現在30周年イヤーを迎えている庵野秀明が生み出した人気アニメシリーズ「新世紀エヴァンゲリオン」。作品が誕生した1990年代当時だけでなく、2000年代以降に製作された新劇場版でも社会現象を巻き起こすなど、30年もの間、同シリーズは世界中の人々に衝撃を与え続けてきた。30周年イヤーが佳境を迎えた今、ライターの板谷祐輝に同シリーズの劇伴に注目してもらい、その魅力について綴ってもらった。 ＊Mikiki編集部
人々の心に深く刻まれたロボットアニメの金字塔
1995年10月4日、記念すべきTVアニメ第1話の放送から今日まで30年。その間、これほどまでに多様な作品に影響を与え、視聴者の心に深く刻まれ続けている作品も珍しい。それこそがこの作品の真の評価と言っても過言ではないだろう。
庵野秀明が手がけたロボットアニメ（敢えてこう表記する）の金字塔「新世紀エヴァンゲリオン」。ここでこの作品の解説や解釈を論じるのはあまりにも野暮なので割愛するが、今回は本作における音楽／劇伴の役割に焦点を当て語ることで、30周年という記念すべき節目を祝したい。
「エヴァ」（以降「エヴァ」と略すことを容赦願いたい）は、1995年から様々なメディアミックス展開を行ってきた。本稿では、1995年のTV放映版、1997〜1998年の旧劇場版（「DEATH (TRUE)²」「Air／まごころを、君に」など）、そして2007年から2021年にかけて公開された新劇場版4部作について触れたいと思う。
鷺巣詩郎が創造する「エヴァ」の音世界
「エヴァ」の音楽を担当する鷺巣詩郎は、劇伴の領域でもポップス／歌謡曲の領域でも数多の傑作を残してきた音楽家である。彼は「エヴァ」以前には「ふしぎの海のナディア」、以降では「シン・ゴジラ」「シン・ウルトラマン」などで庵野とタッグを組み、素晴らしい作品を世に送り出してきた。
彼の音楽の特徴は、〈器楽・合唱を生音で録るという音作りでのこだわり〉と〈ジャンルを横断して映像に最適な曲を付す〉ことにある。1990年代より拠点をロンドンやパリに移し、スタジオでのオーケストラ録音を本格的に行ってきた。その重厚壮大な音が、作品に深い奥行きをもたらすのである。たとえば、TV放映版23話の“THANATOS”、19話の“THE BEAST II”などに代表されるように、緊迫のシーンと相まって悲痛なストリングスや迫力あるブラスが圧倒的な没入感を演出している。
ただ、緊張感あふれるオーケストラばかりが注目されがちだが、日常や平和を描く音楽もバラエティに富んでいる。劇中では“RITSUKO”や“ASUKA STRIKES!”のようにオーガニックなサウンドのものから、ジャズやフュージョン、R&B、ファンクといった要素を取り入れた軽快なナンバーなども聴くことができる。こうしたメリハリある劇伴が作品全体を支えているのだ。
さらに、鷺巣 × 庵野のタッグによる作品が他にも存在することを活かした、作品を越境した選曲もファンを喜ばせている。「新劇場版：Q」では「ふしぎの海のナディア」の楽曲をアレンジした“Gods Message =3EM02=”“The Anthem =3EM07=”などが登場し、驚愕したファンも少なくなかっただろう。
また「エヴァ」の音楽といえば、印象的な“DECISIVE BATTLE”を筆頭とする“EM20”シリーズが挙げられる。おそらく〈デン、デン、デン、デン、ドンドン〉というリズムパターンを一度は耳にしたことがあるのではないだろうか。このシリーズは「エヴァ」の劇中でも様々なアレンジが施された他、後年の「シン・ゴジラ」でも登場し、ファンを沸かせた。
このように、映像との相性、生音へのこだわり、作品を越境した楽曲使用という3つの武器をフルに活用しているからこそ、「エヴァ」の音世界は今にいたるまで色褪せないのである。
音楽が主役となった「Q」での名シーン
ここまでは一般的な劇伴の話に終始してしまったが、「エヴァ」における音楽の魅力はそれだけにとどまらない。劇中では音楽そのものが重要な物語要素として機能する場面があるのだ。
たとえば、主人公の碇シンジが常に持ち歩くS-DAT（架空のポータブルオーディオプレイヤー）から再生される楽曲群である。このプレイヤー自体が物語内で象徴的な位置付けにあるが、そこから微かに聞こえてくる音楽が、独特の感情描写や現実とのリンクを示唆する役割を果たしている（再生される曲には各キャラクターを担当する声優の楽曲や、制作元に所属する歌手の楽曲が使われている）。
これもある種のメタ的な演出だが、S-DATとそこから流れる音楽が情景を支配するシーンでは、通常の劇伴や無音では描き出せない閉塞感やリアリティが生まれている。また、音楽が主役となるシーンとして欠かせないのが、「新劇場版：Q」におけるシンジと渚カヲルの連弾シーンだろう。ここでは2人の交流の象徴として、鷺巣が作曲した“Quatre Mains (à quatre mains) =3EM16=”が演奏される。その映像美と相まって、このシーンは「エヴァ」の音楽世界を堪能する上で欠かせない名場面となっている。
さらにもう一つ触れておきたいのが〈既存楽曲の引用〉である。引用という手法は、もちろん「エヴァ」に限らず様々な創作で用いられるが、その利点は引用元が既に持っている〈意味やニュアンス〉を借用し、それに沿ったり、あるいは裏切ることで世界観をより高次元に拡張できる点にある。
この手法が鮮烈に活きていると感じるのが、「新劇場版：破」での“今日の日はさようなら”の使用だ。元々は1967年に森山良子によって発表され、その後NHK「みんなのうた」でも放送された昭和を代表する名曲である。フォークソングでありながら童謡としても認知されており、切なさはあるものの非常にピースフルで穏やかな曲調のナンバーだ。
しかし、「エヴァ」の劇中でこの曲が流れるシーンは、ここで描写するのも憚られるほど残酷なものだ。そのギャップが観る者に強烈な印象を刻み込むのである。
同じく「新劇場版：破」には“翼をください”が使用されるクライマックスシーンがあり、同様の効果をもたらしてくれるのでこちらも必見だ。
重要な役割を担うクラシック音楽の引用
個人的な解釈ではあるが、「エヴァ」という作品の魅力の一つに〈安易にカタルシスへ至らせない不条理さ〉があると考えている。これは鑑賞者に対し、わずかなカタルシスの萌芽を見つけるために作品の解釈を〈強いる〉仕掛けとなっており、それゆえに人々の心に深く刻まれるのではないだろうか。なぜこの曲が選ばれたのか――人の数だけその解釈はあるが、この〈不条理さ〉を音楽が体現していると考えると、実に凄まじい演出である。
またクラシック音楽の引用も、作品の印象を大きく変える要素となっている。有名なところでは、TV放映版の終盤で使用されるベートーヴェンの“交響曲第9番《合唱》”が挙げられ、作品全体でも重要な役割を担う楽曲だと言えるだろう。
また、旧劇場版「DEATH (TRUE)²」では、弦楽四重奏の調弦という細部から始まり、バッハの“無伴奏チェロ組曲 第1番”“無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ 第3番”、パッヘルベルの“カノン”などが全編にわたって登場し、構成面での演出を担っている。
こうした数々の楽曲が〈意味の重層化〉という効果を作品にもたらし、それが最大限に活かされることで僕たちの心に深い爪痕を残す。これこそ「エヴァ」という作品が30年も愛される所以ではないかと僕は考える。
音楽という観点に絞っても、「エヴァ」という作品の魅力はまだまだ語り尽くせない。サウンドトラックを聴くも良し、アレンジアルバムや企画盤を楽しむも良し。そして、あらためて音楽に着目しながら映像で作品を振り返ってみてもいいだろう。もしかしたら、それまで気づかなかった新たな見方が生まれるかもしれない。
30周年という節目に、ぜひ「エヴァンゲリオン」の豊かな音楽世界を堪能してほしい。
