昨年12月にソロアルバム『DREAM LAND』をリリースしたばかりのermhoiは、millennium parade、Black Boboiの一員としての活動を通じて注目を浴びている変幻自在のソロアーティストだ。2012年にボーカリスト、トランペット奏者として、4人組ジャズバンド、Mr.Elephantsで活動を始めると、2015年にはエレクトロニカやアンビエントに傾倒した初のソロアルバム『Junior Refugee』をリリース。そのほかにも人力ミニマル楽団の東京塩麹やモノンクル、ドラマー石若駿のソロプロジェクトであるAnswer to Rememberなどの作品やライブに参加しながら、ファッションブランドや演劇、TVCMへの楽曲提供を行うなど、ジャンルやスタイルにとらわれないボーダーレスな活動において、高い柔軟性とオルタナティブな個性を発揮している。
フルアルバムとしては前作から実に6年ぶりとなる『DREAM LAND』では、シンセサイザーやDTMを駆使して紡いだ繊細にして心地よいエレクロニックなサウンドスケープやビートと、自身で歌い演奏するピアノやハープ、さらにストリングスやウッドベース、ノイズやフィールドレコーディングの素材などが、夢と現実の狭間に混在する唯一無二の音楽空間を現出。そして、その手で掴めそうで掴めない、夢のような作品世界は聴き手の想像力をどこまでも喚起しながら、彼女のあらゆる音楽に対するオープンで挑戦的なスタンスを浮き彫りにしている。
コロナ禍において全世界的に不思議な孤立状態が続く昨今、不確かな状態から生まれる不安感に足を絡め取られることなく、想像や夢想をクリエイションに転換するための実験を厭わないermhoi。彼女が生み出す音と言葉の響きはポジティブだ。その尽きない想像力や夢想力の源泉を探るべく、新作アルバムについて話をうかがった。
常に個としての自分を保ちたい
――ここ数年、Black Boboiやmillennium paradeの一員として、はたまた映画の世界で声優や音楽家として、活躍の場が拡がり続けていますが、ご自身の活動を振り返っていかがですか?
「私は興味の範囲が広いということもありますし、一つ一つの仕事から得られるものはたくさんあるので、オファーが来たら、スケジュールの都合やよっぽど自分に合わないもの以外、基本的には断らないスタンスで長年活動を続けてきたんです。だけど、確かにいろんなことをやっているし、振り返ると、自分でもびっくりするくらいです（笑）。
もともと、私は、例えば、学校や部活動、仕事とか、そういう何かしらの、何処かしらのコミュニティーに属しているという感覚が希薄で、一つの場所にどっぷり浸かるんじゃなく、いろんな所に関わっていく在り方のほうが合っていて。仮にどこかのコミュニティーに混ざっていたとしても、個としての自分を保ちたいんですよ。
そのうえで、その場に応じた自分の立ち位置や役割を汲み取りつつ、自分を含めたみんなが居心地のいい環境作りを考えていったほうが、すべての活動を楽しくできる。そういうことを活動のなかで学び続けているんですけど、常に一緒に動き続けているmillennium paradeの現場でさえも毎回戸惑いがありますし、その度に状況にアジャストしながら活動している感じですね」
――millennium paradeは、音楽に限定されないアーティストたちがお互いを刺激し合いながら、これまでにない作品を生み出しているコミュニティーとして注目されていますが、ermhoiさんは帰属意識が希薄であると?
「有機的な人との繋がりを通して、コミュニティーを広げていくスタンスに憧れはあるんですけど、自分のシャイさゆえにまったく接点のない人とその場で話し込んで繋がっていくのが苦手で。知り合いの知り合いみたいな出会い方だったり、そうかと思えばオンラインで連絡をくれた人と会ってみたりとか、ダイレクトではなく、間接的な繋がり方がほとんどなんですよ。ミレパも私が2015年にファーストアルバム『Junior Refugee』を作った時に、東京塩麹の額田（大志）くんか石若駿のどちらかが（常田）大希にそのアルバムを紹介してくれて。お互いインディペンデントな音楽家としてDaiki Tsuneta Millennium Parade名義のアルバム『http://』（2016年）のレコーディングに誘われたことをきっかけに、活動に参加するようになっていったんです」
――かたや、Black Boboiというのは、それぞれが個で活動してきた小林うてなさん、Julia Shortreedさんと、活動の基盤となるコミュニティーを作ることを意識して結成されたグループですよね?
「そうですね。私が所属するコミュニティーレーベルのBINDIVIDUALとBlack Boboiは例外というか、自分にとって特殊なケースなんですよ。なおかつ、数年前に結成したBlack Boboiは、新しく見つけた居場所というか、新しい人との出会いや表現方法、ツアーに出ることを含めた活動形態も含めて、初めての体験だったし、自分にとって刺激がありつつ同時に居心地のいい場所だったんです。
さらにコロナ禍で籠もる日々が続くなかで、3人それぞれが世界に対して思うこと、自分の人生に対して思うことも少しずつ形を変えていって、大きく重なる部分と違う部分を再認識していったことで、自分にとっての大事な心の拠り所になっていったというか。いつも一緒にいるわけではないですけど、言葉を交わしたり、会ったりすると、3人の絆や自分を思い出すんです。だから、バンドというより、家族みたいな、不思議な形態になっていってるような気がしますね」
ルーツレスであることを自覚したパーソナルな表現
――ボーカリストとしてはAnswer to Rememberの“TOKYO”（2019年）のようにジャズの難曲を歌いこなしつつ、Black BoboではDTMをベースとしてミニマルかつシネマティックなポップミュージックを紡いでいる。さらにソロでは抽象的な電子音楽からシンガーソングライター然としたピアノの弾き語りまでやっていて、表現が多岐にわたっていますよね。
「人それぞれ、好きな音楽や影響を受けた音楽に幅はあると思うんですけど、私の場合、その幅がさらに広いからこそ、いろんな音楽活動に参加したいし、実際にそうしてきたんです。私の作品のコアにあるのは、幼少期から今に至るまで、一人で聴いてきた音楽だったり、観に行ったライブで勝手に感動して自分のなかで蓄積されてきたようなパーソナルで主観的なものだったりするのかな。
今回の作品は、それを全部詰め込んでいて、他者についてとか、どう見られるかを全く考えずに作ったんです。例えば、ミックスの作業をしている期間に聴いていたのは、クラークの『Playground In A Lake』（2021年）なんですけど、NYのシンガーソングライター、エディ・フロントが2015年に出した唯一のアルバム『Marina』やモーゼス・サムニーの作品からの影響もあるように思います。
自分のなかでの生楽器と電子音の配分は、ベイルートとかスフィアン・スティーヴンスのような一筋縄ではいかないアーティストから受け続けてきたインスピレーションが大きかったりもするし、影響を受けたアーティストを挙げればあまりにキリがないというか、言葉で説明するのは難しいんですよね」
――ただ、今回のアルバム『DREAM LAND』は“埋立地”という曲からはじまりますが、埋立地というのは、つまり、人工的に作られた新しい土地、歴史やルーツがない土地ですよね。だから、ermhoiさんの生み出すフリーフォームでエレクトロニックな表現世界はルーツレスであることが前提となっているように思いました。
「そうですね。私はルーツに憧れを抱きつつ、これまでアイデンティティークライシスに陥ったことがあるかというと、そんなに深い問題を抱えていたことはないんです。日本人の父とアイルランド人の母のもと、彼らが幼少期から育ってきたわけではない山梨の地に生まれた。その土地に根ざしたコミュニティーに属することもなく、家では父が好きなジャズやボサノバ、母が好きなワールドミュージックが流れるジャンルレスな環境で育ったので、学校で友達が、お祭りとかお盆とか自分の家にはない習慣について話したりすることに羨ましさを感じることもありました。
大学時代は、専門は違ったんですけど、イタリアに1年留学したときに現地の民族音楽を知りたくて、いろんな街に行ったんです。そこで民族音楽の演奏やフォークダンスを観たときにすごく憧れを抱いたんですけど、自分にはそういうものがない。でも、自分にはルーツがないからこそ、伝統音楽のような脈々と継承されているフォーマットとかその正当性、順序といったことに関係なく、自分が受けた刺激を自由に表現できるんだなって。そういう認識に立って音楽を作ってきたことが、今回の作品から受け取ってくれたルーツレスな印象に繋がっているのかもしれないですね」
――言い換えるなら、ermhoiさんの音楽は、ルーツレスであることを自覚したパーソナルな表現であると。
「そうですね。例えば、〈埋立地〉というものをどう捉えるのか。私の場合は清々しい気持ちになるんですね。でも、人によっては人工的でネガティブな印象を持ったり、受け取り方はさまざまだと思うんですけど、そういうパーソナルな世界が深まることで、他の人のパーソナルな世界に繋がったり、重なったりして、共感が生まれるんだろうし、自分の音楽の起点は全部パーソナルなものだと思っているので、そういう表現を恥ずかしからず、プライドをもって提示したいと思っていますね」
――本格的な音楽活動を始めるきっかけとなったジャズバンド、Mr.Elephatsではボーカルとトランペットを担当されていましたが、ソロでは一転して、DTMを駆使して、エレクトロニカやビートミュージック、ノイズ、アンビエントの影響が色濃い作品世界を追求されていますよね。ermhoiさんのなかで、ご自身の表現の軸となる楽器というのは?
「子供の頃からピアノは弾いていたし、自分のなかで音楽がおもしろいものだと気づかされたのは小学生の頃から始めたトランペットだったりするんですけど、私は作品を作る際に軸となる楽器を決めたくないんですよね。ソロの制作では、スタート地点はDTMでシンセサイザーを決める作業から始めるんですけど、その音色が鍵盤系なのかドラム系なのか、あるいはノイズ系なのか、はたまた、声を録ってみるところから始めるのかは毎回違っていて。別に意識して毎回変えているわけではないんですけど、自分はルーティーンがあまり好きではないのか、違うことをやってみようと毎回自然と考えてしまうので、メインの楽器や作曲の軸がないんですよね。
例えば、今回のアルバムだと“Kani”という曲の作り方はシンプルで、最初にピアノのコード進行を考えて、そのうえにメロディーを乗せ、歌詞を付けたものになるんですけど、他の曲ではサンプルの加工から始めたり、シンセサイザーの音色を加工するところから始めたり。“House”ではハープを弾いているんですけど、その演奏のパターンに対して、メロディーをつけて、そのまま録ってみたり、曲ごとのアプローチは本当にバラバラなんですよ」
現実と抽象的なイメージを行ったりきたり
――つまり、制作自体が定型にとらわれず、フリーフォームであると。『DREAM LAND』というアルバムタイトルにあるように、夢と対になっている現実が入り交じり、揺らめいている作品世界やテーマは制作の最初の段階からイメージしたものだったんですか?
「〈DREAM LAND〉というワードは、前作『Junior Refugee』をリリースした直後くらいからかな、5～6年くらい私の頭にあって、その発想がどこからやって来たのかわからないくらいふっと思い付いたものだったんです。自分が作っている世界観というのは決してハッピーなだけではなく、それでいて、ダークなだけでもない、混沌としたものを孕んでいるし、思ってもみない驚きを求めているところもあるので、そういうものをひとくくりにしたときに〈夢〉や〈DREAM〉という言葉がいちばんフィットするんじゃないかなって。
そして、この数年、コロナも関係しているのか、いろんな人の作品を聴いていても、内面を意識した作品が増えている気がするし、瞑想やマインドフルネスの考え方が注目されたりしているじゃないですか? 私もそういうことに興味がありますし、入眠時幻覚が自分の制作過程にも似ているというか、出来上がった曲を数日後に聴き返すと、どうやって出来上がったのか思い出せないこともあったりして、『DREAM LAND』というタイトルがぴったりだなって」
――ご自身が没頭して制作する作品そのものが、夢と現実が入り交じった世界そのもの、ということでしょうか。
「そうですね。音と戯れるように、没頭して生み出すサウンドは私にとって夢のような時間であるのに対して、歌詞の部分は、身の回りで起こった出来事がベースになっていて、困難が立ちはだかったとき、その問題を俯瞰してみることで見えてくる世界を歌詞にすることが多いですね。
曲によっては、近所でやってた工事によって家が揺れて、毎朝起こされる日々をそのまま書いた“House”があったり、実際に埋立地に行ったことをきっかけに作り始めた“埋立地”もあったり、海辺に行って感じたことを言葉にしてみた“Kani”があったり。現実の題材をもとに、それを自分なりに広げる方法がぼんやりしているというか、現実と抽象的なイメージを行ったりきたりしているんです。
非日常から日常、抽象的な表現から輪郭がはっきりした表現へと移ろっていく流れは意識したところもあるんですけど、音楽そのものが持っている流れをよりスムーズに繋げたり、逆にコラージュ的な断絶を設けたりしながら、アルバムの流れは感覚的に作っていきました。私は別に非科学的なことを言いたいわけではないんですけど、感情や視覚的なものはすべてを言葉で説明できないというか、そういう言語化できない感覚を大事にしているし、だからこそ、私は音楽をやっているのかなって再認識しましたね」
――ご自身のなかで視覚的なイメージと音楽は結びつくものだったりしますか?
「映画が大好きですし、物事を観察するのが好きで、どんな対象であってもずっと見ていられるんですよ。そうやって感じた立体的な奥行きとか、色が重なって濃くなっていく感じ、例えば、水の深さや冷たさ、柔らかさであるとか、視覚的に受け取った感覚と音の感覚をリンクさせてみたいと常に考えていて。自分で作った曲を人が視覚的にどう表現するのかにも興味があるので、MVを作る時は人に委ねて、一つのコラボレーションとして捉えていますし、いつかは映像作品も作ってみたいですね」
音楽に求めているのは、驚きと心地よさ
――ご自身の活動の一環で、映画「竜とそばかすの姫」で声優を担当されたり、映画「ホムンクルス」（いずれも2021年）の音楽を江﨑文武さんと一緒に担当されたり、それもまた音と映像がリンクした表現の一つだと思うんですけど、実際に制作に携わってみていかがでした?
「映画音楽の制作は自分の夢でもあったし、映画音楽は通常の音楽制作とは違って、ストーリーの流れや登場キャラクターに合わせたり、映画ならではの音楽の付け方があると思っています。『ホムンクルス』では、映画のサウンドトラックや通常の音楽作品を参照しつつ、新しい発想やアプローチの仕方に則ったり、逆にずらしたりしました。文武との共同作業はすごく楽しかったですね。
音と映像表現の組み合わせが独特な作品だと、ワンオートリックス・ポイント・ネヴァーが音楽を手掛けた映画『アンカット・ダイヤモンド』（2019年）のサウンドトラックにはかなり驚かされたんですけど、ああいう試みが出来たのはOPNの濃厚な個性があって初めて成立するものだとは思いつつ、自分もそういったアプローチで映画音楽を作ってみたいなって（笑）」
――実際のermhoiさんも夢と現実を行き来しながら、まだ見ぬ世界を夢想し続けていると。
「私が常に音楽に求めているのは、驚きと心地よさなんですよ。聴く人はもちろん、自分をも触発するような驚きがない音楽は個人的にやる意味を感じないし、それと同時に音像や展開、踊れるのかノレるのか、心が安らぐのか、いろんな意味での心地よさがあると思うんですけど、両方が同時に存在していることが自分の音楽において大事なポイントなのかなと思っていて。だから、すべての要素を繋ぐポイントとしてのポップミュージック、その心地良い空間にエッジーな実験的な要素をも混ぜてしまおうって。それが私の音楽に対するスタンスなんですよね」
RELEASE INFORMATION
リリース日：2021年12月15日
品番：PECF3263
仕様：CD
価格：3,300円（税込）
配信リンク：https://ssm.lnk.to/DREAMLAND
TRACKLIST
1. Introduction
2. 埋立地
3. Dream Land Song
4. Beautiful
5. Softly Sinking
6. Kani
7. Learn while you sleep
8. Pine Tree
9. House
10. Mountain Song
LIVE INFORMATION
Journey to the DREAM LAND
2022年3月23日（水）京都 CLUB METRO
ゲスト：NTsKi
2022年3月24日（木）大阪・梅田 Shangri-La
ゲスト：NTsKi
2022年3月30日（水）東京・渋谷 WWW
ゲスト：鬼の右腕
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