「〈俺のスタイルはこう。だからこういうふうにやる〉というコンセプトが明快。しかも、そうであるにもかかわらず、絶えずリスナーのことを考えている。その姿勢が素晴らしい」。
日本ジャズのプラットフォーム的レーベル〈Days of Delight〉のファウンダー&プロデューサーである平野暁臣が共感してやまないひとりが、中林薫平だ。
81年、兵庫県生まれ。高校入学と同時に甲南高校ブラスアンサンブル部でベースを始め、2003年の守口・門真ジャズコンテストではグランプリ、ベストプレイヤー賞を受賞。プロ入り以降、創造力に富むベースプレイと作曲で、今世紀の我が国のジャズシーンを牽引するひとりとなって久しい。
2022年には〈中林薫平オーケストラ〉名義による『Circles』を発表したが、このたび登場する『Live at “COTTON CLUB”』は、東京・丸の内のCOTTON CLUBで行われた同作のリリース公演を収めたもの。多彩なメロディセンス、ハーモニー、リズムが渦巻くオーケストラの音作りに、ライブならではのエキサイトメントが加味された内容となっている。
リリースを控えた中林薫平に、音楽との出会い、レジェンドミュージシャンたちとの経験、オーケストラ結成のきっかけ、作編曲へのこだわり等を、ざっくばらんに語ってもらった。
野球少年からビッグバンドのベーシストへ
――まずバイオグラフィ的なことからうかがいたいのですが、最初に意識した音楽は何ですか?
「ピアノを教えていた母親がよくオーケストラのCDをかけていたので、最初に出会ったのはクラシックですが、もちろんヒット曲も聴いていて、初めて自分の小遣いで買ったアルバムはB’zの『RUN』（92年）でした」
――中学時代は野球に打ち込んだともうかがっています。90年代半ばといえば、イチローがすごく活躍していた頃ですね。
「まさにその時代です。実家から車で15分ほどのところにグリーンスタジアム神戸（現・ほっともっとフィールド神戸）があったので、よく観に行きました。たくさん試合を観て、いっぱい感動したこともあって、中学の3年間は野球に打ち込んだんです」
――ジャズへの関心が芽生えたのはいつ頃ですか?
「高校にあがってから。甲南高校の〈ブラスアンサンブル〉という名前の部に入ったんですが、やっていたのはビッグバンドジャズで、カウント・ベイシーなんかを演奏していました。たまたまベースが欠員だっだというだけの理由で、エレキベースを渡されまして（笑）。
1年ぐらい経ったときに、1学年上の先輩だった黒田（卓也）さんに〈ジャズをやってるんだから、アップライトを弾けよ〉と言われて、音楽室に転がっていたコントラバスを渡されたんです。最初は〈コレ、どうやって弾くんですか?〉という感じで……」
――横の動きをするエレクトリックベースとは異なる、縦の動きのアコースティックベースにはどうやって馴染んでいきましたか?
「最初はもう、ぜんぜんでしたね。見たこともなかったし、教えてくれる人もいなかったから、見よう見まねで始めたんですが、どうやって弾けばいいのかまったくわからない。なんでこんなに小指が痛いんだろうと不思議に思っていたら、指の使い方がメチャクチャだったことがわかったりして（笑）」
黒田卓也が現代ジャズの水先案内人
――そしてどんどんジャズやアコースティックベースの世界に入り込んでいくわけですね。
「最初はクリフォード・ブラウンとか、アート・ブレイキー&ジャズ・メッセンジャーズなどのオーソドックスなジャズを聴いていて、そのうちに自分でもCDを買うようになりました。
その頃、黒田さんが〈コレを聴いてみろ〉といろんなCDを貸してくれたんですが、ある時〈すごいのがおる〉と勧めてくれたのが、クリスチャン・マクブライドの『Gettin’ To It』（95年）。高校1年の頃だったかな。それまでポール・チェンバースとかサム・ジョーンズのような1950年代、60年代のベーシストを愛聴していたときに、クリスチャンは〈まさにリアルタイムのジャズベースだ!〉という感じがして一気に視野が広がった。
以来、いろんな年代、タイプのベーシストを聴くようになりました。黒田さんは、僕にとって水先案内人みたいな人で、本当に感謝しています」
――『Gettin’ To It』は、ロイ・ハーグローヴやジョシュア・レッドマンも参加していて、当時は〈天才少年が集まった作品〉とも言われていたような記憶があります。
「すごいメンバーがすごい演奏をしているのはもちろんだけど、ぼくが一番衝撃を受けたのは、クリスチャンが一人で演奏している“Night Train”でした。もう、本当にビックリした」
鈴木勲、佐山雅弘、山口真文らベテランとの共演で学んだこと
――では、中林さんが初めてプロとして参加なさったバンドは?
「大学の時から、いつの間にかお金もらって演奏するようになっていたので、明確に〈この時からプロになりました〉というような感じではなかったんです。大学を卒業した後も就職せずに演奏をつづけ、23～24歳の頃に上京しました」
――鈴木勲さんのバンドに入られたのはいつ頃ですか?
「20代の終わりぐらいに1年ほど参加しました。ピアノがスガダイローさん、ギターが吉田サトシさん、サックスが森田修史さん、ドラムが小松伸之さんだった時期です。
オマさん（鈴木の愛称）はリハーサル中に自分で楽器を弾きながら曲を作ることが多くて、〈メロディはこういう感じで、リズムはこんな感じ。ベースラインやコードはまあ勝手にやって、ここが終わったら次はこっちのメロディで〉と、その場でどんどんイメージを膨らませていく。〈こういうやり方もあるんだ〉と感激したし、勉強になりました」
――その後、佐山雅弘さんのバンドにも参加なさっています。
「佐山さんは、〈どういうふうにしたら一番カッコよくなるか〉を常に考えていました。とてもエンターテインメント性を重視される方で、この面で学ぶことが多かったですね」
――山口真文さんとの共演は、10年以上にわたって続いていますね。YouTubeの〈Days of Delight Atelier Concert vol.48〉でも鮮やかなデュオを聴かせてくれました。
「真文さんはいわば心の師匠です。真文さんが他の先輩方と違うのは、とても具体的な意見をくれるところ。〈こういうのがあるよ。もっとこういうのも聴いた方がいいよ〉みたいに、精神論に終わらないピンポイントのアドバイスをくれるんです」
コロナ禍が落ち着いたら思いきりデカい音を出してやろう
――そして2008年にはファーストアルバム『Graffiti』、2012年にはセカンドアルバム『The Times』を発表します。
「1枚目を作るにあたって、〈やはりオリジナル曲がないと〉と言われまして、それから本格的に作曲に取り組むようになりました」
――2作ともコンボ作品でしたが、この中の楽曲はオーケストラでも演奏なさっているのでしょうか。
「『Circles』に入っている“Nocturne”がそうです。なぜかこの曲は、オーケストラで発展させたら面白いんじゃないか、もしかしたら、もっといろいろできるんじゃないか、なんて、いろいろ考えてしまって（笑）」
――オーケストラの結成に取りかかったのは?
「コロナ禍の頃です。はからずも仕事がなくなって時間ができた。〈さて、何をしようか?〉と考えたときに、〈そうだ、かねてやりたかったオーケストラをはじめる絶好のチャンスじゃないか!〉と気がついたんです。
大編成のバンド活動ができなくなったことも大きかった。当時、ライブの場では、デュオやせいぜいトリオくらいの小編成しかやらせてもらえない状況でした。このままではエネルギーがどんどん落ちちゃうんじゃないか、っていう危機感があって、〈なら逆に、オーケストラのような大編成を準備しよう〉と。コロナが落ち着いてきたら、思いっきりデカい音を出してやろうと思って（笑）。
候補メンバーに連絡してみると、みんな〈おお、やるよ!〉と言ってくれて。コロナの間にも〈がんばっていこう!〉と、確認しあっていた人たちばかりなんです。始動するまでの間、試行錯誤しながらサウンド作りの方向やアレンジを研究した結果、このオーケストラの音ができた、っていう感じです」
――そして、ほぼ中林さんのオリジナル曲を演奏する形で活動を始めて……。
「はい。ただ、僕のオリジナルなんて、誰も知らないわけですよ。そういう曲を聴いていただこうというのだから、最初からハードルはとても高い。そう考えたときに、〈強い圧〉とともに送り出さないと話にならないと思ったんですよね。あえてオーケストラという形式を選んだにはそういった理由もあります」
――メンバーそれぞれが重要な役割を担っていますが、10人編成だからこその特質はありますか?
「10人編成にしたのは、ビッグバンドと同じような効果が得られる最小の編成だからです。ビッグバンドほど大所帯ではないけれど、かといってスカスカでもないし、小回りも効く。自分の頭の中で鳴っている音を表現するとしたら、このくらいの編成がちょうどいいと思ったんです」
リズムの冒険・挑戦・実験
――中林さんのオーケストラではいろんなリズムを聴くことができます。例えば1曲目の“Circulo”ではアルゼンチンのチャカレラが使われているとのことですが、不勉強にして僕はチャカレラについて、この曲で初めて知りました。
「アルゼンチンのダンス音楽ですね。三拍子のリズムに乗って、2人1組で輪を描くように踊るんです。タイトルを“Circulo”（英語の“Circle”）にしたのはそのため。
レコード店のワールドミュージックのコーナーで、面白そうだなと思って買ったCDにこのリズムが入っていて……。正直に言いますが、僕もそれまで知らなかった（笑）」
――〈知ってるものを買う〉じゃなくて、〈知らないから買ってみよう〉という姿勢に共感します。
「ベースを演奏しているからかもしれないですが、リズムにすごく興味があって。ぼくの場合、リズムを元に曲を作ると仕上げやすいんですよね。アンサンブルが書きやすいんです。
ずっと曲を作っていると、どうしてもある程度は似通ったものになるじゃないですか。それを打破したい時、リズムを先に固めると、アクセントを置く位置とかが全部決まっていくので、スムーズに進む。
リズムの骨格がしっかりしていれば、仮にその曲に採用したリズムをメンバーが知らなくても、音符どおりに演奏すればしっかり聴こえます」
飽きずにエンディングまでたどり着く〈マップ〉を描く編曲
――『Live at “COTTON CLUB”』では、『Circle』に入っていなかった“Daddy Duty”という曲も収録されていて、これがまた、リラックスしている曲ですね。
「タイトルはお父さんたちの〈責務〉とか〈責任〉という意味です。ソロを取っている西口明宏、僕、広瀬未来がたまたま全員、2歳や3歳の子供の父親なんです。子供って音の出るおもちゃを連打したりするじゃないですか。あれほど子供が夢中になるのは何か理由があるはずだと考えているうちに出来た曲です」
――中林さんのオーケストラは同じテーマを最初と最後に演奏する展開がほぼなくて、ひとつの大きなコンポジションのなかに、複数のテーマがあり、アドリブがあり、サックスソリがあり、トゥッティがあり、という感じです。来たところに必ずしも戻らないで、別の地点で高揚したまま終わるというか。
「そこは意識しています。最初のテーマが出てきて、最初のアドリブソロが終わった時には、ある程度高いテンションになっていますよね? ならば、その高いテンションのまま、さらに次に進んだ方がいい。その方が筋書きとして面白いじゃないですか」
――確かに、テンションが上がっているところでわざわざ、最初のAパートに戻る必要はありませんね。
「そう思います。ぼくの原点であるカウント・ベイシーがまさにそう。
僕はアレンジするときに、まず〈マップ〉を作るんです。どうやって飽きずにエンディングまでたどり着くか、そこには注意を払っています。たくさんの人に聴いてもらえるような作品にしたいですからね。
『Live at “COTTON CLUB”』では、ライブ独特の空気感も一緒に楽しんでいただけたら嬉しいですね」
RELEASE INFORMATION
リリース日：2023年9月14日（木）
品番：DOD-038
価格：2,750円（税込）
TRACKLIST
1. Circulo
2. Evenfall
3. Daddy Duty
4. Passing
5. Choro for Charlie
6. Partagas
7. R.B.
（2022年5月16日 丸の内〈COTTON CLUB〉にてライブ録音）
■演奏者
中林薫平 Kunpei Nakabayashi／bass, electric bass
黒田卓也 Takuya Kuroda／trumpet
広瀬未来 Miki Hirose／trumpet
池本茂貴 Shigetaka Ikemoto／trombone
酒本廣継 Hirotsugu Sakemoto／trombone
土井徳浩 Tokuhiro Doi／alto saxophone, flute, clarinet
西口明宏 Akihiro Nishiguchi／tenor saxophone, flute
陸悠 Yu Kuga／baritone saxophone
宮川純 Jun Miyakawa／piano
菅野知明 Tomoaki Kanno／drums
PROFILE: 中林薫平
高校入学と同時に甲南高校ブラスアンサンブル部に入部しウッドベースを始める。2003年、〈守口・門真ジャズコンテスト〉ではグランプリ、ベストプレイヤー賞を受賞。これまで2008年『Graffiti』、2012年『The Times』をリリース。ジャズだけでなくポップスのサポートやCM音楽の録音、劇団とのコラボレーションなど活動は多岐にわたる。
