GOOD BYE APRIL × 小渕晃座談会　80s音楽を血肉化したバンドに「シティ・ソウルディスクガイド」監修者が迫る

（左から）延本文音、倉品翔、吉田卓史、つのけん（いずれもGOOD BYE APRIL）、小渕晃

〈ネオニューミュージック〉を掲げ、山下達郎や財津和夫などの先人から影響を受けた良質な楽曲を生み出し続けるバンド、GOOD BYE APRIL。彼らが4作目のフルアルバム『swing in the dark』を1月19日にリリースした。どこか懐かしくみずみずしい歌の魅力はそのままに、アレンジの幅が大きく広がり、音像は従来よりグッとモダンになった。

そんな今作のリリースを記念して、この度Mikikiでは座談会を実施した。パネラーの一人として進行役を務めたのは、元「bmr」編集長にして「シティ・ソウルディスクガイド」の監修者である小渕晃。〈シティポップと楽しむ〉をキーワードに常日頃からジャンル横断的な音楽の聴き方を提案している小渕は、GOOD BYE APRILというバンドに一体どんなものを見て取ったのだろうか。世代や立場を異にする両者がクロスオーバーした、貴重な対話の模様をどうぞ。

Pop

GOOD BYE APRILの原風景をなす音楽たち

小渕晃「みなさんは、これまでどんな音楽に触れてこられたんでしょうか?」

倉品翔（ボーカル／ギター／キーボード）「僕の家では、小さい頃からチューリップや山下達郎さんがよく流れていたんです。その後、学生時代は主にJ-Popを聴いて育ってきました。なので自分のルーツはニューミュージック以降の日本のポップスなんじゃないかと思います。

とは言え洋楽も聴いていて、ビリー・ジョエルはずっと好きでしたし、大学時代にはUKロック、特にオアシスをめちゃくちゃ聴いていました」

延本文音（ベース）「私は家にCDのほとんどない家庭で育ったんですが、車で遠出するときだけBGMとしてユーミン（荒井由実／松任谷由実）のベスト盤などがかかっていました。

私はもともと画家になりたいと思っていたんですけど、中学生のあるとき、そういう一人で何かを作り続けるような仕事は自分にはできないなと感じてしまって。その後バンドというものがあるのを知り、いろんな人とチームで何かを作るっていうことに憧れるようになったんです。高校生になると、楽器を持つのも初めてという状態でバンドを組んで徐々に音楽の面白さを知り、だんだん良質な音楽だけでなく、プログレッシブな音楽も好きになって、いまに至るという感じです」

吉田卓史（ギター）「僕の家にはレコードがいっぱいあったんですけど、何があったかはほとんど覚えていなくて、アルバムとして唯一鮮明に記憶に残っているのがイーグルスの『Hotel California』（76年）なんです。他にはボズ・スキャッグスとかビリー・ジョエル、あとはやはりユーミンもよく流れていました。

その後ギターを始めてからはますます洋楽にのめり込んでいって、J-Popはあまり聴かなかったです。基本的にはロックが好きでしたが、レッド・ホット・チリ・ペッパーズみたいなミクスチャーロックを介してファンク系の音楽なんかも聴いていました」

つのけん（ドラムス）「うちは親父が昔からキーボードをやっていて、スティーヴィー・ワンダーとかビリー・ジョエルがすごく好きだったんですよ。あとはアース・ウィンド&ファイアーのようなダンスミュージックや山下達郎さん、それにうちの母親が好きだったドリカムなども家や車でよく流れていました。そういう音楽がいまの活動に繋がってるんだなと最近実感しています。

あとは洋楽ロックも好きで、特にミスターBIGのパット・トーピーのシンプルで力強いプレイにはドラマーとして影響を受けています」

自分たちらしさを壊していって最後に残るのは〈郷愁〉かも

小渕「みなさんのお話を伺っていて、倉品さん、吉田さん、つのけんさんの3人がもともと音楽好きだった延長線上でGOOD BYE APRILとしての活動に至った一方で、延本さんだけアートから入ってこられたというように、ルーツが違うのが面白いなと感じました。延本さんの存在がいいアクセントになっているんでしょうね」

延本「たしかに突拍子もないことを言い出すのは私かもしれないです（笑）」

倉品「結成当初から、王道から少し外れたアイデアを常に持ってくる人だったんですよね。それに刺激を受けて曲がブラッシュアップされていくという側面は、いまに至るまでずっとあると思います」

小渕「延本さんは〈このバンドならではの味がないと意味がない〉っていうような考え方を意識的にされていますか?」

延本「私は〈自分らしさ〉みたいなものが固まってしまうのが嫌いで、ちょっとでも固まりそうになると一度全部壊したくなるタイプなんです（笑）。あとはとにかく〈同じことを繰り返したくない〉っていう気持ちがあるんで、できるだけ何も決めずにやりたいんですよね。なので〈自分らしさを出したい〉というよりはむしろ〈そこから脱却したい〉と、いつも考えているかもしれないです。

でも同時に〈一度徹底的に壊してみてなお残るものがあれば、それは大事にしたい〉という気持ちも持っています。GOOD BYE APRILの場合、最後に残るのは〈郷愁〉なのかなと思っています」

小渕「では一方でソングライティングについてはいかがでしょう?　倉品さんは、何か一貫したテーマみたいなものを自分に課しているんでしょうか」

倉品「僕は逆に〈自分にしか書けない曲って何だろう〉っていうことを昔からずっと考え続けていますね。なのでバンド内で〈自分らしさ〉みたいなものに特に囚われがちなのは、僕だと思います。それをメンバーに壊してもらってきた結果、いまがあるという感じがしています。

〈自分にしか書けない曲〉が具体的にどういうものかを言語化するのは難しいんですけど、一つテーマとしてあるのは〈いまここにないものを想う気持ちを表現する〉ということですかね。〈いいメロディー〉の条件として、そういう感情と結びついていることがすごく大事だと思っていて、どんなに明るい曲であっても、メロディーに切なさがあるっていうのが、ポップスのスタンダードとして残るものの本質なんじゃないかと考えています」

ジャンルはクロスオーバーしているのが当たり前

小渕「チューリップの曲とかも、まさしくそうですもんね。他に誰か、GOOD BYE APRILで制作するにあたって参考にしているようなアーティストはいますか?」

倉品「たくさんいるんですけど、クリストファー・クロスとかはすごく好きです。僕はそもそもジャズとかソウルみたいな音楽をそんなに通ってきているわけではないんですけど、近年自分たちの音楽性が変化するにつれてAORやシティポップを聴くようになって、だんだんブラックミュージック的なものも好きになりましたね。中でも角松敏生さんが好きで、そこからブラックコンテンポラリーに興味を持ちました」

延本「私の場合、直接〈ジャズが好き〉とか〈ソウルが好き〉っていう風に聴いたことがないわりにそのノリをある程度理解できているというのは、やっぱり山下達郎さんとかを聴く中で間接的にそういう音楽のエッセンスを受け取っていたからなんだろうな、と感じます」

小渕「まさにそうでしょうね。みなさんの世代においては、もう最初からジャンルが完全にクロスオーバーしているんじゃないかという気がします。加えてみなさんはプレイヤーでいらっしゃるから、なおさらジャンル分けとかをせずに自然といろんな音楽を吸収されているんだろうなって思います。僕はいま50代なんですけど、僕らの世代ではもっとジャンルをかっちり分けて音楽を捉えていたので、そこは全然違うんだろうなと」

延本「そうですね。私の場合、たとえばある作品がジャズとして紹介されていたとしたら、〈ジャズだけなんだ!〉と逆に珍しく感じてしまうかもしれないです。それだけ、もう自分の中でジャンルがぐちゃぐちゃになっているんだと思います」

小渕「僕らの世代でバンドをやっていた人だと、たとえばドラマーなら〈16ビートはわからない、8ビートしか叩けない〉というような方も結構いらっしゃったんですけど、みなさんはいちいちそういう違いを考えないでしょう?」

つのけん「たしかに自分がプレイするときにも、実際には8ビートだったとしても感覚的には16ビートみたいな意識で叩いていたりとか、あるいはちょっとスウィングしていたりとか、そういう感じで混ざり合っている部分はありますね」

小渕「たぶんそういうのって、チューリップとかオフコースの時代とは決定的に違うところだと思うんですよね」

倉品「最近では、8ビートの曲を本当に8ビートの感覚だけでプレイするような人がむしろあまりいないかもしれないですね。それに関連して言うと、ジャズルーツとかR&Bルーツの人がポップスの中で8ビートの曲を演奏しているというケースもかなり増えている感じがします」

ウィークエンドから着想を得たのが『swing in the dark』制作の起点

小渕「ではそろそろ新作『swing in the dark』のお話に移りましょう。僕は今作の中で“regret orange”に特に感心しました。ジャズやボサノヴァの要素が入っていて、ジャンルが見事にクロスオーバーしているポップスだなと思って。これは日本のポップスとして、最良の形なんじゃないかという気がします。海外には、こういうのを作れる人たちってなかなかいないんじゃないかなと思うんですよね」

『swing in the dark』収録曲“regret orange”

延本「ありがとうございます!　“regret orange”に関しては、日本の海辺の観光スポットで、いまはちょっと廃れちゃったホテル街みたいな感じをイメージしていました（笑）。サウンド面では、かなりユーミンっぽい雰囲気を目指していて」

倉品「ユーミンの中でも特に『PEARL PIERCE』（82年）というアルバムですね。あのアルバムにはラテンっぽいリズムの曲が入っていて、聴いたときに〈こういう曲を作りたい〉と思ったので、“regret orange”にはその影響が入っていると思います」

松任谷由実の82年作『PEARL PIERCE』収録曲“昔の彼に会うのなら”

小渕「たしかに『PEARL PIERCE』っぽい雰囲気は感じますね。一方で、同時代のミュージシャンやその作品から刺激されたり影響を受けたりすることはありましたか?」

つのけん「個々の曲に関して言うと、“FANTASY”ではゴー・ウェストとかを参考にして、あえてちょっと荒い感じのドラミングを意識してみましたね。あと“nightingale”は、ブルーノ・マーズの“Versace On The Floor”を意識してリズムパターンや音色を決めていきました」

『swing in the dark』収録曲“FANTASY”“nightingale”

小渕「僕は“nightingale”を聴いていてアイズレー・ブラザーズなんかに通ずるノリを感じたんですけど、“Versace On The Floor”を参照したと言われると、それもわかります。ブルーノ・マーズって、ギターの弾き語りでも成立するような綺麗なメロディーの曲をその時々の流行りのアレンジでやっていて、そういう点でみなさんと似ている気がします。おそらく目指しているところが同じなんでしょうね」

ブルーノ・マーズの2016年作『24K Magic』収録曲“Versace On The Floor”

倉品「たしかに僕らももともと〈弾き語りでも聴かせられる曲を作る〉っていう志で始めたので、それは未だに残っているかもしれないですね。“nightingale”に関しては、ウワモノのアレンジのときにはシルク・ソニックの“Leave The Door Open”とか、あの辺のムードもかなり意識していました。

その他にはSpotifyで最新のプレイリストとかを聴いていて、耳に引っかかった曲からアイデアをもらうことも結構ありましたね。以前はもろにニューミュージックからの影響を出すような作り方をしていたので、あまりそういう同時代的な音楽からの影響を組み込んでいなかったんですけど、前作『Xanadu』の頃から少しずつ変わってきていて、今作に関してはそれがかなり前面に出ていると思います。

アーティストで言うと、The 1975とかウィークエンドからは特に影響を受けましたね。ウィークエンドから着想を得て去年“spring kiss”って曲を作ったのが、アルバム制作のスタートになりました」

『swing in the dark』収録曲“spring kiss”のスタジオライブ映像

藤井風は心のライバル

吉田「海外で80sの音楽への熱が再燃している中で、ウィークエンドのアルバム（2020年作『After Hours』）とかがバーッと出てきたことに刺激を受けていて。それで僕らも、こういう方向性をもっと極めていきたいねというような話をした感じですね」

倉品「僕らも80sっていうものをもう一度捉え直したいタイミングだったんです。親世代が聴いていた日本の80s音楽はもともと自分たちの中に入っているものなので、ソングライティングにもその影響が色濃く出てると思うんですけど、ただそれをそのまま焼き増ししていくだけでは意味がないなと感じていて。いかにいまの自分たちがカッコいいと思えるサウンドでそれを出せるか考える中で、海外での80sリバイバルには刺激を受けました」

小渕「みなさんはもともと体の中に80sのエッセンスが入っていると思うので、ウィークエンドとかの作品を聴くとすぐに〈こうやってやればいいんだ〉っていうのがわかってしまうんじゃないですか?」

延本「最初に彼らの作品を聴いたときに、もちろんまず好きだから採り入れたいと感じたんですけど、同時にどこかで〈自分たちにもできそう〉と思えたっていうのもあるかもしれないですね。

一方で今回参考にしつつも消化しきれなかったところで言うと、Vaundyさんとか藤井風さんですね。上手く採り入れたかったんですけど、彼らの個性が強すぎて（笑）」

倉品「でもアレンジの匙加減とか各楽器の鳴り方、音の配置の仕方みたいなところに関しては、そういう自分たちよりも下の世代の人たちのサウンドも結構意識していましたね」

小渕「藤井風さんと言えば、みなさんは彼がYouTubeでカバーする曲とかって、ほとんどわかるんじゃないですか?」

倉品「そうですね。大江千里さんの“Rain”とか歌ってる動画を観ると、めっちゃ興奮します!」

藤井風による大江千里“Rain”のカバー映像

延本「藤井風さんは好きすぎて、勝手に心のライバルとして設定させてもらってます（笑）。やはり聴いてきたものが近いというのもありますし、藤井風さんの音楽を好きな人は、きっと私たちの音楽も好きなんじゃないかという謎の自信があります……って炎上するかな（笑）」

小渕「いやいや（笑）。ぜひそれくらいの気持ちで行ってください!」

延本「ありがとうございます（笑）。頑張ります!」

倉品翔による藤井風“帰ろう”のカバー映像

ネット環境でいかに聴いてもらうかを考えるのがとにかく面白い

小渕「Spotifyのプレイリストに関するお話が出ましたが、ネット環境でのリスニングを意識されていることからの影響が今作には出ているように感じられます。その辺りはいかがでしょう?」

延本「いままではショッピングモールなどで目の前のお客さんに向けてライブをやることを大事にしていたのもあって、あまり気づけていなかったんですけど、膨大な数の人たちにアピールできる可能性のあるネットという空間の広がりの大きさを、ここ数年で強く実感するようになってきていて。その矢先にコロナが来てライブができなくなってしまったので、いよいよ〈ここを主戦場にして戦わざるを得ない〉みたいな覚悟が与えられました」

倉品「ネット環境でいかに聴いてもらうかを考えるのが、最近とにかく面白くなってきちゃって。それを追求したいっていう欲求が、去年からどんどん増してきています」

延本「作品のアートワークに関しても、基本的に私が描いた絵を使っているんですけど、その色合いとかもSpotifyの黒い画面を基準にして〈どういうものを押したくなるか〉などを考えながら決めています。まあ、そこはまだ実験途中なんですけど」

〈曲のために尽くしましょう〉というのがバンドのモットー

小渕「やはり作品の作り方やリスナーに届けることへの意識がかなり変わったんですね。何か他に、みなさんが意識された点や工夫された点などはありますか?」

つのけん「僕は今回ドラムのリズムパターンを倉品と決めて、曲によっては打ち込みで作業したんですけど、その結果バンドという形式に縛られないいいアルバムが出来たなっていう実感があります。とは言え、バンド全員で生音を鳴らしていない曲であっても、ちゃんとバンドとしてアンサンブルを構築できたと思うので、それはすごく自分の中で大きかったです」

小渕「ドラマーというアイデンティティーに囚われることなく、打ち込みでもしっかり楽しめるっていう感じだったんですね」

つのけん「やはり根本にあるのが〈いい曲をみんなで作りたい〉という思いなので、そのためだったら手段を選ばずにやりたい気持ちがあります。たとえば最初に打ち込んだ音の音圧とか音色がグッとくるものであった場合、生ドラムに差し替えるとそのニュアンスが変わってしまうのであれば、打ち込みのままいくというような判断もします」

倉品「結成初期は4人の音だけで完結する美学みたいなものを持っていたんですけど、2016年に出したアルバム『ニューフォークロア』でそういうこだわりを捨てて、とにかくいい作品を作ることにすべてを賭けるという方向に切り替えたんです。たとえばその1曲目（“水色の夏”）には、ストリングスとピアノと歌だけしか入れていません。そういうやり方が僕らにはすごく合ってたので、そこからずっと同じスタンスでやってきています」

2016年作『ニューフォークロア』収録曲“水色の夏”

延本「楽器のフレーズに関しても〈何が何でも全部自分で作るんだ!〉というこだわりはなくなってきました。他のメンバーが〈こういうベースラインどう?〉と提案してきたものでも、いいと思えればそれを採用しますし。あるいは〈この曲はベースいらないな〉となれば、全部休符でも問題ないです」

倉品「なぜこういうマインドになったかと言うと、自分たちがルーツとして聴いてきたニューミュージックなどがまさにそうやって作られていたからなんです。あの時代は作詞家や作曲家、編曲家といった専業の人たちが、少しでも作品の質を高めるために力を合わせるということを当たり前にやっていたんですよね。そうやって作られた音楽をずっと聴いてきているので、自分たちがこうなるのも当たり前なのかなと。〈曲のために尽くしましょう〉というのが、このバンドのモットーかもしれないです」

小渕「（「シティ・ソウルディスクガイド」を手に取って）この本に載ってる人たちも、実はほとんどみんなそういう作り方をしているんですよね。たとえばスティーリー・ダンなんかは、曲に合わせてメンバーまで変えちゃうみたいな感じで。そういう〈曲ありき〉みたいな考え方は90年代の頃に比べて、また戻ってきているんじゃないかという気がします。

それこそThe 1975とかも、曲によって作り方を変えているでしょうね。バンド形態に囚われず、ソングライティングから演奏、録音まで一人でやってるようなものもあるだろうし」

倉品「エレクトロっぽいダンスチューンがあるかと思うと、一人で弾き語りで録ってるようなフォーキーなものも入ってますもんね。でもそれで自分たちのことを〈バンド〉って言ってるのが、逆にカッコいいなと思います」

小渕「そうですね。GOOD BYE APRILも、これからそういう現行の海外アーティストのサウンドに触発されながら、その時々で曲のアレンジや作り方がどんどん変わっていくと、もっと面白くなるんじゃないかと感じています。みなさんは、歌謡曲から繋がる日本ならではの魅力をもった曲をいまのアレンジで提示するというのが、とても上手いバンドだと思うので。今後のご活躍も楽しみにしています!」

GOOD BYE APRIL「ありがとうございます!」

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RELEASE INFORMATION
GOOD BYE APRIL

Pop

リリース日：2022年1月19日
品番：DBTU17
価格：3,300円（税込）
配信リンク：https://lnk.to/swinginthedark

TRACKLIST
1. feel my hush
2. FANTASY
3. missing summer
4. regret orange
5. 冗談
6. nightingale
7. セーラー服と機関銃
8. tapestry
9. spring kiss
10. 空の数だけ

小渕晃

Pop

リリース日：2021年12月15日
品番：PCD-20442
価格：2,200円（税込）
監修・解説：小渕晃

TRACKLIST
1. Claudia Campagnol “Do You Love Me”
2. Page 99 “Nothing You Can Do About It”
3. Martin & Garp “Take A Minute”
4. Andreas Aleman “Helplessly In Love”
5. Super db “Open Line To Me”
6. Jamie Hosmer “Can't Stop Thinking About You”
7. Lawrence “Probably Up”
8. State Cows “Cease To Ever Have Been”
9. Lo 'Garp' Van Gorp “Learning”
10. Adam Dunning “E Lala Lay-E”
11. Bluey “You Are The One”
12. YUMA HARA “Be Free - T-Groove Remix”
13. Deborah Bond “Stride”
14. Pastel “Let You”
15. Cola Boyy “For The Last Time”
16. edbl “Table For Two”
17. Ace Hashimoto “Affection”
18. JINTANA & EMERALDS “Love Again”
19. The Devonns “Long Goodbye”