DJでもよくかける曲でもあって。調べてみたら、チカーノ・ソウルのレジェンド、サニー&ザ・サンライナーズやエイミー・ワインハウス、ヘプトーンズをはじめ、色んなアーティストがカヴァーしている“Our Day Will Come”も、ルビー&ザ・ロマンティックスがオリジナルであることを知って。特にエイミーのカヴァーは原曲とは違うスカのリズムが素晴らしかったので、そこからもヒントを得て、この曲もスカのリズムでアレンジしました」
――“My Summer Love”の夢見心地なムードはそのままに、6曲目のオリジナル曲“夢のような”はドゥーワップの名曲然としたオーセンティックなバラードです。
Akilla「この曲は全曲バラードのアルバムを構想していた時の名残ですね（笑）。コード進行はドゥーワップの定番で、まぁ、コーラスは入ってないんですけど、自分たちなりのドゥーワップをやろうとしました。嘘でもいいから、いいことしか書かない歌を作りたかったんです」
Shoko「作っていた時はチカーノ・ソウルの名作コンビレーション『East Side Story』をまさに聴いていたタイミングだったんですけど、私がどうしても惹かれてしまう、すっごく甘くて、ロマンチックな曲を作りたいという気持ちもありました」
Akilla「チカーノ・ソウル系のアルバムジャケットって、すごいイカついんですけど、中身は甘いソウル満載じゃないですか。そのギャップにまたやられるんですよね（笑）」
子守歌のようにずっと記憶に残るもの
――ゆったりした時間が流れる今回のアルバムにあって、7曲目の“側にいれば”は歌謡曲テイストを織り込んだアップテンポなスカ・ナンバーですね。
Shoko「この曲は、それまでスカを作ったことがなかった私たちにとって挑戦だった1曲ですね。難しかったんですけど、Akillaがギターでひたすらリズムを刻んでて、〈いいから、いいから早く! なんか歌乗せて!〉って急かすので（笑）、そのままの勢いで一気に作り上げました」
Akilla「今回のレコーディングでは、それまで経験したことのなかったことを沢山経験して、自分たちの生活や心境が変化していくなかで、いつだったか、2人の信頼関係を一番大切にしていくことが大事だよねっていう話をして。そういう歌を作ろうと思ったわけではなかったんですけど、結果的には自分たちにとって大切なもの、気持ちが反映された歌が最初のシングルになりました」
――続く王道のロックステディ“My Only Chef”は、Shokoさんの抜けのいいヴォーカルが強く印象に残る楽曲でもあります。
Shoko「歌い方はセレクターとして初めてかけたアーティストでもあるスーザン・カドガンを意識しました。この曲も“Earthy Smells”と同じ時期に書いた曲で、曲も歌詞も私が作ったんですけど、ライブでやったら、Akillaはどうもしっくりこなかったみたいで、1度やったきりでボツにされたんです（笑）。その時はスゴいショックで、携帯に書いてあった歌詞も全消去して、もう一生やらない!って思ったんですけど、今回、バンドで制作するにあたって、この曲のことを思い出して、アレンジを変えたら、よくなるんじゃないかなって」
Akilla「作ったのは2年くらい前だったっけ? その後、トレジャー・アイルがリリースしていたロックステディにハマったんですけど、そのイメージでアレンジしたら、しっくりくるものになったんですよ。だから、時間と経験が解決してくれた曲でもありますね」
――そして、9曲目“Blue Yes Blue”は、1967年にリリースされたレゲエ・シンガー、ドーン・ペンの初期楽曲。プリンス・バスターがプロデュースしたロックステディのレアナンバーですね。
Akilla「この曲は7インチがオリジナルだと10数万から7～8万、ロッカ・シャッカの再発盤も1万円を超えてて、とても買えないので、それだったら、自分たちでカヴァーしようと。そうしたら周りの友達がみんな気に入ってくれたので、それもまたうれしくて」
Shoko「今回のカヴァー曲では、今までライブでやったことのない“Muriel”と“My Summer Love”を取り上げたので、普段のライブでやってる曲のなかからも1曲取り上げたかったんです」
――2人がクラブでやっているライブと同じ弾き語り形態で歌われている“Oyasumi Song”でアルバムは締め括られます。
Akilla「この曲はまさにアルバムの締めくくりを意識してつくった子守歌です」
Shoko「子守歌って、記憶にずっと残るものじゃないですか。自分たちの音楽もそうなったらいいなって思ったんです。タイトルはEテレで24時前に放送してる5分間番組『2355』の〈おやすみソング〉というコーナーから。ジャズ・シンガー、ペギー・リーの“I Don't Want To Play In Your Yard”はその番組でかかってて知ったんですけど、〈寝る前の曲〉という音楽の聴き方がいいなと思って、自分たちでもそういう曲を作ってみたかったんです」
古い曲ではあっても、自分の時間にとっては新しいもの
――以上10曲を解説していただきましたが、アルバムをまとめあげる音の質感、音作りに関してはいかがでしたか?
Shoko「私たちはレコーディング経験も知識もまだまだなので、エンジニアの中村督さん、マスタリング・エンジニアの山崎翼さん含む周りの方たちと相談しながら進めていったんですけど、今回の音作りとしては、その場で鳴っている音が醸し出す空気感を作品に封じ込めたかったんです。以前はヴィンテージの音を求めた時期もあったんですけど、アルバムでカヴァーしている昔の曲のような空気感を再現したかったわけではなく、昔の音楽を自分たちなりに消化して、今ある機材で表現しようと思いました」
Akilla「アンプは普段ライブで使っているものを使って、レコーディングしましたし、周りの格好いいギタリストのアドバイスと自分もブルースが好きということもあって、ギターもアンプ直結でエフェクターを使わず素に近い音で、トーンを絞って、ちょっとこもった感じの箱鳴り感を意識しましたね」
――個人的には、〈ヴィンテージ〉という表現が当たり前になった現代において、豊かな音楽遺産に触発されつつも、過去に引きずられることなく、現代を生きる音楽家の剥き出しのパッションが楽曲に宿っていること、躍動感に心揺さぶられるものを感じました。
Akilla「仙人掌さんやCampanellaさんのようなラッパーやBUSHMINDさん、16FLIPさんといったヒップホップがルーツにあるDJとライブでご一緒させてもらうことも多く、現代の音楽も聴くことは聴くんですよ。でも、それとは別に自分のなかでのリアルタイムな音楽、古い曲ではあっても、自分にとっては新しいというか、周りの流れに関係なく、自分の軸、流れている時間があるんです。
大切なのはオリジナルが持っている、溢れるようなエネルギーと同じものがあるかどうか。緊急事態宣言が出た後、時間をたっぷり使って、聴いては細部の微調整を繰り返したミックス、マスタリングも含め、アルバム通して、自分たちの意思が明確に打ち出されたサウンドになっていると思いますね」
