クールでスタイリッシュ、それでいて諧謔精神もたっぷりと。シンガーとラッパーの二枚看板を擁する8人のジャズマンが完成させた、ポップでドープな新作の中身は?

 

二枚看板のコントラスト

 ジャズへの愛情とヒップホップ・マナーを併せ持ち、爆発的なパフォーマンスとメンバー各自のユニークなキャラクターによって各界を賑わせてきた8人組、SANABAGUN.。彼らは昨年10月にアルバム『メジャー』で華々しくメジャー・デビューを飾ったが、その成果についてメンバーはこう冷静に分析する。

 「メジャー・デビュー後も状況自体は良くも悪くも変わらなかったですね。あと、SANABAGUN.のギャグがシュールすぎて伝わりにくいことに気付きました(笑)」(小杉隼太、ベース)。

 「前のアルバムのアーティスト写真(全員スーツで、谷本大河の肩に小人サイズの澤村一平が乗っている)にしても、ウチらとしてはギャグのつもりだったんだけど、真剣にああいうことをやりたいヤツらだと思われちゃった。今回は写真にしても普段通り。普通にモテにいってます(笑)」(高岩遼、ヴォーカル)。

 ジャズとヒップホップを共通項としているものの、SANABAGUN.はかなりの個性派集団だ。ひとたびぶつかり合ってしまうと一瞬のうちにバラバラになってしまいそうな危うさがあり、それが彼らの魅力にもなっている。

 「俺らは〈バンド〉というよりも〈チーム〉という感覚があるんですよ。同じ方向をみんなで見てるわけじゃないし、まとまりが悪いチームでもあって」(高岩)。

 「SANABAGUN.の良いところは8人いるところであり、悪いところは8人いることだと思うんですよ。大人数の編成が良い面でも悪い面でも作用するし、それが楽しいところでありつつ難しいところ。でも、このメンバーだからこそ8通りのアイデアが出てくるわけで、それが強みではありますよね」(小杉)。

SANABAGUN. デンジャー CONNECTONE(2016)

 前作『メジャー』までは8人によるジャム・セッションを元にひとつの楽曲を生み出してきたというが、今回のニュー・アルバム『デンジャー』は違う。これまで以上に緻密に構成を練り上げ、この個性派集団が何たるかを音盤に落とし込むべく、さまざまな試行錯誤が重ねられた。

 「前のアルバムはライヴの延長上だったけど、SANABAGUN.の世界観をどうやったら作品に落とし込めるのかようやく考え出したのかもしれない。例えば、こいつ(高岩)、ライヴではものすごく存在感があるんですけど、いままでの曲だと岩間俊樹(MC)のラップに多少かぶってくるぐらいの楽曲構成だったので、音源だと存在感が伝わりにくくて。今回は遼の歌を押し出すというコンセプトはありましたね」(小杉)。

 「俺を使わずにどうすんの?っていうことですよね」(高岩)。

 独特の言語感覚で聴き手を引き込む岩間のラップと、ソウルフルかつ固有のダンディズムが滲む高岩の歌声。今回の楽曲からはSANABAGUN.最大の武器である二枚看板のコントラストがよりくっきり浮かび上がる。それがもっともわかりやすい形で表現されているのが、高岩のアイデアをベースに作られたという“BED”。すでに彼らのライヴでは定番となっているこの曲は、ファンクとジャズとトラップが渾然一体となったような、ちょっとありえない構成の楽曲だ。

 「俺が持ってきた曲なんですけど、最初はもっと複雑な展開だったんです。3曲分ぐらいのアイデアをひとつにまとめてしまった」(高岩)。

 「最初は何を言ってるのか全然理解できなかった(笑)。楽譜に落とし込んだら意味不明な曲になると思うんですけど、その点でもこのバンドじゃないと絶対出来ない曲ですね」(小杉)。

 

ポップでドープ

 また、高岩が「今回は全体的によりヒップホップになったと思いますね。音の質感もそうだし、曲調もそう」と話すように、音の質感にもかなりのこだわりが見られる。その点についてはSOIL&“PIMP”SESSIONSらを手掛けてきたレコーディング・エンジニア、奥田泰次の意向も反映されているようだ。

 「『メジャー』の音は〈生ヒップホップ〉っぽい感じだったけど、今回は生ヒップホップというよりは〈ヒップホップ〉。そういう音の質感についても奥田さんがだいぶアイデアを出してくれて」(小杉)。

 「“Mammy Mammy”にしても音のイメージとしてあったのはゲームとか。激しくてゴリッとしたサグなバウンスに、こういう歌詞が乗ったらいいんじゃないかと思って」(高岩)。

 母親に対する愛情と高岩のヤンチャイズムが前面に出た“Mammy Mammy”、ふと〈お母さん、ありがとう〉的なハートフルな内容かと思いきや……。

 「こういう曲って得意なんですよ、騙して涙を誘うような曲が(笑)。歌詞のなかではお母さんが死んだように書いてますけど、実際は死んでないし。カフェ・コンピに入ってるような曲にはしたくなくて(笑)」(高岩)。

 このように、クールでスタイリッシュであっても、どこかで舌をペロリと出しているような毒気もSANABAGUN.の魅力。それは、ひたすら板ガムを讃える“板ガムーブメント”や、高岩が敬愛するフランク・シナトラも歌ったジョージ・ガーシュウィン作曲のスタンダード“A Foggy Day”を引用したムーディーなサビが配されながらも、岩間が聴き手を煙に撒くようなラップを披露する“A Foggy Day”などからも感じ取ることができるが、そんななかでも注目すべきは、やはりラストを飾る“メジャーは危ない”。曲調こそ収録曲中もっともポップかつキャッチーだが、岩間のラップはバンドの内情を告発するかのような衝撃的内容。その真意を問うと……。

 「これは基本的に俊樹から俺へのディス・ソングですね。勝手にこの曲をサンプリングしてアンサー・ソングを作るつもりなんです。“メジャーは危なくない”っていうタイトルで(笑)」(高岩)。

 うーむ、どこまでが本当かわからなくなってきたが、このように一筋縄ではいかないところもSANABAGUN.のおもしろさであることは間違いない。今回収録された“P.O.P.E”のタイトルは「ポップとドープをくっ付けた造語」(小杉)だというが、この言葉はSANABAGUN.の魅力を説明するものであり、今作のキャッチコピーとしても相応しいものだろう。ポップでドープなニュー・アルバムを携えて、SANABAGUN.の快進撃がいま新たに始まる。

 

メンバーのルーツや〈デンジャー〉な作品ガイド! Pt.1

隅垣元佐(ギター)

 隅垣の1枚目は、JiLL-Decoy associationHanah Springのバンド・メンバーとしても活躍するジャズ・ギタリスト、吉田サトシによる2作目『Mement』(Pirates)。「レコーディングのちょっと前くらいに一平氏に貸してもらい、ライヴも観に行って〈すごすぎる!〉となり、今回のアルバムではギターで何個かリフを作ろうと思わせていただいたアルバムです」。続いてはUKの電子音楽×ジャズなインスト・グループ、ポルティコ・クァルテットニック・マルヴェイによる初ソロ作『First Mind』(Fiction)。幻想的な歌モノ作品で、アコギ使いが独特。「リハ後にたまたま買ったアルバムで、帰り道によく一人で聴いていました。こういう感じが結構好きで、〈『デンジャー』ではナイロン弦とかを使いたいなぁ〉なんて思っていたら、“Mammy Mammy”で使えました」。

 

櫻打泰平(キーボード)

 櫻打のセレクトは、スティーヴィー・ワンダーの73年作『Innervisions』(Motown)。「16枚目のオリジナル・アルバムにして、スティーヴィーがかなり新しいことにトライしている点が多くて、それまでの彼にはない世界観の一枚。“Jesus Children Of America”はいろんなアーティストのヴァージョンも含めて大好きな名曲」。次は、スティーヴィーと同じくソウル界のトップランナー、チャカ・カーンのベスト盤『Epiphany -The Best Of Chaka Kahn Vol.1』(Reprise)。「ずいぶん前に持ってたんだけど、やっぱり最高だから最近もう一度買い直したアルバム。全部有名な曲ばかりなんだけど、なかでも“Through The Fire”は作曲がデヴィッド・フォスターで、バラードでは個人的に1、2を争う名曲」。

 

谷本大河(サックス/フルート)

 谷本は、まずジャジー・ヒップホップの先駆者、ファンキーDLのベスト盤『The Ultimate Collection』(Washington Classics)をピック。「常人では考えられないメロウなフロウ。トラックは生音から録音してるサンプリングがほとんどで、聴いていてひたすら心地良い。サンプリングの組み合わせも独創的で、驚きを覚えることもしばしば。レコーディング時はこの生な感じと打ち込みの狭間を研究していた」。次は、ゲストなしで挑んだ山仁の2012年作『KIMIGAYO』(Libra)。「言わずと知れた町田のボス。サウンド、ミックスの素晴らしさ以上に、本作で表現されている〈彼独自の宇宙〉が印象的。人それぞれ宇宙を持ってるものだが、ここまで己の宇宙を表現できる者はいないだろう。勝手な固定概念を捨てこの作品を全力で見よ!!」。

 

岩間俊樹(MC)

 岩間が最初に選んだのは、Zeebraの率いるクルー、UBGに所属してZeebraのサイドMCも務めたOJ FLOWSENTENCEから成るデュオ、OJ&STのファースト・ミニ・アルバム『ONE LIFE』(FUTURE SHOCK/ポニーキャニオン)。「最高の2MC! 〈これぞジャパニーズ・ヒップホップ〉というような王道を教えてくれる一枚。〈強引な韻〉すらスタイルになる強烈なラップ」。続く2枚目は、"E"qualAKIRAとのトリオ=M.O.S.A.D.の一員として名を馳せ、26歳で夭逝した名古屋の顔役、TOKONA-Xによる唯一のアルバム『トウカイXテイオー』(Def Jam Japan /MS)。「僕がこのラッパーを知った時にはすでに亡くなっていました。楽曲に彼のすべてが滲み出ているような気がして生き様を感じました」。

 

メンバーのルーツや〈デンジャー〉な作品ガイド! Pt.2

高岩遼(ヴォーカル)

「小6の頃、USAフォー・アフリカの“We Are The World”をTVで観た。スティーヴィー・ワンダーが目的だったのに、サングラスおじさんの歌声を聴いたとき涙が溢れてきた。なけなしの小遣いですぐ買いに行ったアルバムがこの、レイ・チャールズ『The Definitive Ray Charles』(Rhino)。ブルースが、ゴスペルが、ジャズが、R&Bが、ファンクが、ソウルが、カントリー&ウェスタンも聴こえてくる。音楽が、〈ブラック・ミュージック〉が聴こえてくる。このアルバムがなければ俺は今ここにいない。

 そして高2の頃、男性ジャズ・ヴォーカルのコンピを買った。その頃黒人至上主義だった俺は衝撃を受けた。卓越されたバリトンで“Around The World”を歌うこの歌手は誰だ! ……白人の歌手だった。イタリア系アメリカ人の伊達男、音楽のスタイルを死ぬまで一切変えず、20世紀を代表するエンターテイナーとして世界に君臨した〈ザ・ヴォイス〉だった。『Seduction: Sinatra Sings Of Love』(Rhino)は俺がフランク・シナトラを聴いて初めて買ったCD。これで〈歌〉を学んだ。このアルバムがなければ俺は今ここにいない」。

 

小杉隼太(ベース)

 小杉が「いちばん純粋にリスナーとしての耳で聴ける愛聴盤」として最初に挙げたのは、LAが拠点のエレクトロ・ポップ・デュオ、エレクトリック・ユースの『Innerworld』(Secretly Canadian)。そしてもう1作品は、アシッド・ジャズ・シーンの立役者、ジャミロクワイの2作目『The Return Of The Space Cowboy』(S2)。「俺のベースのバイブルです」。

 

髙橋紘一(トランペット/フリューゲルホルン)

 髙橋の1枚目は、アート・ファーマー・カルテットの63年作『Interaction』(Atlantic)。「僕の一番好きなフリューゲル奏者のアート・ファーマー。彼も当時のジャズマン同様、70年代に入ると電子音楽を取り入れた素晴らしい作品を残している。が、今回は盟友ジム・ホールとの本作を。作品を通して感じるフリューゲルホルンの温かさをぜひ」。続いては、シャーリー・ホーンの98年作『I Remember Miles』(Verve)。「トランペットにRHファクターでお馴染みの、皆大好きなロイ・ハーグローヴが参加。彼のストレートなジャズ・プレイを聴いたことがない人、意外と多いのでは? これぞヒップです。マイルスが愛した名曲たちを歌うシャーリーの歌声もピアノも、もちろん最高。“Blue In Green”なんて珠玉です」。

 

澤村一平(ドラムス)

 澤村の最初の1枚は、ホセ・ジェイムズのバンド・メンバーも務めるジャズ・トランペッター、黒田卓也のセクステット編成による2013年作『Six Aces』(Pヴァイン)。「『デンジャー』の制作時期くらいによく聴いてた。単純に曲と演奏がカッコイイ。すごくモダンで黒いけど、日本人的なセンスを感じる。演奏の熱量もすごい。クールだけどすごくホットな一枚」。続いては、〈新しいジャズ〉の代名詞、ロバート・グラスパーの『In My Element』(Blue Note)。「高校生の時、〈ジャズ〉と言えばスタンダードしか知らなかった自分が初めて聴いたコンテンポラリー・ジャズ。曲、音色、フィール、リズム、ソロ……全部が斬新すぎて当時こればっかり聴いてた。ここからいろんな最近のジャズ・ミュージシャンを知っていくことになるけど、その間も今もずっと好きな一枚」。