ラーシュ・ホーントヴェット率いるノルウェーの8人組、ジャガ・ジャジストがニュー・アルバム『Pyramid』をリリースした。2015年リリースの前作『Starfire』から数えて5年ぶりとなる本作は、長きにわたって関係を築いてきたレーベル、ニンジャ・チューンから新たにブレインフィーダーへ移っての最初のリリースだ。

※デジタル配信は8月7日(金)からの予定
 

94年の結成以来、ジャズ、ポスト・ロック、エレクトロニック・ミュージック、プログレッシヴ・ロック等々を織り交ぜつつ、一作ごとにドラスティックに変化しつづけるユニークなサウンドで20年以上に渡って活動を続けてきた彼ら。『Pyramid』には、ブレインフィーダーという新天地ならではの新境地を拓く、エネルギッシュながら端正な4曲が揃っている。長いバンド・ヒストリーで初となるセルフ・プロデュース作であり、わずか2週間でレコーディングされたという背景も手伝ってか、濃密なグルーヴがにじみ出ているのが印象的だ。バンドとしての熟練のみならず、フレッシュさも感じられる、勢いのある一枚といえよう。

そんな本作のリリースにあたって、かねてからジャガ・ジャジストの大ファンだというTAKU INOUEにその魅力を訊ねた(取材はリモートにて実施)。ゲーム音楽のコンポーザーを出発点に数々の人気曲を手掛け、現在はトラックメイカー/DJとして精力的に活動するTAKU INOUE。ダンス・ミュージックを基調としつつ、多様なジャンルをミックスする作風で知られる彼は、どのようにジャガ・ジャジストを聴いてきたのだろうか。ユニークな着眼点からの評価が飛び出す、バンドへのイントロダクションとしても興味深い話を聞くことができた。

JAGA JAZZIST 『Pyramid』 Brainfeeder/BEAT(2020)

 

ポスト・ロック × ビッグバンドというほかにないサウンド

――イノタク(TAKU INOUE)さんとジャガ・ジャジストとの出会いについて教えて下さい。

「10年前くらいですかね。4作目の『What We Must』(2005年)から聴きはじめて。当時、友人から〈この曲を聴け〉と言われて『What We Must』収録曲の“Stardust Hotel”を聴かされて、これはすげぇ曲だなと。それで一気にハマりました。いまだに“Stardust Hotel”がいちばん好きな曲です。まずメロディーからですね。初めて聴くのになぜか馴染む心地よいメロディーが耳にひっかかりました。

2005年作『What We Must』収録曲“Stardust Hotel”
 

あとは世代からか、ポスト・ロック的なサウンドが自分の遺伝子に入りこんでいて。彼らのサウンドに、そういう気持ちよさがあったのは大きいです。もともと2000年ぐらいに札幌でバンドをやっていたんです。当時はサカナクションやsleepy.abがいて、札幌のシーンって熱かったんです。最近閉店になってしまったCOLONYというライブハウスの周辺に、すごくかっこいいポスト・ロックをやる人が多かった。その影響があって、ポスト・ロック的な質感は高校生のころから親しんでいたんです。

他にも、レディオヘッドみたいに内省的な、陰鬱な感じもあり、ビッグバンドのにぎやかさや気持ちよさもある。いろんな要素が入り混じった聴いたことのない音楽だなと思いました。それで、次にセカンドの『A Living Room Hush』(2001年)を聴いて。“Animal Chin”のインパクトは大きかった。人力ドラムンベースみたいなこともやっているし、ごりごりのジャズもやっている。『A Living Room Hush』は外向きのエネルギーが強くて、売れるべくして売れたアルバムだと感じました」

2001年作『A Living Room Hush』収録曲“Animal Chin”
 

――アルバムでフェイヴァリットを挙げるとしたらどれを選びますか?

「アルバムでは5作目の『One-Armed Bandit』(2010年)がいちばん好きです。ジョン・マッケンタイア(トータス)が携わっていることもあってか、もっともアグレッシヴなアルバムだと思います。『A Living Room Hush』と同じで、外向きのエネルギーが強い。迫力のある演奏をしているし、とんでもなく歪んだ音も入っている。人に勧めるならあのアルバムを選びます。ポップで聴きやすいから、入門編として聴けると思うし。あのアルバムのタイミングでライブを観たんですけど、それもすごくよかった。この人たちは歳をとっていくごとに丸くなるんじゃなくて荒々しくなるんだな、って思った印象があります」

2010年作『One-Armed Bandit』表題曲のライブ映像

 

ジャガ・ジャジストの神髄はユニゾンにあり

――ジャガ・ジャジストはアルバムごとに変化が大きいバンドですが、変わらないジャガ・ジャジストらしさがあるとしたらどんなところでしょうか?

「デビュー作の『Jævla Jazzist Grete Stitz』(96年)から聴いていくと、ジャガ・ジャジストはラーシュのソングライティングやプロダクションを中心としたバンドなのかなと思って。彼の内面にあるプリミティヴな感情というか内面の世界を、手練のミュージシャンの手助けを得て表現しているという印象がある。それがずっと初期のアルバムから貫かれていて、そこがいいところだと思ってます。これだけの大人数で作りこんだ音をやっているにもかかわらず、本能に訴えかけてくるところもあり、謎も含まれている。ひとりの人間から出てきたものをしっかり作ろうというスタンスが続いているからこそのおもしろさなのかなと。

ポスト・プロダクションの感じ、というか濃さはアルバムごとに変わっていて、たとえばサードの『The Stix』(2003年)あたりは〈ジャズのアルバムですよ〉と聴かされたら、ちょっと戸惑うくらいエレクトロニックな手触りがある。そんななかにもジャズ、ポスト・ロックの要素を混ぜ込んでくる雑食性に、自分は惹かれていると思います。

あと、注目して聴いてもらいたいのは、ユニゾンの気持ちよさ。僕がジャガ・ジャジストについて好きなところは、ユニゾンが上手なところなんです。要所要所で、この楽器とあの楽器が同じメロディーを演奏するんだとか、そういう発見があるんです」

――編成が大きいゆえにユニゾンが輝くというところはありますよね。

「違う人が同じフレーズを弾くということのおもしろさをいちばん感じるバンドです。そこは自分の制作にも取り入れていますね。ここでベースとメロディーのフレーズを同じにしたらおもしろいんじゃないか、とか」

ジャガ・ジャジスト
Photo by Anthony P Huus LEAD
 

――先ほどちらっと話に出ましたが、ライブ・パフォーマンスの印象はいかがでしたか?

「ライブは2回観てます。1回目が2012年、有楽町の国際フォーラム前に特設ステージを構えて開催された〈TOKYO JAZZ FESTIVAL 2012)。当時は別のライブハウスでの公演もあったんですが、そっちのチケットが取れなくて、野外で観ました。無料だったんじゃないかな。ジャズ・フェスティヴァルの一環だったこともあってか、ジャズ愛好家の方がお客さんに多かったように思います。ソロが終わったら拍手、みたいな(笑)。僕は踊りながら聴いてました。

2回目は2016年の〈サマソニ〉です。あれも屋外のステージでした。そのときはみんな踊っていて、初めて観た人も〈このバンド、ヤバくね!?〉って言ってたのを覚えてます。自分は〈な?〉って感じで(笑)。ライブはほんとうに最高ですよ。観たことない方はぜひ観ていただきたい。

彼らのライブは見た目がすごくおもしろいんですよ。みんな楽器をとっかえひっかえするし、大勢の人が一斉に音を出しているというのが気持ちいい。ビッグバンド的な良さがある。それだけではなく、緻密なフレーズを奏でていくおもしろさもあって、(ライブがはじまってから終わるまで)まるで一瞬です。でも、野外でしか観たことがなくて、いつの日か屋内であらためて聴いてみたい。低音の回りかたも変わってきますし。ジャガ・ジャジストってもともと野外との相性がいいバンドだと思うんですけど、しっかりした屋内の音響でも聴いてみたい」

新作『Pyramid』に聴く、冨田勲への憧憬

――新作『Pyramid』はいかがでしたか?

「ジャガ・ジャジストらしさもありつつ、新境地というか。音の感じもレーベルが変わったこともあってか大きく変化して、新鮮な気持ちで楽しめました。資料にはコンセプト・アルバムではないと書かれていましたけど、結構コンセプチュアルな感じがしましたね。特に“Tomita”は〈冨田勲をリファレンスにしています〉というのを明確に出してやっているところがおもしろいと思った。フェラ・クティをリファレンスにしたという曲も、アフロ・ミュージックを彼らが解釈するとこうなるんだとか、彼らのバックボーン的なところも含めて楽しめました」

――“Tomita”のようにタイトルに直接人名が出てくることってこれまではそんなになかったですよね。

『Pyramid』収録曲“Tomita”
 

「そうですね。今回は全面に押し出している。そこがある意味コンセプチュアルに感じられました。冨田勲へのオマージュと言われて、いままで彼らが出してきた音源含めて納得がいったところがあって。たとえば、彼らの持ち味であるユニゾンによって生のブラスとシンセ・ブラスを一緒に鳴らしている箇所なんかは、生楽器をシンセで再現しようという冨田勲の試みに通じるところがあるんじゃないかと思います」

――フェラ・クティをリファレンスにしているのは3曲目の“The Shrine”ですね。

「自分はフェラ・クティをめちゃくちゃ聴いているわけじゃないんです。でも“The Shrine”を聴いたあとにあらためてフェラ・クティの音源を聴いてみると、こちらも〈なるほどね〉と思って。本人たちが言っているように、まんまコピーしているわけではもちろんないんですが。“The Shrine”では特に、リフの感じにフェラ・クティっぽさがある。今回のアルバムでは“The Shrine”がいちばん好きでした」

――3連のシャッフル・ビートで、リズムがクロスしたりして、アフロ・ビート的な快楽がすごくありますね。

「あと、ここでもブラスとシンセがユニゾンしている。そこがめちゃくちゃ気持ちよくて、彼らの持ち味が出てますね」

――順番が前後しますが、リード・シングルとしてリリースされた2曲目の“Spiral Era”はいかがでしたか。

『Pyramid』収録曲“Spiral Era”
 

「いままでのジャガ・ジャジストっぽくない曲だと思ったので、この曲を先行リリースしたのが意外でした。新しいことをやっていくぞ、という意気込みを感じましたね。この曲は長尺ですけど、目まぐるしく展開するというよりもひとつのメロディーを大事にしていくタイプの曲で、ジャガ・ジャジストにしては珍しい。インタビューを読むと、モーリス・ラヴェルの〈ボレロ〉を参考にしたらしくて。〈ボレロ〉っていわば人類初のミニマル・ミュージックみたいなものじゃないですか。共通するところがありますね。

ジャガ・ジャジストらしさを押し出すのなら、“The Shrine”や“Apex”をピックアップしそうなところだと思うんです。でも、アルバムは1曲目が“Tomita”で、2曲目が“Spiral Era”。そして、リード・シングルに“Spiral Era”を選ぶ。攻めた姿勢ですよね」

――アルバム最後の曲“Apex”についてもお話を伺いたいと思います。この曲は冒頭から登場するシンセのリフが印象的です。

「結構笑っちゃうようなインパクトのリフで、でも展開していくと緻密に音が重なっていく。今作ではわかりやすく踊れる曲だと思います。アナログ・シンセのサウンドがフィーチャーされているあたり、冨田勲へのオマージュと繋がっている感じもします。やっぱり、日本のアーティストへのオマージュとなると、ちょっと嬉しい。これまでも“Shinkansen”という曲があって、日本への目配せはありましたね」

2015年作『Starfire』収録曲“Shinkansen”

 

ひとりの男の内面宇宙を表現する大所帯バンド

――今回のアルバムはレコーディング期間が2週間という短さで、前作が制作に2年もの時間をかけたのに対してすごくギャップがあります。かつ、初のセルフ・プロデュース作。そうした制作プロセスの影響を感じる部分はありましたか?

「音の感じが変わった印象です。逆に、過去の『One-Armed Bandit』とか『Starfire』のときのほうが荒々しかった。あっちが2週間でこのアルバムが2年って言われるほうが納得するくらい。と思いつつ、12分とか長尺の曲を飽きずに聴かせるのって、グルーヴが大事なんだなと感じたんですね。これは以前の作品みたいにメンバーをひとりずつLAのスタジオに呼ぶような形にはせずに、みんなで2週間がっつりスタジオに入って息を合わせたことがよい結果になったんだろうなと」

――バンドが演奏している風景みたいなのが想像しやすいですね。楽曲自体は整ったソングライティングで演奏もタイトですが、それだけに2週間の濃密さが感じられます。

「そこが効いているのかな。〈みんなで一緒に演奏しました〉というのがないと、ここまでおもしろい内容にはなってなかったと思います」

――ポスト・プロダクションが今回はそこまで目立たず、演奏したものがぽんと出てきたように感じます。

「確かに。とはいえ、サウンドは整えられていて、奇麗に並べてある。前までの荒々しさみたいなところが影を潜めていますね。さっきも言いましたけど、根底にあるのはラーシュのなかにあるプリミティヴな感情や彼が持っている世界、彼の宇宙だと思っていて、一個人の混沌とした感情を覗き見しているようなおもしろさがあります。それは今作にも感じられるところ。ジャガ・ジャジストの曲って壮大で、宇宙みたいなスケール感を感じるんですが、ただ広大だというよりも、ひとりの内面に広がる宇宙のような独特の印象があるんです。整っているのに、混沌が感じられて……。

たとえばぶっ飛んだ展開も多いですし、意表をつくフレーズが出てくることもある。〈全員が作曲者です〉っていうバンドもおもしろいですけど、ジャガ・ジャジストはひとりがソングライティングを引っ張っていることのおもしろみが強く出ているバンドだと思います。

『What We Must』にはデモが入っていて、Spotifyなどでも聴けるはずなんですが、それと本チャンの曲を聴き比べると、デモをきっちりなぞるように作られている曲もあって。そこに〈ラーシュの出したい世界をみんなで表現しよう〉という意気込みを感じたんですよね。今作もラーシュがかなり譜面をしっかり書いたという話をしていますし」

こうやって音楽聴くのって楽しいな

――本作はニンジャ・チューンからブレインフィーダーに移籍しての第一作でもあります。

「衝撃的なニュースでした。でも、なるほどな、って感じで。絶対いい結果になるはずだって思いました。ニンジャ・チューンにはシネマティック・オーケストラがいるし、彼らと同じように、ジャズを中心におもしろいことをやっているバンドとしてレーベルにフィットしていたと思います。でも、ブレインフィーダーから出しても〈ああ、ブレインフィーダーだな〉とも思う。いい場所を見つけますよね。

ブレインフィーダーは前からよくチェックしていて、フライング・ロータスサンダーキャットはライブも観に行ったし、トキモンスタなんかも聴いてました。あと最近ではルイス・コール。ブレインフィーダーにはさまざまなアーティストが所属していますが、一貫した共通点は、生楽器をポスト・プロダクションでおもしろく鳴らそうというところだと思うんです。その点で言うと、ジャガ・ジャジストはまさにぴったり。ブレインフィーダーがどのくらいサウンドに絡んできたのかは気になりますね。アドバイス的なことはしたのか、とか」

――レーベル側から直接働きかけがあったのかはわかりませんが、そう思うくらいこれまでと変化のあるサウンドになっていますね。ランニング・タイム自体は40分くらいですが、収録されている4曲とも長尺なのは大きいと思います。

「まず、このサブスク全盛の時期に14分の曲(“Tomita”)を1曲目に持ってくるという大胆さに拍手したいです。10分超えの曲を真剣に聴くっていうことが最近なかったこともあって、このアルバムを聴くのは楽しかったですね。〈こうやって音楽聴くのって楽しいな〉と思い出しました。いまや下手したら1分台の曲もありますから」

――その意味では、ライブでは長尺の曲こそ没頭して楽しめたりもするので、ライブ・パフォーマンスも期待したいところです。

「本来ならリリースにあわせて日本にも来てくれたんじゃないかと思うんですけどね。今作のライブは観たいです」

――最後に、ジャガ・ジャジストのファンの方にイノタクさんの作品を紹介するならなにを選びますか?

「そうだな……。けっこうマイナーな曲なんですけど、ナムコにいたときに携わったゲーム『パックマン チャンピオンシップ エディション DX』(2010年)のなかで、DLC(追加ダウンロード・コンテンツ)に収録された“PAC STEP”という曲があって。それは生音でドラムンベースをやってみようというテーマで作りました。4ヒーローとかあのへんをリファレンスにしてたんですけど、ユニゾンの作り方でジャガ・ジャジストを参考にしたんです。いまからゲームを買っても聴けるはずですよ」 

TAKU INOUEが2020年に制作した楽曲を集めたプレイリスト