ジョーダン・ラカイが新作『The Loop』を発表した。
これまで彼は、オーストラリア在住時に出した2枚のEPをはじめとして、2015年の英ロンドンに移住してからは4枚のアルバムをリリース。2021年に発表した前作『What We Call Life』は、制作のタイミング的にパンデミックやブラック・ライヴズ・マターについての思いを歌詞に反映させ、バンド演奏をベースにしながらもミニマルな音に乗せて歌った思慮深いアルバムだった。
が、今回の新作はオーケストラを含めた大人数のバンドで録音。レーベルも2022年のEP『Bruises』を最後にニンジャ・チューンから英デッカに移籍し、プライベートでは父親になるなど、かつてないほどの変化を感じさせる。全曲がオリジナルとなる『The Loop』はシネマティックでもあり、プロデュース能力に長けたシンガー／ソングライターである彼の才気が迸る。今年10月にはロイヤル・アルバート・ホールで単独公演を行うことも決定。
そんなジョーダン・ラカイが、ロンドン郊外にある自宅からZoom越しでインタビューに応じてくれた。
※このインタビューは2024年5月25日（土）に発行予定の「bounce vol.486」に掲載される記事の拡大版です
幸せの光に照らされた新章の始まり
――今回の新作『The Loop』は3年ぶりのアルバムですが、お子さんが生まれるなど私生活における変化が反映されているようです。コンセプトは〈希望〉で、アルバムのタイトルは、〈子供が成長し、その人がまた子供を産んで……〉という生命のサイクルを意味しているそうですね。
「まったくその通りで、子供が生まれた時に自分にとっての幸せの光が見えた。〈希望〉が見つかったんだ。そこで人生や音楽、あと自分の親や子供に対して、いろんな新しい見方が開けた。自分にとっての新たなチャプターが始まったという感覚。それを子供の誕生によって気付かされたという感じかな」
――“Hopes And Dreams”では今あなたが言ったようなことが歌われていて、メランコリックな雰囲気のボーカルはこれまでと変わらないものの、声にすごく感情がこもっているように感じられます。
「いい質問だね。まさに以前は〈ただ歌っていた〉というか、ピッチを気にして、音を外さないように……といったようなことばかり考えていた。でも、今回のアルバムは曲ごとにストーリーがあって、“Hopes And Dreams”も、デリケートに静かに歌い始めて、途中でパワフルな感情を歌に反映させた。リリックに合わせて歌い方にも気を使うようになったんだ」
――おそらくリリックに関してだと思いますが、今作ではニック・ケイヴがジャーナリストのショーン・オヘイガンと対談した本「Faith, Hope And Carnage」（2022年）にインスパイアされたとも聞きました。
「そうなんだ。あの本の中で、ニック・ケイヴが歌詞を書く時にメタファーとか言葉のまやかしみたいなものではなく、いかにダイレクトな言葉で書くかという話をしていて、その部分に影響を受けた。自分も言葉の綾みたいなものにこだわりがちだったからね。
それでニックの場合どうするかっていうと、座って、とにかく思いついた言葉を口に出して言う。ひとりでブツブツ言ってるように言葉を口に出すと。そうすることで自分の思いがフィルターを通したように研ぎ澄まされていく。それを今回実践してみたんだ。
人というのは不安だったり傷つきやすかったりして思っていても言えないようなことがあるけど、子供が思ったままのことをすぐ口に出してしまうような、そんな感覚だね」
オーガニックでアコースティックな生の力を持つ音楽を目指した
――新作はニンジャ・チューンからから英デッカへ移籍してのアルバムとなります。移籍したことで心境や制作面などの変化はありましたか?
「さっき〈新たなチャプター〉って言ったけど、レーベルを移って、子供が生まれて、自分のステージを変えたいと思ったんだ。新しいバンドとともにね。
自分が作りたい音楽は、広がりのある、ちょっとクラシック音楽っぽい雰囲気のもの。その意味でデッカはクラシック音楽や古典的なジャズの歴史があるから、そんなレガシーを持つレーベルでやることが自分にとってもタイミング的にちょうどよかった」
――プロデュースはご自身ですが、今回は録音を自宅ではなくロンドンのRAKスタジオで行ったそうですね。1曲目の“Flowers”から生のドラムが際立っていて、途中からストリングスが被さって壮大な雰囲気になります。〈アルバムでは初めてとなるバンドとの共同作業〉を謳いながらミニマルで密室感のある仕上がりだった前作とも違っていて、これまでのアルバムの中でも、とりわけオーガニックでアコースティックな作品だなという印象を受けました。
「それは最初からすごく意識していて、スタジオにミュージシャンたちを入れて作るアルバム、まさにオーガニックでアコースティックな生のエネルギーを持つ音楽を作ることを目指していた。確かに過去の作品ではコンピューターで作るようなミニマルな音楽をやっていたけれど、今回はそうしたものではなく、生のミュージシャンたちが出してる音だと思えるようなものを作りたかった。オーケストラも含めて、デジタルではなくアコースティックな音にこだわったんだよね」
――その意味で、大勢の演奏家がいるロンドンは恵まれていますよね。
「それは大きい。これまでの自分の作品もそうだけど、最初はひとりでやっていたのが（オーストラリアから）ロンドンに移ってきてからは、それこそジャズにヒップホップ、エレクトロと、いろんなジャンルの人とコラボレーションをするようになって人脈が広がった。
あと、ロンドンということでは天気。いつも雨が降っていて暗いので、自分の音楽もちょっとダークになった感じはあるかな」
――演奏には前作のバンドメンバーの一部やオスカー・ジェロームを含む腕利きたちが参加していますが、オーケストラに加えてゴスペル風のクワイアも目立ちます。それも含めると、レコーディングはかなりの大所帯だったのではないかと思うのですが、実際はどんな感じだったのでしょう?
「例えば“Friend Or Foe”はホーンが7人、ストリングスが20人、クワイアが10人で、曲によっては50人近くで録音したものもある。自分ひとりのプロデュースでまとめるのは大変だったけどね。それまでだったらコンピューターを使ってやっていたことを本物のミュージシャンたちとやるわけだから。
現場ではすぐにフィードバックがあって緊張感もある。でも、スタジオの中で対面して人と喋りながら制作するのはとても楽しかった」
――下世話な質問ですが、それだけ大勢のミュージシャンを使って制作できたのは、潤沢な予算があるメジャーのデッカならではだったりするのでしょうか?
「それはもちろんある（笑）。これまでも同じような作品を作りたかったけど、それを実現できる予算がなかった。死ぬまでに1枚、徹底的に自分の野心や野望を満たすようなアルバムを作りたいと思っていたんだ。
70年代のスティーヴィー・ワンダーやマーヴィン・ゲイ、カーティス・メイフィールドなんかもそうだけど、彼らはオーケストラやクワイアを使ってレコードを作っていたわけで、そうしたものを作れるだけの自由をデッカが与えてくれたんだ」
ビル・ウィザーズの教え
――今お話しされたように、オーガニックなサウンドも含めて70年代ソウルからの影響は随所に感じられます。例えば“State Of Mind”はサウンドもコーラスもどこかマーヴィン・ゲイに通じていて、曲の終盤ではジャズファンクっぽく疾走する。現代でいえば、クレオ・ソルのような人が70年代ソウルの雰囲気を取り入れながら新しい音楽を作っている感覚があるなとも感じたのですが。
「そうそう! さっき言ったマーヴィンやスティーヴィー、カーティスみたいな70年代的なクラシックソウルからの影響をストリングスも含めて音に反映する一方で、自分（92年生まれ）の世代のヒーローであるディアンジェロ、今ならクレオ・ソルやリトル・シムズのような感覚を持った音楽をミックスさせるのが自分のやり方だと思っているよ」
――クレオ・ソルやリトル・シムズを手掛けているインフローとはロンドンで交流があったりするのでしょうか?
「いや、すごく好きなんだけど、まだ会ったことがなくて。わりと似たような人脈で近いところにいると思うんだけどね」
――“Trust”も、マイケル・ジャクソンあたりのディスコソングや70年代のファンクを現代的に解釈して、ヒップホップ的なビートを生のバンドサウンドで演奏し直したような印象を受けます。
「“Trust”は、まさに古いものと新しいものが出会った好例かもしれない。自分はマイケル・ジャクソンやプリンス、ジェイムズ・ブラウンが好きだけど、そこにヒップホップとかプログレッシブな音楽のモダンな要素を合わせる。ヒップホップと比べると70年代のソウルではドラムが奥まって聞こえるけど、自分の音楽ではヒップホップのようにビートを際立たせるんだ。
あとは、スタジオで即興で作った曲に対して、こんなに簡単に曲ができちゃっていいのかな?と思って、わざと難しくしちゃうことってありがちだったんだけど、今回はそうやって意固地にならず、感情やエネルギーをストレートに出して笑いながら楽しんで作ったという感じかな」
――ビル・ウィザーズのドキュメンタリー映画「Still Bill」（2009年）にもインスパイアされたと聞きました。サウンド面だと“Cages”などはギターを含めたリズムの音がビルのような70年代ソウルのシンガー／ソングライター風ですが、ドキュメンタリーからはどんな部分に刺激を受けたのでしょうか?
「映画の中でビル・ウィザーズが言ってたことが、すごく印象に残っていたんだ。ビルはシンプルに自分の本当のストーリーを歌っただけなのに、商業的に成功したことで〈魂を売った〉みたいなことを言われたらしくて。だからミュージシャンは、成功することに対して、それが良くないことだとネガティブに捉える傾向が得てしてあると。ただ、それもミュージシャンのエゴで、誰だって多くの人に自分の音楽を聴いてほしいと思っているはずだとビルは言うんだ。
その発言を聞いて、自分も勇気づけられた。まさに自分も、成功したい、大勢の人に自分の音楽を聴いてほしいという気持ちがありながら、コマーシャルな方向に進んでいくことに対して、なんとなく抵抗していた。それで少し変わったレフトフィールド的な音楽を作るという選択をしてしまう時があった。でも、それで自分のキャリアや成功がストップしてしまうこともある。だからビルの言葉のとおり、流れに任せて、得られる限りの成功を追い求めてもいいんじゃないかって思うようになったんだ」
子供の頃の純粋な気持ちを表現
――それはいい話ですね。で、先ほど70年代ソウルの話をしましたが、“Royal”は80年代のAOR〜ポップスみたいで、他の曲と少し雰囲気が違います。その現代的な解釈という意味において、サンダーキャットの『Drunk』（2017年）や、最近ファレル・ウィリアムスがヨットロックをテーマにして作った作品に通じる感覚と言いますか。
「おもしろいね（笑）。“Royal“はアルバムの中ではちょっと異色かもしれない。オーケストラをバックにした他の壮大な曲とは少し違う。
自分の音楽的な影響源としては、70年代、80年代、90年代、そしてモダンな音楽と大きく4つぐらいの時代に分けられるんだけど、これはまさに70、80年代の感じで、スティーリー・ダンやマイケル・マクドナルドの雰囲気にゴスペル的なものを加えた感じだね。でも、ビートはヒップホップ的でモダンになっているという、いい例だと思う。
さっきも言ったように、楽しい曲ができたのにいろいろと考えすぎてしまう時、立ち止まって思うのは、自分はどう感じているのかということだった。そうやって自分がいいと感じればそれでいいんじゃないかと思って作ったんだ」
――ゴスペル的といえば、ナイジェリアのアルハジ・ワジリ・オショマの曲をベースにした“Freedom”はリリックも含めてゴスペルに通じるポジティブな力強さがありますが、どんな曲なのでしょうか?
「最初に話した〈希望〉に近い、気持ちを高揚させるような歌だね。オプティミズムというものを音楽的に表現するなら自分としてはこうしたかった。
物事を純粋に楽しんで心底自由だなって最後に感じたのはいつだっただろう?と振り返った時に、やっぱりそれは子供の頃だったなと。子供の時は責任もなければ心配もないし、純粋にいろんなことができた。そんな頃の気持ちにまた戻ろうよ!みたいなストーリーにして書いたのがこの曲なんだ」
――アルバムは4曲目まで、タイトル（“Flowers”“Freedom”“Friend Or Foe”“Forgive”）がすべて〈F〉で始まる言葉になっているのですが、これは何かストーリーになっているのでしょうか? それとも単なる偶然?
「これは偶然。曲順を考えていた時に、自分でも何でこんな〈F〉ばっかりなんだろうと思って、ちょっと考え込んだ（笑）。それぞれの曲のタイトルは好きだけどね。並べた時に、まるでそこにメッセージが隠されているみたいに思われそうだし、実際に友達からも、どういう意味なんだよ?って言われたけど、特に意味はない（笑）」
――40歳になるまでに映画のサウンドトラックを作るのが目標でもあるようですね。今回のアルバムは、どこか映画音楽風だったりもして、特に“Miracle”はシネマティックな曲だなと感じたのですが。
「映画音楽を作るのは大きな夢なので〈シネマティック〉と言ってくれるのは嬉しいな。“Miracle”はまさに（エンニオ・モリコーネが音楽を手掛けた）映画『ニュー・シネマ・パラダイス』（88年）からインスピレーションを受けているんだ。シンプルなサウンドから始まり、オーケストラが鳴って、またシンプルな音に戻っていくというか、本当にビジュアル的な世界を描くつもりで作った曲。これが（映画音楽を作る）キッカケになればいいなって思っている」
互いの世界が融合したSTUTSとの理想的コラボ
――アルバム本編の最後を飾る“A Little Life”も美しくて、今回のアルバムのテーマを集約したような曲だなと感じました。
「そうだね。アルバムは“Flowers”でスタートして“A Little Life”で終わらせると最初から考えていた。最初に同じようなことを言ったけど、今回のアルバムでは、かつて子供だった自分が大人になって結婚して、子供が生まれて、そして自分には親もいて……という生命のサイクルみたいなものを描いている。
もちろん将来に対しての明るい希望も歌っているけど、楽しくてファンキーな曲で終わらせるのではなく、改めて自分を見つめ直すような、映画で言うならエンドロールで流れるような曲にしたかった。今の自分はここにいるんだ!っていうようなね。そんな曲で終わらせたかった」
――日本盤にはSTUTSとコラボした“Celebrate”がボーナストラックとして収録されています。彼とはどのような経緯で一緒に曲を作ることになったのでしょうか?
「去年の11月にレコード会社の人に会うために日本に行った時、ショウケースライブをやって、そこでSTUTSと会った。
その日は時差ボケもあって、夜の12時ぐらいだったけど、彼のポッドキャストに出た後、一緒に（音楽を）やろうよってことになって。深夜に2時間くらいレコーディングして、2曲録ったうちの1曲がこれだった。
お互い育った環境も生きている世界も違うけど、音楽面でもヒップホップとか似たようなものが好きで影響を受けていて、ふたつの世界がひとつになったという感覚だった。MPCを駆使してやっている彼の音楽もすごくいいよね。楽しい作業で、オーガニックなコラボレーションだったよ」
――では最後に。アビー・ロード・スタジオ初のレジデントアーティストとなったと聞きましたが、これは具体的にどのような待遇なのでしょうか?
「アビー・ロード・スタジオを1年間、自由に使っていいという鍵をもらったんだ。いつでも好きな時に鍵を開けてスタジオでやりたいことをやっていいと。なので、これからはスタジオでもっと曲を書いたり、いろんなジャンルの人たちとコラボしたいし、若いミュージシャンたちとも一緒に音楽をやっていきたい。若い人たちにとってはアビー・ロードのような（伝統のある）スタジオで音楽をやる機会ってなかなかないからね。そこでソングライティングセッションやワークショップのようなことをやれたらと思っている。
自分は今までベッドルームでビートを作ってきたけど、そんな自分がこの世界で最も有名なスタジオで自由に音楽ができるようになった。何をやってもいいって、考えてみるとすごいことだよね」
RELEASE INFORMATION
リリース日：2024年5月10日（金）
品番：UCCM-1274
フォーマット：SHM-CD
価格：2,860円（税込）
配信リンク：https://lnk.to/Jordan_Rakei_THELOOP
1. Flowers
2. Freedom
3. Friend Or Foe
4. Forgive
5. Royal
6. Trust
7. State Of Mind
8. Hopes And Dreams
9. Learning
10. Cages
11. Everything Everything
12. Miracle
13. A Little Life
14. Celebrate (feat. STUTS) ※日本盤限定ボーナストラック
■ジョーダン・ラカイ 各種リンク
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