Mom『終わりのカリカチュア』ヒップホップやフォークのマナーで形にした〈インスタントな風潮への反発〉

この1年をどう生きたのか──。〈反発〉を形にしたポップ・ミュージックたちをミックステープ的に編んだ新作から浮かび上がるのは、根源的な歌の力で……

どう生きていたのか忘れないように

　ヒップホップ的なビートやフロウ、コラージュ感覚と、シンガー・ソングライターとしての研ぎ澄まされたストーリーテリング／メロディーセンスを併せ持つ新世代クリエイターのMom。昨年7月にリリースされたサード・アルバム『21st Century Cultboi Ride a Sk8board』は、コロナ禍の逆境にあってライヴをはじめとするリスナーとの接点が狭まるなか、収録曲の“あかるいみらい“が今年3月にAppleのTVCMに起用されるなど、そのオルタナティヴな作品世界はより広いフィールドへ着実に拡がりつつある。

「前作はリリースこそ昨年の7月だったんですけど、コロナ以前に制作したアルバムだったんですね。だから、コロナ以降の心持ちや空気感はすべて今回のアルバムに反映されてます。音楽に限らず、表現によって自分の意志を時代に残していく人たちというのは、みんな、何かしなければいけない、何か作らなければいけないと考えたと思うんです。自分の場合はライヴが軒並み中止になってしまったので、2020年、2021年をどう生きていたのかを自分が忘れないように歌に残そうと、ひたすら曲を書いていましたね」。

Pop

Apple Musicで聴く

　セカンド・アルバム『Detox』以降、真偽の判別がつかない情報や加速する消費傾向の渦に揉まれる日々の生活をシニカルなリリックで考察してきたMomにとって、コロナ禍が浮き彫りにした現代社会の狂騒は自身のクリエイティヴィティーを大いに刺激するもの。前作から1年ぶりとなる4枚目のアルバム『終わりのカリカチュア』は、30曲以上の候補曲から19曲を厳選した大作となった。

「音楽をやっている人間として、歌を作ったり、それを人前で披露したりすることで何か前向きなエネルギーが生まれたほうがいいんでしょうけど、僕がただ〈俺たちは大丈夫だよ〉と言ったところで、みんな生きていけるんだろうか?とも思うんですよ。もちろん、先の見えない流動的な状況がずっと続いていくなかで、〈みんなで繋がっていきましょう〉というメッセージに勇気づけられる人もいるとは思うんですけど、音楽やスポーツのようなものは政治利用されやすかったりもするし、〈この映画は泣ける〉みたいな形で感動や感情が安易に商品にされてしまったりもする。そう考えた時、自分は前向きなメッセージだけを糧に生きてはいけないし、自分と同じようにメッセージに対して懐疑的で、輪からはみ出してしまう人はたくさんいると思うんですよ。そういう人たちにとっての光となるものが、音楽を通じて一気に発露していくようなイメージで作品を作らなきゃダメだなって」。

　2ステップの洗練されたビートが疾走する先行シングル“祝日”は、そのタイトルに反して寄り添う2人が共有する空虚さや不安感を滲ませ、ヒップホップのアティテュードにも大きな影響を与えた映画「スカーフェイス」の名フレーズと同じ曲名の“ワールドイズユアーズ”もキャッチーな楽曲と共に描かれる未来は決して明るいとはいえない。

「歴史というのは〈華やかなものが残る〉というか、権力者がそうやって意図的に編んでいくものじゃないですか。だから、人々の時代精神が知りたければ、その時代に歌われている曲や言葉、映画なんかを紐解くべきであって。どれだけ華やかな歴史がそこにあったとしても、空しさや悲哀、怒りを持って生きていた人々はいたと思うし、そういう時代精神と結び付いたものをアルバムという形で残したかったんです。そういう声なき人の声を投影した表現こそがヒップホップであり、フォーク・ミュージックでもあるという」。

自分なりの反発が形になった作品

　バウンス・ビートとオルタナティヴ・ロックが交錯する“恋はみずいろ”やサイケデリックなフォーク・ナンバー“ソングフォージエイリアン”など、ジャンルから積極的に逸脱する自由奔放さと風刺を意味する〈カリカチュア〉を極めたリリックが一体となったアルバム前半から、外との繋がりを求め、よりエモーショナルな広がりを見せるアルバム後半へ。メロウなグルーヴが無常観と寄り添う“心が壊れそう”やささくれ立ったギター・サウンドと共に本当に信じられるものを追い求める“Momのデイキャッチ”、影に抗って歩みを進める“泣けない人には優しくない世界”など、ソングライターとしてのMomの表現世界が聴き手に語りかけるように響く。

「ローファイからハイファイに移行した前作に対して、今回は曲を書いていくなかで、精神的なところから自然と生まれてくる音を意識したというか。言い方を変えれば、手法を意識しないサウンドですよね。自分自身、新しく出てきた音楽をまったくチェックしてなかったわけではないんですけど、あまり響くものが感じられなくて。それは今回のアルバムのスタンス、歴史の話にも関係してくるんですけど、どれだけセンセーショナルなサウンドであったとしても、数年経てば普遍的な歌になるじゃないですか。だから、僕はフランク・オーシャンであっても、キッド・カディやエリオット・スミス、ナイン・インチ・ネイルズであってもシンプルに〈歌もの〉だと思って聴いているし、わかりやすい例を挙げるなら、ナイン・インチ・ネイルズの“Hurt”をカントリー・シンガーのジョニー・キャッシュが取り上げた名カヴァーにシンパシーを覚えるんですよ。インダストリル・ミュージックとしての原曲アレンジはトレント・レズナーそのものというか、そのアレンジに彼の野心があると思うんですけど、そういうものを取っ払ったジョニー・キャッシュのカヴァーが根源的な歌の力を改めて実感させてくれた。今はやろうと思えば器用に何でもできる時代だし、アレンジによって世の中に迎合する流れがより強まっているからこそ、自分が音楽において信じられるものを再確認したかったんです」。

　あらゆる物事が単純化され、記号化される高度な情報化社会において、音楽だけでなく、人間の感情さえもわかりやすく類型化、フォーマット化されつつあるが、その波に抗うように放たれる19曲には、ヒップホップやフォーク・ミュージックのカウンターなスピリットが宿っている。

「音楽がどんどんインスタントに生まれ、消費される傾向が強まっていくなかで、アートワークもぱっと見で、どんな音楽かわかるようなものになってるじゃないですか。だからこそ、今回のアートワークは記号的なものからはみ出して、不思議な感覚や違和感をふわっと喚起するものがいいなって。笑っているのか悲しんでいるのかよくわからないものや相反するものが共存する瞬間は日常にも普通にあると思うんですけど、僕はそういう音楽が大好きだし、この作品では、明確な答えがないことも含め、簡単には割り切れない人間の感情が伝わるといいなって。そういうパーソナルな感情を剥き出しにしつつ、とはいえ外に向けた作品を作ろうという意識は強くあって、自分なりに伝え方をコントロールして、爽やかな終わり方になっていると思います。〈自分〉という存在を通して描く真実味のある物語や〈19曲〉という曲数も含めて、今回のアルバムには自分にとってのヒップホップやヒップホップのミックステープ的な密度で編んだポップ・ミュージックが詰まっていますし、昨今のインスタントな風潮に対する自分なりの反発が形になった作品なんだと思いますね」。

左から、ジョニー・キャッシュの2002年作『American IV: The Man Comes Around』（American／Lost Highway）、ナイン・インチ・ネイルズの94年作『The Downward Spiral』（Nothing／Interscope）

〈クラフト・ヒップホップ〉を起点にポップスの可能性を広げてきたMomの足取り

Pop

GarageBandを使用して作詞／作・編曲からミックスまでを自身で担った初音源。みずから〈クラフト・ヒップホップ〉を標榜し、トラップ以降のヒップホップ・ビートと、ギター1本で事足りるようなフォーキーな歌心を併せ持つスタイルはこの時点で確立されており、ローファイな質感のそこかしこに初作ならではの遊び心が。

Pop

“あかるいみらい”に先駆けてAppleのCMに起用された2ステップ調の“Boys & Girls”を含む2作目では、前作と比較してよりパーソナルな色合いを強めた歌世界を披露。引き続きGarageBandを駆使しつつ、自身の歌声とギター、サンプリングのレイヤーに彼らしいポップセンス／時代感を滲ませている。