(左から)荒内佑、橋本翼、髙城晶平

2018年の前作アルバム『POLY LIFE MULTI SOUL』において、ダンスミュージックを拡張すると共に、ポリリズムを織り込むことでポップミュージックの進化を促したcero。5年ぶりとなる新作アルバム『e o』は、これまでこだわってきたコンセプトやストーリーテリング、フィジカルなグルーヴの先で、3人の内なる創造力を糧に、さらなる前進を果たした作品だ。彼らの目の前にはどんな音楽の景色が広がっているのか。メンバーの髙城晶平、荒内佑、橋本翼の3人に話を訊いた。

※このインタビューは2023年5月25日発行の「bounce vol.474」に掲載されている記事の拡大版です

cero 『e o』 KAKUBARHYTHM(2023)

 

音楽を介して人と関わる、考える

──前作『POLY LIFE MULTI SOUL』から5年ぶりとなる新作アルバム『e o』は、これまでceroが拠り所にしてきたコンセプトやストーリーに基づいた作品制作のスタイルから自らを解き放った画期的な作品です。このアルバムに向かう最初の一歩であった2020年の配信シングル“Fdf”は、米国ワシントンが発祥であるファンクビート〈ゴーゴー〉を軸に、ダンスミュージックの拡張を意図した『POLY LIFE MULTI SOUL』の流れを汲んだ曲でしたね。

髙城晶平「2019年の年末から2020年の年明けにかけて制作を行った“Fdf”の時点では次のアルバムについては全く考えていませんでした。あの曲はのちに7インチシングルも作りましたけど、ceroにとってフィジカルを持たない最初の曲で、内容的にもフィジカルを持たない次元に向かっていく事象がテーマにありました。

その時点で僕はソロでも動いていたんですけど、あらぴー(荒内)、はしもっちゃん(橋本)の作品はまだまだ時間がかかりそうだし、ceroをどうするかという地点に戻ってくるのは先になりそうだから、しばらくはソロかなとぼんやり考えていた程度。まして、コロナで世の中が大変なことになるとは全く想像もしていませんでしたね」

『e o』収録曲“Fdf エフ・ディー・エフ (e o)”

──2020年4月に髙城さんがShohei Takagi Parallela Botanica名義で発表したアルバム『Triptych』を皮切りに、2021年の荒内さんのアルバム『Śisei』、橋本さんのジオラマシーン名義のアルバム『あわい』と続いたソロ活動は、コロナ禍でライブが延期になりましたし、ceroとしても大人数で集まるのがなかなか難しかったと思います。

髙城「僕個人としては、ライブが自分の食い扶持とは思っていなかったので、気を病むことはそんなになかったと思うんですけど、とはいえ、将来的な不安は蓄積していて、この状況がこのまま続くのはマズいよなという思いもありました。

ただ、よくよく考えたら、自分の人生にとって音楽は絶対的なものではなく、たまたまだったんですよね。じゃあ、何がやりたかったかというと、音楽を介して人と関わりたかった、あるいは音楽を介して考えることがしたかったんだろうなって。

そういう地点まで立ち返ったことによって、自分が今後コロナじゃなく、もっと違うことで身体が拘束されるようなことがあったとしても音楽は続けられるだろうし、そう考えることで気が楽にもなりました」

──ソロ活動の経験はceroの音楽制作に何をもたらしたと思いますか。

髙城「これまでceroには、はっきりした青写真、プランやコンセプトに従って制作を進めてきたんですけど、それと同じ方法論で自分のソロを作り終えて、一段落ついたというか、また同じやり方をceroでやる感じではないかもしれないなって」

荒内佑「自分のソロは管弦楽器奏者がいて、譜面を書かなければ動かない音楽だったので、一音一音を精査する作業が必要だったんですけど、その後のceroの制作においても同じプロセスが引き継がれていきました。例えば、髙城くんから曲の種をもらったら、まずはメロディを譜面に書き起こして、それに対する旋律やアレンジを考えるようになりました」

橋本翼「ceroにおいて、僕の曲はいつも後出しなんですけど、ソロも2人に遅れて、ceroのアルバム制作が半分くらいまで進んだ頃ようやく出せたんです。その制作過程で生まれた、ソロに収まらない曲、そのなかからceroに合いそうな曲を提供できたのは大きな収穫でしたね」

3人で集まって作ってみようか

──そして、2021年に“Fdf”に続く配信シングル“Nemesis”はピアノとシンセサイザー、そしてボーカルが曲を引っ張っていくユニークな構造になっていて、信号音のようなベース、プログラミングが特徴的な曲でもあります。

髙城「“Nemesis”は、自分たちの作業スペースでコンセプトも青写真も持たず、とりあえずトライしてみようと作った最初の曲です。これまではデモを移し換えるスタジオ作業があったんですけど、デモがそのまま生成変化して完成に至る流れをスムーズに体現できたことで大きな手応えを感じました。しかも、それが思いも寄らない曲になり、聴いていて、ずっと新鮮さがあったので、この調子でそのまま続けていこうということになったんです」

『e o』収録曲“Nemesis ネメシス (e o)”

──自分たちの作業スペースを持つことになった経緯を教えてください。

荒内「2021年1月に同じタイミングでSeihoくんとのコラボと別の楽曲提供の話が来て、どちらも同じ週に締めきりだったんですけど、いつものようにダラダラやっていたら間に合わなそうだったんです。幸い、ceroは3人とも近いエリアに引っ越したこともあって、久しぶりに僕の家に集まって作業してみたら、このやり方はいいかもしれない、と。その一件をきっかけに、自分たちの制作スペースを持とうという話になったのが今回のアルバムの発端になりました」

 

プログラミングの比重が増えた音

──“Nemesis”しかり、その後、配信でリリースした“Cupola”と“Fuha”しかり、リズム隊は生ではなく、プログラミングで構築されています。フィジカルなグルーヴにこだわった2015年の『Obscure Ride』と前作アルバムに対して、今回のアルバムはプログラミングの比重が飛躍的に増しているところにも大きな特徴があります。

髙城「今回は生ドラムも入っていますけど、最終的には打ち込みと半々くらいなのかな。前作はグルーヴをフィジカルで生み出すことに主眼が置かれていたし、録音の現場もオーバーダビングではなく、みんなで一斉に音を出すことにこだわっていたので、その反動もあったのかもしれないですね」

荒内「あと、プレイヤーとのセッションは相手に委ねてしまうと、絶対自分のイメージ通りにはならない。それが面白さでもあるけれど。その点、自分たちでコントロールすれば、微調整もできるので、結果的にプログラミングの比重が増えたと思います」

──ダンスミュージックにとらわれないエレクトロニックミュージックのアプローチを織り込んだ今回の楽曲はIDM、エレクトロニカの発想とも共鳴しているようにも感じますし、ソングライティングとアレンジ、プロデュースの役割が変化し、3人が自由に出入りするフリーフォームな制作体制は『WORLD RECORD』(2011年)の頃のceroを思い起こさせものがあります。作品クレジットを拝見すると、例えば、橋本さんはギター以上に、プログラミングで作品に貢献されていますし、1曲目の“Epigraph”は荒内さんが不在だったり、今のceroはバンド形態にもとらわれていない。

橋本「ギターを演奏するのは好きなんですけど、楽器自体にそこまでのこだわりはないんですよ。一方でパソコンをいじったりするのが好きだったりするし、2人が作業する様子を見ていて、今回はこんな感じでいくのかということを知り、曲を提出しました。課題を与えられた受講生のような立ち位置で作品に関わることが多かったですね」

髙城「頭を使って、アイデアを出し合いながら、3人で作業するは難しくて。僕とあらぴーがパソコンの前で判断に困ると、その後ろにいるはしもっちゃんにお伺いを立てるんですよ。そうすると、どちらがいいとは言わずに、客観的に状況を整理してくれる。だから、ある意味で一番面倒な役割を担ってくれたのははしもっちゃんですね。

そうかと思えば、曲の最初の段階は僕と橋本くんの2人でギターを弾きながら作ったりもしていて、そういえば、高校生の頃はこんな感じで曲を作ったりしていたなと、不思議な感覚を覚えましたね」

荒内「僕は髙城くんが提示してきた曲の種を膨らませたり、録った素材を家に持ち帰って、バランスを取ったり、まとめたり。プロデューサーやアレンジャーに近い役割を担うことが多かったですね。

だから、自分で曲を書く時間が減って、書く曲もピアノ主体のシンプルなものになっていった気がします」

──アレンジに仕掛けが張り巡らされた配信曲に対して、初出のアルバム収録曲はシンプルで、メロディやハーモニーが際立っています。

髙城「今回の制作を振り返ってみると、シングル1曲1曲はシングルを出すぞという気持ちで作っていたので、重たくなっていくというか、アイデアフルな曲になっていく感じだったんですよね。でも、そういう曲がアルバムを占めると、結構ギトギトした作品になりそうだなという感覚が“Cupola”をリリースした頃にはすでにあって。

そう考えながら制作を進めるなかで、シングルとしてはフィットしなかったけど、アルバムの曲として面白くなりそうな曲やアイデアがストックにいくつもあって。そういう曲を引っ張り出して、膨らませてみたり、作品としてのバランスを図ったりするなかで、ギターやピアノが主体の曲が増えていったのかもしれないですね」

『e o』収録曲“Cupola キューポラ (e o)”

目的はなくムーブがあった

──ストリングスを交えて、アメリカーナに通ずるオープニングナンバー“Epigraph”は髙城さんのソロに通じるパーソナルな世界が拡がっているように感じましたし、この曲では〈真新しいものがなくなりようやく/静けさの中ページが開く〉という一節が歌われていますよね。

髙城「『Obscure Ride』や『POLY LIFE MULTI SOUL』は何かしらの野望や願望を持って、それを表現するにはどうしたらいいかというところで自分たちが動いてきたんですけど、今回はそうじゃなかった。自分たちのムーブが先にあって、それならばこういうことが出来るよという感じで可能性が開かれていく、そういう順番で事が動いていったんですよね。だから、この曲の歌詞を書く際にアルバムを俯瞰で眺めた時、この作品は野望や願望を持たずに作ったものですよというステートメントとなる言葉が生まれたんだと思います。

ただ、目的なし、プランなしで作ったアルバムではあるんですけど、自分の作詞のクセとして、どこかしらに言葉のリンクを散りばめていって、結局、出来上がってみれば、ストーリーじみたものがぼんやり浮かび上がってくるんですよね。そういう作品であるからこそ、アルバムタイトルを付ける段階で、そのぼんやりしたストーリーを支えるタイトルを付けてしまうと、みんなの捉え方が寄ってしまって、せっかくの余白や深みが狭められてしまうかもしれない。そこでセルフタイトルでそのまま『cero』でいいんじゃないの?という意見も出たんですけど、ceroという単語を言葉遊び的にいじった方がこのアルバムで遊んだこと、具現化したことに近いものになるんじゃないかということで『e o』に落ち着いたんです」

『e o』収録曲“Epigraph エピグラフ”

──コンセプトやストーリーは作品の雄弁なガイド役になる一方で、作品の想定外の広がりや聴き手それそれの自由な解釈を妨げる一面もあるかと思います。今回、作ったご自身たちにとっても新鮮に感じるという発言がありましたが、どのようなアルバムになったと思いますか。

荒内「自分にとっては、ブリコラージュ的な遊びのアルバムですかね。遊びというと軽く聞こえるかもしれないですけど、汲めども尽きない深みを感じます」

髙城「どういうアルバムなんだろうと、毎回聴くたびに他人事のように思う、第三者が作ったような作品ですね。

この作品は、例えば、コロナ禍の状況と結びつけて語ったりもできると思うんですけど、そういう解釈は長い目でみれば、風化して、切り離されていくでしょうし、全然それでいいというか、時間経過に左右されない強度を持った作品になっていたらうれしいですね」

ceroの過去作。
左から、2011年作『WORLD RECORD』、2012年作『My Lost City』、2015年作『Obscure Ride』、2018年作『POLY LIFE MULTI SOUL』(すべてKAKUBARHYTHM)

『e o』に参加したアーティストの関連盤。
左から、GUIROの2019年作『A MEZZANINE(あ・めっざにね)』(eight)、CRCK/LCKSの2023年のEP『総総』(APOLLO SOUNDS)、角銅真実の2020年作『oar』(ユニバーサル)

『e o』とあわせて聴きたいストレンジかつビューティフルな音楽集

Shohei Takagi Parallela Botanica 『Triptych』 KAKUBARHYTHM/ソニー(2020)

近年の髙城が強く惹かれるジョー・ヘンリー関連作などへ傾斜したバンド・サウンドはズシンと重い。共同プロデュースで参加したSauce81は、踊らせるというより前に進む力を与える。静謐で暗いファンタジア的な歌詞の世界観は、『e o』への前哨戦とも。 *松永

 

arauchi yu 『Śisei』 KAKUBARHYTHM(2021)

フィジカルなアプローチではなく、作曲家然としたスコアのコンポジションで制作されたソロ作。サンプリングの手法を介してアコースティック楽器の室内楽から逸脱した美しくもどこか奇妙な楽曲は、多岐に渡る音楽指向を浮き彫りにしている。 *小野田

 

ジオラマシーン 『あわい』 KAKUBARHYTHM(2022)

ベータ版がブッダマシーンで発表されたことも話題を集めた橋本翼のソロ初作。光永渉や角銅真実らcero人脈も絡みつつ、4つ打ち、レゲエ、ジャズなど多彩なサウンドを19曲で展開。ローファイ然とした魅力に、本隊の朴訥とした歌心の由来を思う。 *田中

 

坂本真綾 『記憶の図書館』 FlyingDog(2023)

『e o』の一週間後に発表される本作の冒頭曲“ないものねだり”は荒内が作・編曲を担当。須原杏ら演奏陣も重なっており、ポスト・クラシカルなアレンジに彼の記名性が漂う。先鋭性をそのまま強度に変えるポップスの達人っぷりがceroと坂本の共通点か。 *田中

 

NALA SINEPHRO 『Space 1.8』 Warp/BEAT(2021, 2022)

ハープとモジュラー・シンセサイザーを操るカリブ系ベルギー人音楽家がワープより発表したファースト・アルバム。自身による多重録音、セッションからアンビエントやジャズ、電子音楽など、多面的に解釈できる鎮静的な音響空間が広がる。 *小野田

 

EDDIE CHACON 『Sundown』 Stones Throw(2023)

ジョン・キャロル・カービーのプロデュースでシーンに復帰し、本作が3年ぶりの2作目。オールド・シンセと生音が融和するグルーヴはひたすら心地良いが、陽射しを浴びたレイドバックではなく、濃い霧の中を歩く不安を孕む。枯れた歌声が伝える色気も危険。 *松永

 

藤井 風 『LOVE ALL SERVE ALL』 HEHN/ユニバーサル(2022)

藤井 風をあえて〈聴きたい〉とするのも不思議な気がするが、『e o』のエンジニア小森雅仁が昨年に録音とミックスを担当した重要作として挙げる。『e o』における音の変化(とりわけ声の存在感の強さ)を経験したうえで再聴するとおもしろさが増すのでは。 *松永

 

BRUNO PERNADAS 『Private Reasons』 Pataca Discos(2021)

〈FESTIVAL FRUEZINHO 2022〉ではceroと同じ舞台に立ったポルトガルの才人ギタリストによる傑作。アフロビートやジャズ要素を強めつつ、これまでになく歌を主体にし、声の重なりや変容も多用してスケールの大きなファンタジアを創造している。 *松永

 

SAM WILKES, JACOB MANN 『Perform The Compositions Of Sam Wilkes & Jacob Mann』 Leaving/ASTROLLAGE(2022)

アンビエントの穏やかさとビート・ミュージックの多層性を併せ持つ『e o』は、リーヴィング諸作を想起させる。ベーシストと鍵盤奏者の本コラボ作は、清潔で整理の行き届いた部屋のごとき快適さ。キュートな点も心憎い。 *田中

 

XENIA FRANÇA 『Em Nome Da Estrela』 Xenia França/THINK!(2022)

ブラジル新世代を代表するシンガー・ソングライターの2作目。オーケストレーション(アルトゥール・ヴェロカイも1曲で参加)やエレクトロニクスを織り込みながら、優雅にアフロ・ブラジルを更新。聴くたびに新たな驚きや発見をもたらしてくれる一枚だ。 *田中

 

ROBERT WYATT 『Comicopera』 Domino(2007)

ワイアットの現時点での最新作。人間の内面が持つ不思議さに音楽で対峙し、社会の不条理に歌と言葉で美しく抗う姿勢から生み出された作品はどれもceroファンなら必聴だ。物語的構造を持つ本作の穏やかな深みが『e o』な耳には特にフィットしそう。 *松永

 

BEATRICE DILLON 『Workaround』 Pan/Pヴァイン(2020)

UKの鬼才が生演奏からのサンプリングを交えたパーカッシヴかつバウンシーなミニマル・トラックにすべてを注ぎ込んだ名作。一瞬のフレーズからアフロ・カリビアン、ダブ、フリージャズ、現代音楽など、目が眩むほどに豊かな音楽を知覚させる。 *小野田