女性シンガー・ソングライター、ユイミナコによるソロ・ユニット、MINAKEKKE（ミーナケッケ）のデビュー・アルバム『TINGLES』がリリースされた。アコースティック・ギターによる弾き語りを基軸としつつ、オルガンやファゴット、パーカッションなど必要最小限の楽器を加えて構築されたサウンドスケープは、アシッド・フォークやダーク・サイケ、ポスト・パンク、シューゲイザーなどさまざまな要素を感じさせる。シンプルだがヒネリの効いたコード進行とメロディー、そして孤独にそっと寄り添うような歌詞の世界は、エリオット・スミスやフィオナ・アップル、イールズ、ふくろうず、きのこ帝国といったアーティスト／バンドを彷彿とさせるが、何より印象的なのはそのヴォーカルだ。
魂を振り絞るようにソウルフルかつエモーショナルであったかと思えば、触れたら砕け散ってしまいそうなほど脆くて繊細な歌声は、アルバム・タイトルが示すように、記憶の奥底にしまいこんでいた感情をヒリヒリと刺激する。プロデューサーに〈和製ジョー・ミーク〉こと橋本竜樹（Nag Ar Juna）、サウンド・エンジニアにD.A.N.や蓮沼執太フィルなどを手掛ける葛西敏彦と、強力な布陣を迎えての本作は、間違いなくシーンに一石を投じるだろう。
実は、今回が彼女にとって記念すべき初のインタヴュー。作品から想像したダーク・ファンタジーの主人公のようなキャラクターと、天真爛漫な素顔とのギャップもまた魅力的だった。
「さらば青春の光」のようなユース・カルチャーが好き
――小さい頃から絵を描いたり歌を歌ったりするのが好きだったそうですが、本格的に音楽をやり始めたのは、どんなきっかけだったのですか?
「小学6年生くらいの頃から、詩のようなものを遊びで書いて、それに童謡みたいなメロディーを付けて遊んでいたんですけど、ちゃんと自分で曲を作ってギターも弾こうと思ったのは、中1の時にYUIさんを聴いたのがきっかけでした。女の子で、自分で曲を書いてギターを弾きながら歌うのってカッコイイ!と思って。私たちくらいの世代では、影響を受けた子は結構多いと思うんです」
――どんな気分の時に、曲が書きたくなりましたか?
「本や映画を観た後、これに主題歌をつけるとしたらこんな感じかな?って思って作り始めることが多かったです。中学生の頃は、それこそ重松清や森絵都など思春期の微妙な時期に刺さる小説をよく読んでいたので（笑）。それを自分なりの言葉で置き換えて、YUIさんっぽいメロディーを乗せるなどしていましたね。わりといまでも映画や本にインスパイアされて音楽が生まれることは多いです。この頃にやっていたことが、肥やしになっているのかもしれないですね」
――なるほど。音楽はどんなものを聴いていました?
「小学生の時も、親が聴いていたビートルズやカーペンターズ、スティングなどを聴いて、〈こんな音楽があるんだ〉なんて思っていたんですけど、中学生くらいからはアヴリル・ラヴィーンのような、〈ロックをやっているカッコイイ女の子〉に憧れてました（笑）。本格的に洋楽を聴き始めたのは、同じ高校にめちゃくちゃ音楽好きの子がいて、その子と仲良くなっていろいろ教えてもらったのが大きいです。私も何か提供しなきゃっていう、負けず嫌いな性格が出たのだと思うけど（笑）、図書館に行って棚にあるCDを片っ端から借りていくうちに、好きな音楽の傾向がどんどん変わっていきましたね」
――どんなふうに変わっていったのですか?
「その友人からレディオヘッドを勧められて、図書館で探したら『Kid A』（2000年）だけあったんですよ。初めて聴いた時は、何が良いのかわからなくて、聴いちゃいけないものを聴いてしまったような気持ちにもなったんですよね。でも図書館で借りてきたCDは取り敢えず全部iPodに入れて、シャッフルして聴いていたんですが、1曲ものすごく心に引っかかったのが『Kid A』に入っていた“Morning Bell”だったんです。それで、いまならアルバム1枚通して聴けるかもと思って聴き返したら、すごく良くて一気にハマりました。それからレディオヘッドのほかのアルバムも聴いてみたり、その周辺のUKロックやUSインディー、北欧のビョークやシガー・ロスなどを聴いてみたりするようになったんです」
――そうすると、作る曲の傾向も変わっていきましたか?
「そうですね。ネットでコード進行を調べたり、YouTubeに上がっている洋楽のカヴァーを観て、ギターの押さえ方を真似たり。〈あ、こんなコード進行になっているのか〉〈アコギ一本だとこんなふうに聴こえるのか〉みたいな感じで、少しずつ変わっていったと思います。好きなバンドのアコースティック・セッションとかすごく勉強になったし、観るのが大好きでしたね」
――音楽以外のカルチャーに興味はありましたか?
「幼稚園の頃からディズニーやTVで〈カートゥーン・ネットワーク〉を観るのが大好きで、洋楽を聴くようになってからは、より英・米のカルチャーに傾倒していきましたね。大学は英文学科だったんですけど、そのきっかけはポール・オースターやカート・ヴォネガット、フラナリー・オコナーなどアメリカ文学を読むようになったことでした」
――映画もお好きそうな印象です。
「はい（笑）。卒論で『2001年宇宙の旅』（68年）を取り上げたんですよ。自分は例えばイギリスだと『さらば青春の光』（79年）のような、ああいうユース・カルチャーが好きなんですけど、『2001年～』って一見関係なさそうじゃないですか。だけど、ある論評によれば当時のアメリカン・ニューシネマ――『俺たちに明日はない』（67年）や『イージー・ライダー』（69年）とかが社会に抵抗した若者たちが破滅する話だとすれば、『2001年～』は体制に刃向かった主人公が〈スター・チャイルド〉に進化するという形で自由を手に入れる話なのだと。それを聞いて映画を観直したら、〈なるほど!〉って思ったんです（笑）」
――ああ、それはおもしろいですね。
「あとはタイムリープ系のSFも好きで。『ドニー・ダーコ』（2001年）や『バタフライ・エフェクト』（2004年）、最近だと『インターステラー』（2014年）とか。結構、趣味がゴチャゴチャしていて、このあたりを話し始めると止まらなくなるかもしれない（笑）。でもやっぱり若者主体の映画に好きなものが多いのかなと思っていて。青春映画も普通に好きで、最近だと『ウォールフラワー』（2012年）とか……。アルバムの“L.u.x.”という曲のモチーフになっているのも、『ヴァージン・スーサイズ』（99年）でキルスティン・ダンストが演じる女の子のラックスなんです」
――グザヴィエ・ドランなんかも好きなのでは?
「『マミー』（2014年）はすごく好きですね。音楽の使い方や途中でフレームのサイズを変えるタイミングとか素晴らしいなと。やっぱり、映像と音楽って切り離せないものだと私は思っていて。自分の表現ではもちろん〈音ありき〉ですけど、どちらも大事にしていきたい」
一人でもいいから始めてみよう
――いま、ライヴではループ・マシンを使って一人で音を重ねるなどしているんですよね。そういうパフォーマンスに至るまでの試行錯誤はどのようなものでしたか?
「もともとはアコギ1本で活動しようとは思っていなくて、できればバンドを組みたかったんですけど、一緒にやりたいと思う人が身近にいなかった。なのでとりあえず一人でもいいから始めてみようと思ってやり始めたんですね。それでさっき言ったようにYouTubeなどでいろんなアーティストの演奏を観ているうちに、〈一人でおもしろいことをやったほうがバンドでやるよりカッコイイかもしれない〉と思ってきて（笑）。ループ・マシンを使った演奏もYouTubeに上がっているのを観て、へえ!こんなのがあるんだと衝撃を受けたんです」
――なるほど。
「ちょうどその時に作っていた曲が、アコギ1本だとちょっと物足りないなと思っていたところだったので、思い切ってループ・マシンを買って。スタジオに入り浸っていろいろ試していくうちに、使い方も覚えていきました」
――ループ・マシンを導入してからは、曲作りの方法も変わりました?
「うーん、すべての曲をループ・マシンで作っているわけではなく、骨子となるコードとメロディーをまず作って、アレンジの段階で〈あ、ここはループが使えるかも〉とか考えることが多いんですよ。ループありきで作ろうと思うこともありますけど、基本的にはまず〈曲ありき〉なので、曲作りそのものはさして変わっていないですね。大抵はデタラメ英語で適当に歌いながらメロディーを作って、曲の構成がある程度出来てきたら、そこに歌詞を乗せていきます。それとほぼ同時進行でギターをどうしようか考えていくんですけど、歌詞が出来上がるのは最後というパターンが多いですね」
――いまでも曲を作ろうと思うきっかけは、さっきもおっしゃっていたように映画を観たり小説を読んだりした後が多い?
「そういうパターンも多いんですけど、歌詞を書く時は、自分のその時の感情だったり、その時に自分に起きた出来事だったりすることが多いですね。何かしら、感情を揺さぶられることがないと歌詞は書けないので。よく空想の世界を書いていると思われがちなんですけど、実際はめちゃくちゃパーソナルな歌詞なんですよ（笑）」
――なるほど。映画や小説はあくまでもきっかけであって、フォーカスしていくのは自分の感情なのですね。
「そうですね。そうやって自分の感情を楽曲として昇華することで、救われていることも多いですね。特に10代の頃はそうでした。それで書き続けている部分も大きいと思います」
どれだけエモくなれるか
――歌い方も非常に特徴的で、そこがフックとなってMINAKEKKEの世界観に惹き込まれる感じがあるのですが、いまのような歌い方はどんなふうに確立されたのですか?
「歌い方についてはそんなに意識したことはないんですよね。もちろん、曲ごとにこんな感じで歌おうというのはあるんですけど、特にライヴの時は〈どれだけエモくなれるか?〉みたいなのが自分の中で重要で（笑）。本番前とかは、フィギュア・スケートのすごく好きなプログラムの動画を観ているんです。フィギュア・スケートって、観ると絶対泣いちゃうんですよ。それでウワー!ってなった状態のままステージに立つことが多いです」
――アハハハ（笑）。ちなみにどの動画がお気に入りですか?
「先日引退を発表した（浅田）真央さんももちろん好きなんですけど、鈴木明子さんの〈ウエスト・サイド・ストーリー〉※が最高なんですよ（笑）。それをライヴ前に観ることはよくありますね」
※2010年のバンクーバー・オリンピックでのフリー・プログラム
――確かTHE NOVEMBERSの小林祐介さんも、羽生結弦選手の演技に感動して、それで曲を書いたことがあると言っていました。
「あ、そうなんですね! でもわかります。本当にフィギュア・スケーターってすごいなと思います」
――MINAKEKKEの音楽には、いろんな要素が混じっているなと思うんですけど、ご自身ではどういう成分が含まれていると思います?
「今日、ここに来るまでに自分はどんな音楽を聴いてきたかなと思いながらプレイリストを作ってきたんですけど……」
――（プレイリストを読み上げる）ストロークス、ストーン・ローゼズ、エリオット・スミス、ブロンド・レッドヘッド、ビートルズ……なるほど。ビートルズの影響も大きいですか?
「中学生の頃にギターを習っていたことがあって、その時に先生からビートルズやレッド・ツェッペリンを課題曲として出されることが多かったんです。そこでちゃんと聴くようになりました。アルバムでは『Abbey Road』（69年）がいちばん好きですね」
――リストの中では、特にブロンド・レッドヘッドが〈やっぱり!〉って思いました（笑）。
「ああ、大好きです。名前は何となく知っていて、〈Hostess Club Weekender〉に出演したのを何の気なしに観たら（2014年の新木場Studio Coast）、すごく良くてそれで大好きになりました。女性シンガー・ソングライターももちろん好きで、ジョニ・ミッチェルやフィオナ・アップルなどもよく聴いています。ただ、洋楽を好きになったきっかけがバンド・サウンドだったので、わりとバンドのほうが聴くことが多いかも」
――日本の音楽では?
「BOOM BOOM SATELLITESがすごく好きでした。くるりも高校生の頃はよく聴いていましたね。あと凛として時雨とか。それと、小・中学生の頃からずっと好きなのは宇多田ヒカル。まず声がすべてを作り上げている気がしていて。それから歌詞ですよね。普通は歌の中で使わないような〈あれ?〉って思う言葉を使っているのに、彼女が歌うとカッコ良くなるのがすごいなと思っています。サウンドもJ-Popという括りですけど、日本語の歌詞と洋楽っぽいサウンドを本当にバランス良く融合させているじゃないですか」
――どのへんの時期の作品が好きですか?
「『ULTRA BLUE』（2006年）の頃ですかね。“Passion”“誰かの願いが叶うころ”“Be My Last”とか。やっている音楽のジャンルは違いますし、〈宇多田ヒカルさんになりたい!〉というわけじゃないんですけど、でもすごく尊敬するアーティストの一人です」
本当に必要な音を必要なところに
――さて、『TINGLES』についてお訊きしたいのですが、制作期間に2年を要したというのは本当?
「レコーディングそのものは1年くらいだったのですが、プリプロに結構時間をかけていて。というのも、これまではずっと一人で完結するような音楽をやっていて、そういうスタイルの音源も自主制作では出していたんですけど、今回は自分の中にあった音とか景色を、〈ひとつの正解〉として作り上げたいと思ったんです」
――アルバム全体のイメージとして、何か参考にした作品はありました?
「そのまんまというわけじゃないんですけど、今回のアルバム制作で影響をうけたのが、バット・フォー・ラッシーズの『Two Suns』（2009年）と、カーディガンズの『Gran Turismo』（98年）だったんですよ。マインド的には、この2枚が大きかったかもしれない」
――『Gran Turismo』はちょっと意外ですね。プロデューサーの橋本竜樹さんとは、どのようなやり取りをしました?
「〈普通にバンド編成で、すべての楽曲をレコーディングする〉というふうにはしたくなかったんです。その曲に必要な音を必要なところで入れる感じがいいかなと思って、こんなサウンドにしたいという参考曲のようなものを聴いてもらいながら、アイデアをいろいろと提案しました。最初は自分の曲を人にアレンジされることに抵抗があって、〈うーん……〉となっちゃったんですけど（笑）、やっていくうちに、自分がどういうテーマでどういう景色をこのアルバムに落とし込みたいのかが見えてきてからは、橋本さんの提案してくれるアレンジの意味が理解できるようになって、スムーズにいくようになっていきましたね」
――確かに音数はシンプルなんですけど、随所に〈お!〉って思わせる不思議な音が入っていますよね。例えば“GIRL LIKE GHOST”で、サビでの掛け合いのピッチを上げたような声はどうやって作ったのですか?
「コーラスもおもしろいのを入れたくて、試行錯誤していくなかで思い付きました。GarageBandに入っていたMonster Voiceというプラグインを声に掛けています。あの曲は自分のパソコン内でほとんど作りましたね」
――そういう曲も結構多い?
「自分が主体になって作り上げたのは、橋本さんとの作業を通じてイメージを固められてからなので数曲です。ただ、今回のアルバム・レコーディングについては、順番としてはまず私がGarageBandでラフのデモを作って、それを橋本さんにブラッシュ・アップしてもらった後、スタジオでドラムだけ生に差し替えてから、ほかの楽器をオーバーダビングするというパターンが多かったですね。橋本さんが弾いたエレキ・ギターや私のヴォーカルなど、後からオーバーダビングするものは自宅か、事務所のスタジオで行いました」
――“L.u.x.”の後半でギターが重なっていくところはマイ・ブラッディ・ヴァレンタインを彷彿とさせますね。ストロークのタイム感や、歪みの具合が“Sometimes”っぽい。
「まさにマイブラに触発されたアレンジですね。もともとはアコギの弾き語りで作ったシンプルなデモだったんですけど、橋本さんに〈“Sometimes”みたいな感じで〉ってリクエストしたら、こんな感じに仕上げてくれました。なので伝わって嬉しいです（笑）」
――歌詞の世界観は、何かテーマがありました?
「今回は10代から20代前半の現在までの自分の半生というか、それを一度、作品に落とし込みたいなと思いました。自分も小学生までは結構活発だったんですけど、中学生くらいで自分の環境っていろいろ変わってくるじゃないですか。私はそれについていけなかった側の人間で（笑）。それがあったからいまこうして音楽をやっていると思うんですけど、その時に抱いていた感情だったり、気持ちだったりを、格好良い音楽に昇華したいっていうのがあったんですよね。だから〈僕〉とか〈私〉とか、一人称の曲が多いし、そういう意味でもパーソナルな世界になっていると思います」
――やっぱり、届けたいと思うのも同世代の女の子だったりしますか?
「もちろん同世代の人には届いて欲しいなと思うんですけど、今回の『TINGLES』というタイトルが、〈ヒリヒリする〉〈ゾクゾクする〉という感覚を意味する英語なんですね。例えば昔のことを思い出した時に鳥肌が立ったりとか、そういう感覚って誰しもあると思っていて。そういう意味では同世代の子たちだけでなく、自分よりちょっと上の年代の人たちにも、当時の感覚を思い出しながら聴いて欲しいです」
――確かに『TINGLES』は、自分の孤独にそっと寄り添ってくれるというか、夜中にそっと一人で聴きたくなるような作品ですよね。そういう意味で、さっきプレイリストにも入っていたエリオット・スミスやフィオナ・アップル、それから個人的にはイールズなどにも共通する感触だなと思いました。
「それはすごく嬉しいです。ありがとうございます」
――今後、やってみたいことはありますか?
「たくさんあります。今回は自分の描いていた景色や音をアルバムに全部落とし込めたんですけど、一度原点に戻って完全な弾き語りのアルバムも作ってみたい。アコギ1本でどこにでも出掛けて行って歌えるというのは、自分の強みだとも思うんです。なので今作のような世界観は核としてありつつ、アコギ1本のスタイルも自分と向き合ううえでは必要なので、これからも両方大事にしていきたいですね」
LIVE INFORMATION
〈MINAKEKKE presents “TINGLES” RELEASE PARTY〉
日時：2017年6月11日（日）
会場：東京・新宿MARZ
開場／開演：18:30／19:15
出演：MINAKEKKE Band Set（ユイミナコ、橋本竜樹、堀正輝、内藤彩、葛西敏彦、丹澤由棋）、高井息吹と眠る星座
★詳細はこちら
本文中に登場した、MINAKEKKEのルーツをまとめたプレイリストを公開中!
