海外でのさまざまな経験を経て、久々に訪れた自分と向き合う時間。精神世界の内と外をドリーミーなサウンドスケープで繋いだ先に見えるものとは……?
精神世界と外の世界
The fin.がサード・アルバム『Outer Ego』を完成させた。イギリスに拠点を移して制作した2作目『There』から3年9か月、世界中をツアーで回る生活に一区切りをつけ、東京に自宅スタジオを構えたのがEP『Wash Away』リリース後の2019年11月。そのわずか数か月後に世界中でロックダウンが行われ、ここ日本でも緊急事態宣言が発令された。
「『Wash Away』の頃はイギリスと日本を行き来して、その間にライヴで中国にも行ったり、1か月に何回も飛行機に乗る生活にちょっと疲れちゃって。一回落ち着いて、自分のスタジオで制作をしたいと思ったんです。それで引っ越しをしたら、数か月後に大きく状況が変わって……。改めてセルフ・プロデュースに戻ろうと思ってたタイミングでもあって、最初はまたEPを出そうと思ったんですけど、家にずっといることになってゆっくり曲を作るなかで、〈アルバムになりそう〉と思いました」（Yuto Uchino、ヴォーカル／ギター／シンセサイザー：以下同）。
久々に訪れた一人でじっくり音楽と向き合う時間。そのなかでこれまでの人生を振り返り、〈自分の中にある精神世界と外にある世界を行ったり来たりするアルバム〉というテーマが自然と浮かび上がってきた。
「海外に行き出したのが2014年とか2015年くらいで、そこからは常にチャレンジやったというか、アドベンチャーですよね（笑）。ずっと外からの刺激を受けて、それを処理するのに精いっぱいで、自分に目を向けることがほとんどなくて。でも、コロナで強制的に一回止まることになって、外からの情報がストップしたぶん、自分の中に溜まってた経験をまた違うプロセスで組み上げていったというか。自分の中の世界と外にある世界を線で繋いで、大きなユニバースが出来上がるイメージでした」。
ニューウェイヴにドリーム・ポップ、アンビエントなどの要素を含みつつ、Yutoの透明感のある声質で歌われるメランコリックかつポップなメロディーと、再現性を一切考えることなく作り込んだサウンドデザインの組み合わせは、まさにThe fin.だけのシグネチャーを感じさせる。ギターよりもシンセの割合が増え、ルーツのひとつである80年代的な雰囲気も感じられるが、Yutoが最初にイメージしたのはビートルズだったという。
「最初は〈ホワイト・アルバム〉みたいにいろんな曲が入ってるイメージだったんですけど、作ってるうちに自分の中でストーリー性が大きくなって、どちらかというと『Abbey Road』的な、ストーリー重視の方向にシフトしていったんです。一時期はラップものばっかり聴いてたんですけど、やっぱりメロディーが欲しいと思って、それで60年代とか70年代に戻り、制作の後半はメロディーがきれいなソウルやジャズをよく聴いてました。なので、シンセも歌えるようなメロディーを意識してます」。
アルバムはゆったりとしたBPMの“Shine”、80年代UKポスト・パンク風の曲調が今作の中では異色な“Over the Hill”で〈外〉から始まり、自身の声を子どものように加工したインスト“Short Paradise”で徐々に〈内〉へと沈み込んでいく。
「“Shine”を作ったのはまだイギリスと日本を行き来してた頃なんですけど、ロスト感の強い時期だったというか、ギタリストが抜けて、付き合ってた彼女とも別れて、自分がどこに向かっているのかもわからず、ポジティヴになってないとどうにもならない、くらいの感じだったんですよね。最後に付け足した〈The heavy fog with me／Shine me through my heart〉が当時の心境をよく表していると思います。“Over the Hill”ももともと古い曲で、地元の神戸で友達と遊んでたときに〈今のこの感じを曲にしてみて〉と言われたのを本当にやってみた曲。“Short Paradise”はインナー・チャイルド的なイメージで、完全に自分の中だけの世界ですね」。
すごくオープンになった
耳に残るシンセ・フレーズの反復を基調に、作り込まれたサウンドデザインと曲展開が本作のなかでも白眉の“Deepest Ocean”、イギリスでThe fin.のサポートを務めるドラマーのトム・カーターによるブレイクビーツがフィジカルな印象を与える“Old Canvas”を経て、アルバム前半はアコースティック・ギターを爪弾く“At Last”で穏やかに締め括られる。
「“Deepest Ocean”のテーマは〈表層と深海〉で、イントロの〈バシャン〉っていう音で海に飛び込んで、潜っていくと自分だけの理想郷がある、みたいなイメージ。そういう曲が出来たのは自分が理想と現実のギャップに苦しんでたからで、結局最後に〈We lose ourselves〉と言ってるように、自分を見失ってるんですよね。“Old Canvas”は実家の玄関に飾ってあった風景画がモチーフで、今の自分と過去の自分を照らし合わせながら書きました。そこからより深く自分の内側に入っていったのが“At Last”で、もともと実家でずっとアコギを弾いてて、それこそビートルズを歌ったりしてたから、そういう要素も入れたかったんです」。
物悲しい旋律と歪んだシンセ・ベースがヘヴィーな印象を与える“Loss, Farewell”と、途中からダンサブルな曲調に変化する“See You Again”は、Yutoの死生観を表している。
「コロナでみんな〈死〉を近くに感じたと思うけど、そういえば子どもの頃は結構〈死〉について考えてて、その感情がリアリティーをもって復活してきたから、もう一回向き合おうと思って出来た曲です。“Loss, Farewell”は2020年に友達が亡くなったとき、“See You Again”はおじいちゃんが亡くなったときのことで、友達のときは結構喰らっちゃったんですけど、おじいちゃんのときはいい死に方だと思ったから、曲調は全然違って、“See You Again”はハッピー・サッドみたいな感じですね」。
ふたたびトムがドラムで参加したタイトル曲“Outer Ego”は、シーケンスのフレーズとリニアなビートが前向きな印象を与えるクラウトロック・ナンバーだ。
「“Outer Ego”は初めて自分よりも下の世代に向けて書いた曲です。光を見てほしいというか、自分を信じてほしいというかね。最近みんな暗いじゃないですか? ビリー・アイリッシュとかもめちゃめちゃ暗いし、若い子が生きづらくなってるのかなって思うと、何かプラスになるエネルギーをあげたいと思って。だから、この曲が一番外に向かってる曲ではあるんだけど、自分に向けてのメッセージでもあって、自分のエゴに絡め取られて年を取るのは寂しいから、もっとビッグ・ピクチャーで生きたい。なので、宇宙の中に自我が広がって、どんどん自分が薄くなるような感覚です。今年30歳になったんですけど、これからの人生はそういう感覚が大事なんじゃないかなって」。
音数を絞ったビートとハープのようなシンセでサイケデリアを生み出す“Sapphire”からは穏やかなトーンが強まり、アンビエント調の“Safe Place”を経て、ラストはアルペジオによるメランコリーと開放的な雰囲気が同時に感じられる“Edge of a Dream”が飾り、一旦曲が途切れた後、新たな始まりの予兆と共にアルバムは幕を閉じる。
「後半はだんだんプライヴェートになっていく感じで、“Sapphire”は自分が大人になっていくストーリー。“Safe Place”は自分のベッドに帰っていく感じで、心も弱くなって、いろんな情報をシャットアウトして……“Edge of a Dream”ではもう寝てますね（笑）。90年代のSFみたいな、光の中に歩いて行くイメージ。で、最後にもう一度自分の意識が戻ってきて、また“Shine”に戻っていくんです」。
Yutoの顔をモチーフにしたというアートワークは、まさにインナースペースとアウタースペースの繋がりを描いているが、自身のパーソナルをこれまでになく反映させた『Outer Ego』は、〈ホワイト・アルバム〉でも『Abbey Road』でもなく、Yutoにとっての〈ジョンの魂〉のようなアルバムだと言えるかもしれない。
「アートワークに自分の顔を使いたいっていうのはずっと言ってて、宇宙に自分が広がってるイメージがバッチリやなって。今回の制作を経て、すごくオープンになったし、素直になった気がします。〈出し切ったからこそ、次に進める〉みたいな感じもありますね」。
ジョン・レノンの70年作『Plastic Ono Band』（Apple）
ディスコグラフィーから読み取る、The fin.ならではの記名性
初のフィジカル作となったEP。4人編成（リリース当時）によるインディー・ロック然としたバンド・アンサンブルを展開しており、瑞々しいギターを中心に据えたサウンドには以降の作品とは異なる味わいがある。一方で、チルウェイヴの潮流とも共振するアトモスフェリックな音像構築が、彼らのその後の方向性を指し示している。
初EPと同年にリリースしたファースト・アルバム。EPに続いてバンド・サウンドを軸足に置いた作品だが、ミッドテンポ～スロウ中心のゆったりとしたグルーヴ感や、随所でシンセを織り交ぜて広がりを増したプロダクションによって、このバンド特有のしなやかでスウィートなヴォーカル&メロディーの魅力を浮き彫りにした。
中心人物のYuto Uchinoがすべての楽器演奏からミックスまでを担うようになった2枚目のEP。多くの楽曲で打ち込みのビートをフィーチャーし、エレクトロニックで自由度の高プロダクションへと大胆に刷新してみせた。音数を絞ったミニマルなサウンドとヴォーカルが、ジャケにも表れた神秘的でクールな世界を描いている。
初の外部プロデューサーとしてブラッドリー・スペンスが参加したセカンド・アルバム。エレクトロニクスをベースに生演奏のタッチも呼び戻し、緻密に構築したサウンドの完成度に息を呑む。R&Bへのアプローチを明確に打ち出しており、アンビエントR&B流儀のビートレスな音像に極上のメロウネスが浮かぶ様子がことのほか美しい。
現行の2人編成となって発表したEPで、共同プロデューサーとしてブラッドリー・スペンスとジェイク・ミラーが参加。持ち前のメロウ・ムードはそのままに、『There』の細密なサウンド構築をさらに過剰に推し進め、テーム・インパラにも通じるようなサイケデリック味を有する壮大なエレクトロニック・ポップを提示した。
