LA出身のマルチプレイヤー3人組、ムーンチャイルドが、結成から10年を迎えての新作『Starfruit』を発表した。これまでは3人で文句のつけどころのないパーフェクトなアルバムを作ってきたわけだが、5作目となる『Starfruit』は、初めて外から複数のシンガー、ラッパー、ミュージシャンを迎えて作られたという点においても、新しいサウンドで領域を広げて見せている点においても、グループの新章を強く感じさせる。

父親ダニー・ハサウェイの才能を継ぐレイラ・ハサウェィ、アーニー・アイズレー（アイズレー・ブラザーズ）の娘アレックス・アイズレー、スナーキー・パピーとの活動などで注目されたシャンテ・カン、ニューオリンズ出身の素晴らしいライブバンドであるタンク・アンド・ザ・バンガス、ラッパーのイル・カミーユ、ラプソディ、ムーム・フレッシュ、サックス奏者のジョシュ・ジョンソンらとのコラボレーションはどれも有機的で、幸福感に満ちたもの。それによってバンドのボーカリスト、アンバー・ナヴランの歌唱にも変化が生まれ、これまでの作品よりも彼女の感情とメッセージが伝わってくる作品になっている。

現代R&Bをベースにしながらポップスとしての親しみやすさと柔らかさを持つ音楽であること、マルチプレイヤーであること、ジャズを背景として音響も学んできたことなど共通するところが多く、ずっとムーンチャイルドの音楽に魅了され続けているというTENDREこと河原太朗に、彼らのオリジナリティーと新作『Starfruit』における〈軽やかな挑戦〉を語ってもらった。

 

ムーンチャイルドの音楽はTENDREの理想に近かった

――河原さん、ムーンチャイルドが相当お好きですよね。音楽を聴いていて、わかります。

「そうですね。制作にあたってのリファレンスとして聴いている曲も多かったですし」

――聴きはじめたのはいつ頃ですか?

「2017年の彼らのサードアルバム『Voyager』からちゃんと聴きはじめました。それまでもちらちらとは聴いていたんですけど、2018年にTENDREのファーストアルバム『NOT IN ALMIGHTY』を作るにあたってスタジオに入り、エンジニアの方と〈どういう音像にするか〉を話し合っていたときに、ムーンチャイルドの“Run Away”をでかいスピーカーで聴かせてもらって。〈このミックスと曲の構造はなんなんだ!〉って、すごい衝撃を受けたんです。サブベースの使い方とか、けっこうエグいことをカジュアルにやっているなという印象で。心をつかまれた瞬間でしたね」

――彼ら独特のサウンドデザインとか、ミックスの個性につかまれたわけですね。

「まずはそこでしたね。それで2012年のファーストアルバム『Be Free』から改めて聴いてみると、やっていることに一貫性があった。ビート自体はある種ヒップホップライクに作られているのに、メンバーそれぞれが管楽器を吹くなど、生音の乗っけ方がめちゃめちゃ上手い。それは自分がやりたかったこととすごく通じていたところで。自分も稚拙ながら管楽器を吹くし、鍵盤のチョイスの仕方もまさに自分の好みだったので、これだ!という感じがありました。有機的なものと無機的なものとの混ぜ合わせ方、そのバランスの持たせ方が、自分の理想に近かったんです」

 

〈ジャズを勉強してきたんだな〉というより〈ジャズが好きなんだろうな〉

――ここから改めてムーンチャイルドの面白さを話していきたいのですが、サウンドの個性の前に、まず男性2人女性1人という編成が見え方としてもキャッチーですよね。

「そうですね。ドリカム的な（笑）」

――そうそう、初期DREAMS COME TRUE編成。ほかにも初期のEvery Little Thingなど、日本にはこの編成のグループがいくつかありましたけど、大前提としてこの編成は各メンバーの性格のよさとか協調性がないと成り立たないと思うんです。

「ムーンチャイルドは3人とも穏やかそうだし、それが音楽にも表れていますよね。SNSに3人が管楽器を吹いている様子があがっているのを見ると、各々がすごく楽器を好きなんだなって感じるし、3人の穏やかさも同時に伝わってくる。だからこそ安心して聴けるというところもあるかもしれないですね」

――音楽性は、ざっくり言うなら現代R&B。特にネオソウルと呼ばれる種類のものであり、現代ジャズの要素も含んでいる。とはいえ尖ったビートやリズムで刺激を与えるものではなく、抑制されていて、終始メロウ。アンバー・ナヴランの優しい声の感触も手伝って、ポップスとしての親しみやすさもある。そうした全体の柔らかな感触はTENDREの表現にすごく通じるものがあるように思うのですが、どうですか?

「それぞれがいろんな音楽を好きで聴いていて、その上で3人が〈いいな〉と感じるスイートスポットを探しつつ一個一個具現化していったら、結果ムーンチャイルドの音楽になったという感じなんじゃないかと思いますね。自分たちの落ち着ける温度感を探しながら、例えばマイクの距離感とかによってナチュラルな部分を出そうとしている印象がある。そのへんが自分と共通しているところのように感じます。自分もジャンルとして考えるというよりかは、曲を作りながらムードを確かめる。それをカテゴリーとして置いたときにネオソウルでありポップスでもありという複合的なものになっているという感じなので、そこが近いかなとは思います」

――ムーンチャイルドの3人は南カリフォルニア大学でジャズを専攻していました。河原さんはお父様がバークリー音楽大学に通われていたウッドベース奏者で、お母様がジャズボーカリスト。5歳の頃からジャズピアニストにピアノを習っていたとのことで、ジャズがベースにあるところも共通しているわけですが、彼らの音楽を聴いていて〈ジャズを学んだ人たちの表現だな〉という印象は受けますか?

「〈ジャズを勉強してきたんだな〉というよりは、〈ジャズが好きなんだろうな〉という印象ですね。それはコードワークってことだったり、テンションノートの使い方だったり、要するにロックには通じていない部分がそこにあるということ。ジャズの場合、ライブでも決まった曲を決まったフレーズのみで構築するよりかは、その場のアイデアでどんどん変化させながら新しい発見をするところがあって、それがジャズの醍醐味でもある。そういう部分がムーンチャイルドにあるのは感じますね」

――ムーンチャイルドは3人とも複数の楽器を使い分けますが、3人とも管楽器奏者であり、しかも管楽器を特別な楽器として扱っていない印象があります。曲のなかであからさまに管楽器の音を目立たせるのではなく、ほかの楽器や声と同等に扱っている。河原さんもトランペットを吹きますが、そうした用い方についてはどう感じますか?

「自分が紹介されるときとかによく〈マルチプレイヤーの〉という枕詞がついてきて、まあそう言っていただけるのはありがたいんですけど、自分から〈マルチプレイヤーです〉とは言わない。ムーンチャイルドのメンバーも各々に自分のセクションがありながらも、曲をどういうふうに盛り上げるのか、どういうアプローチをしたら面白いのか、その純粋な探求のなかに楽器があるという感じだと思うんです。〈この空間にトランペットがあったらいいよね〉といったふうに、アイデアが広がるから自然とその楽器を選んでいるだけなんでしょう。僕もそういう使い方なので、彼らと話したら気が合うんじゃないかなと思います」

――鍵盤楽器のチョイスの仕方や使い方に関してはどう思いますか?

「ガッとアタックの強いピアノを弾くことはなくて、基本的にはエレピサウンドとかを敷いていくイメージがありますね。音を敷いていく。ボーカルに寄り添った音色を大事にする。なかにはさっき言った“Run Away”のようにシンセの音がほかの曲より際立っている曲もあって、あれはアナログシンセでしょうけど、そのように一概にピアノだけとかエレピだけとかではない。箱庭音楽を作ることとは逆で、広げていくためのシンセの使い方をしているように感じます。音数が少ない分、そのへんが際立つんですよね」

――少ない音数でクールに聴かせながら、温かみが必ずあるというのも特徴ですよね。

「温かみを基本として持たせつつ、楽器本来の持つおいしい音色を差し込んでくる。そこは上手いですよね。足し算ではなく、引き算が上手い。日本人に好まれそうな音楽だなとも思います」

 

ビートだけで白米を食えますよっていうぐらいの気持ちよさ

――確かに。アンバーのボーカルに関してはどうですか?　USの典型的なR&Bシンガーのような押しの強さはなく、それこそ日本人に好まれそうな柔らかな歌声ですよね。

「ブレス要素が多いですよね。マイクに近い距離で歌っているんじゃないかと思います。耳元で囁くのに近いというか。たぶんアンバーは喋り声からしていい声なんでしょうね。カラダに沁み込みやすい成分が声にある。だからどの曲を聴いても安心感が得られるんだと思います。曲のなかでレンジの変化はありますけど、ボーカル自体はずっと同じところにいるような印象があるので、そこはやっぱり男性メンバーの2人がいかにアンバーのボーカルを立たせるサウンドメイクにこだわっているかということの表れなんでしょう。3人のチームワークのよさが、ボーカルからだけでもわかるという」

――あとアンバーって、MVでもライブでも、いつもにこやかに歌っていますよね。

「ほんとにそうですね。NPRの〈Tiny Desk Concert〉を観ても、すごくリラックスしていて自然体。ベーシックにあるマインドが自然体なんでしょうね」

――彼らの曲の構造やサウンドデザインに関しては、どんなふうに感じますか?

「ディテールにものすごくこだわって作っているのがわかります。曲作りで僕が初めの頃に意識していたのは、曲の頭と終わりをどれだけ美しくできるかということ。例えば頭からキックの音を鳴らすとしたら、それにはどういう意味があるのか、力強さの表現なのか寂しさを表現したいのか、それによって情景の描き方が変わってくる。ムーンチャイルドはディテールにすごくこだわっているから、始まりから宇宙的な情景だったり、ジャケットに表れているような不可思議な世界だったりが見えてくるんです。

それって音の配置の仕方が絶妙だからなんですよ。こんなところでこんな音が鳴っているんだという発見も多い。ビートメイクではキックとスネアのリム、その一貫した気持ちよさを追求しているでしょうし。素材をちゃんと磨いている感じがしますね。ビートだけでも白米を食えますよっていうぐらいの気持ちよさがあって（笑）、その上にこんな鍵盤と歌が乗っていたら、そりゃあ美味しいでしょうっていう。でも決していろいろ乗せすぎたりはしないし、調味料をかけることもない。塩味で召し上がってくださいっていう、そんな感じがしますね」

 

多くの外部ミュージシャンが加わり、多幸感を増した新作『Starfruit』

――ここから新作『Starfruit』の話をしていきましょう。結成10年目の5作目で、初めていろんなシンガーやラッパーを迎えて制作されたアルバムです。このタイミングで彼らがこういう作品に向かった理由を、どう考えますか?

「あくまでも作り手の1人としての想像ですが……。2020年から世界が予期せぬ事態になって、それがもう2年続いているわけじゃないですか。2020年、2021年と、活動を続けるだけでもたいへんな状況だったなかで、僕の身の回りには誰かとのコラボだったりフィーチャリングものだったりを作りたいという話を去年くらいからしている人が多かったんですね。きっと2022年は開けたことをみんながしたがっているんだなと僕は感じていて。

ムーンチャイルドもきっと、今だからこそ開けたことをやりたかったんじゃないかと。しかも今回フィーチャーしているのは黒人の方が多い。2022年のこのタイミングで垣根を意識していないアルバムを出すことに意義を求めたんじゃないかと、そう思いました」

――10年目の節目で、新たな章に進みたい気持ちもあったんだろうなと僕は思ったんです。さっき河原さんもおっしゃったように、ファーストアルバムからやっていることに一貫性があって、特に2作目、3作目、4作目は3人で作る範囲での完璧なアルバムだった。それで、ここからさらに進むなら外からの刺激も必要だと感じたのではないかと。

「確かにそうかもしれないですね。自分はデビューして4年経ったんですけど、10年となるとやっぱり生半可な気持ちじゃできないでしょうし。毎回本人たちの考える極上のアルバムを出してきたんでしょうけど、そろそろ違う刺激を得たい、新たな挑戦をしたいという気持ちになるのもわかるというか。このフィーチャリングの人選にしても意外なチョイスがあったりして、そこに彼らなりの挑戦が感じとれる。といっても、軽やかな挑戦。リスナーには重く感じさせないようにという配慮もあるでしょうね」

――リスナーにとっての気持ちよさを優先して追求する姿勢は変わってないですよね。アルバムを通して聴かれて、いかがでしたか?

「総じて多幸感の作り方というところがアップグレードされている印象を持ちました。それこそ、にこやかに演奏して歌っているアンバーの姿が目に浮かぶ曲もありますし。1人で歌うよりもラッパーや別のシンガーの歌が入ることで彼女の幸福感みたいなものが増すんだなと感じた曲もあります」

――変化はいろいろある。でも奇を衒ったようなところは一切なくて、それもムーンチャイルドらしいと言えますね。

「いろんなフィーチャリングアーティストを入れてきたところに挑戦心が鮮明に見えながらも、彼らが大事にしていきたいコアなものがちゃんとそこにある。アルバムをリリースしていくことって海外ドラマがシーズンを重ねていくのと似たところがあって、それこそムーンチャイルドという物語があるとすれば、ここにきて新キャラがたくさん登場して、新しい展開が始まった。でもこれまでの物語はちゃんと踏まえていて、ハメを外した感じにはなっていない。そういう安心感がありました」

 

これまでになかった勢い、初期衝動が感じられる

――一聴して特に新しさを感じた曲はどれですか?

「ラプソディをフィーチャーした“Love I Need”を最初に聴いたんですけど、これは発見が大きかった。意外とこういうアプローチもありなんだ!?って思って。ムーンチャイルドはこれまで、エレピ、ビート、管楽器、ボーカルのバランスで成り立っている曲が主でしたけど、この曲はドラムとベースが強烈に出ていて、特にベースは生ベースだし。のっけからバウンスするようなビートの乗せ方が印象的でしたね。ラプソディのキャラもそういうビートで活きている。

でも音数はこれも多くなくて、引き算したというよりは、初めから〈これでいいんじゃないか〉という判断をしたんじゃないかと思うんです。デモ段階から持って生まれた勢いのよさがある曲ってありますけど、この曲にそれを感じましたね」

――今作はそういう閃きで作っている曲がいつもより多そうですね。

「そうですね。ある種の初期衝動というか。もちろん後々のブラッシュアップによる輝きもあるでしょうけど、そもそも曲に勢いがあるのを感じる。それを特に感じたのが、この“Love I Need”でした。あと、“Get By”という曲も新鮮でしたね」

――タンク・アンド・ザ・バンガスと一緒にやっている曲ですね。

「タンク・アンド・ザ・バンガスも〈Tiny Desk Concert〉を観たんですけど、あの人たちこそ多幸感のある演奏をする。特にタンクはマンパワーがすごいじゃないですか。ムーンチャイルドはリラックスしたムードがあるわけですが、そこにタンクの声が混ざることによって促進力がグンと増す。真ん中あたりのバースに入ってきたときにビートのノリ感が変わるんだけど、でも、ぶちあげテンションというのではなく、ほどよくカラダが高揚しちゃう感じというか。その温度感がよかった。恐らくセッション要素に関して、すごくポジティブにディスカッションしているんだろうなと思います」

――アンバーの声質と歌い方が限りなく楽器的だからどんな人の声でも受け入れられる、というのもあるかもしれないですね。

「そうかもしれないですね。アンバーのボーカルはブレッシーな要素が強くて、例えばフルートとか、木管楽器に近いところがある気がする。だからラッパーの語りと相性がいいんでしょう。そのコントラストによって、メッセージも奥行きを持って伝わってくる。イル・カミーユをフィーチャーした“Need That”なんかは、塩味で食べられる素材のよさが鮮明に見えた曲でもありました」

 

ほかのシンガーとの化学反応が与えた、アンバー・ナヴランの新たな色味

――シンガーをフィーチャーした曲はどうですか?

「これまでムーンチャイルドの曲はアンバーのボーカルが乗ることで成立するところがあると思っていたんですけど、“Tell Him”でレイラ・ハサウェイのボーカルが乗ると、まったく違うネオソウルになる。よりブラックミュージックのグルーヴがそこに出るというか。それはこれまでのムーンチャイルドの世界観のなかではあまり見られなかったものなので、ちょっとビックリしました。あ、こんなに変わるんだ?!と」

――アンバーのボーカルには透明感があって、レイラのボーカルは渋みがあって……というような単純なコントラストではなく、レイラのボーカルによってアンバーの歌い方も変化しているんですよね。ある種の色気が出る。さっき話に出た“Love I Need”も、ラプソディのラップに肉体性があるから、アンバーの歌も後半で感情が乗ってくる。これまでの作品からは感じなかった彼女の生々しさが出てきているのが興味深いところで。

「こういう言い方は本人たちは嬉しくないでしょうけど、これまではどこか優等生感がありましたよね。恐らく構築美をすごく意識していて、その意味での一貫性があった。

でも今回、おっしゃるような生々しさが出てきたことで、確かに聴こえ方が変わったところがある。もともとのムーンチャイルドの色に、フィーチャリングのシンガーやラッパーが違う色を足すことによって、全体像の色味が新しくなるという。でもそれは、青が赤に変わるというような極端なことではなくて、一滴別の絵の具を滲ませるくらいの色彩感。うん、確かに色気が加わったというのは正しい表現かもしれないですね」

――そんなふうに熱を持ったラップや歌によってアンバーのこれまで出していなかった面が引き出されている曲がある一方、“You Got One”でのアレックス・アイズリーはアンバーのボーカルにスッと馴染む歌を乗せている。馴染ませ上手なところがありますね。

「2人の相性がめちゃめちゃいいんでしょうね。アレックス・アイズリーのパフォーマンス映像も見返したんですけど、もともとムーンチャイルドの音楽の空気感に近いものがあるのかなと。2人が歌っているときの情景と表情が目に浮かびます」

――“The Long Way”のシャンテ・カンのボーカルもそういうところがありますね。

「そうですね。それと僕はこの曲にフィーチャーされているサックスのジョシュ・ジョンソンがめちゃくちゃ好きだったんですよ。ジャズピアニストのキーファーのセッションによくジョシュが参加していて、そこでもジョシュは吹き散らすというよりも歌の合間を縫っていく。しかもいい艶感があって。ポール・デズモンドという優しい音色を吹くサックスプレイヤーの印象にけっこう近いんです。彼がここに参加していることからも、ミュージシャン同士でいろんな繋がりがあるのが見えてきますし、その関係性が見えるのも僕には胸熱で。

フィーチャリングというのは以前からある文化ですけど、このアルバムを聴くと、それがより自然な行為になってきているように感じられますね。黒人のアーティストを多くフィーチャリングしているのも彼女たちにとっては特別なことじゃなく自然な行為だったのかもしれない。いろんな可能性がここからまた見えてくる感じがします」

 

ムーンチャイルドとコラボするならアンバーに〈アイシテル〉と歌わせたい

――全体的に、リリックに関して感じたことは何かありますか?

「印象としてはよりパーソナルなことを歌っているのかなと。アンバーという1人の女性が思うこと、彼女が大事にしていることが垣間見られるリリックというか。彼女の人間味が言葉に反映されていますよね」

――そうですね。特に愛する喜びみたいなことを歌っている曲が多い。それを彼女自身は言葉数少なく歌っていて、それを補うようにラッパーが言葉を尽くしている。

「“Too Good”のリリックビデオを見ると、言葉の羅列はけっこうシンプルで。それが彼女なりのポップスとの向き合い方なのかもしれないなと思いました。厳選した言葉で構成している印象です。

あと、ビートがいつもより強く鳴っている曲は、もしかするとリリックに鼓舞されてそうなっているのかもしれない。トラックが出来て、そこに歌詞を乗せるというよりは、音楽と歌詞の融合のさせ方に化学反応を求めているというか。作家としての追求の仕方がより具体的になってきたことを感じますね。そういうところまで含めて、ムーンチャイルドは今回フレッシュなチャレンジをしている。このアルバムを聴いて、自分もまた気持ちをフレッシュにして音楽作りに取り組みたいと思いました」

――彼らと何か一緒にやれる機会があったら、どんなことをしてみたいですか?

「前にベニー・シングスと“SING”という曲を作ったことがあって、ベニーは通常通り英語の歌詞を歌い、僕は日本語で歌ったんですけど、海外のシンガーは日本語のリリックをどう捉えているのかってそのとき考えたんですよ。もしかしたら日本語の響きならではの面白いフレーズが模索できるんじゃないかと。ウミというネオソウルのシンガーがいますけど、たどたどしいながらも日本語でリリックを書いて歌っている曲があって（“Sukidakara”）、それもよくて。

例えばアンバーにシンプルな日本語を歌ってもらうというのも面白いんじゃないかな。同じ〈アイシテル〉という言葉でも、僕が歌うのとアンバーが歌うのとで匂いがだいぶ変わるでしょうし。海外の方が日本語を喋ったときに、ちょっと可愛らしいニュアンスが出たりするじゃないですか。そういうところから、国境を越えたところでの面白いスタンダードが生まれたりするんじゃないかなって気がしますね」

――いいですね。アンバーに〈ダイジョブ〉と歌われたら、すごく安心できそう（笑）。

「ですよね（笑）。いつか実現できることを願ってます!」

 

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RELEASE INFORMATION

リリース日：2022年2月11日
配信リンク：https://moonchild.ffm.to/starfruit

TRACKLIST
1. Tell Him feat. Lalah Hathaway
2. Takes Two
3. Little Things
4. You Got One feat. Alex Isley
5. Too Good
6. Need That feat. Ill Camille
7. I’ll Be Here
8. Get By feat. Tank And The Bangers
9. What You Wanted
10. Love I Need feat. Rapsody
11. By Now
12. Don’t Hurry Home feat. Mumu Fresh
13. Last Time
14. The Long Way feat. Chantae Cann And Josh Johnson
15. Rainy Day (Bonus Track)

 

リリース日：2021年9月29日
配信リンク：https://lnk.to/tndimagine

TRACKLIST
1. AIM
2. PARADISE
3. MAXWELL
4. ENDLESS feat. SIRUP
5. IMAGINE
6. 胸騒ぎ
7. PIECE
8. HELLO
9. FLOWER
10. RAINBOW