『Echo』は素晴らしいアルバムだ。前作『Dot』と同じセッション（2023年7月12〜14日）で録音された楽曲をまとめた作品なのだが、映画音楽やクラシック音楽、吹奏楽といった音楽からの影響が総合的に反映され、メタルの考え方や質感を意識したという『Dot』とはまた異なる世界が描かれている。

全7曲が組曲のように連なるアルバム構成は流麗で、具象的な序盤からいつの間にか無意識の海に沈むような中盤に至り、終盤にかけて再び具象へ浮かび上がっていくような展開は、聴きやすさと底知れなさを絶妙に両立している。自由でありながら構築的でもある演奏も全曲見事で、曖昧なことを曖昧なまま明快に表現する語り口が素晴らしい（これは、独特の薫り高いフォーク／ブルース感覚についても言えることだろう）。全体として、ロバート・グラスパーやティグラン・ハマシアンなどとは異なるやり方でジャズを内部から更新する傑作になっているように思われる。

以上のような音楽性について、今回も西山瞳に興味深い話をたくさん聞くことができた。前回のインタビューとあわせてお楽しみいただければ幸いだ。

 

信頼するメンバーとの音色やテクスチャーによるアンサンブル

――前作のインタビューでは、「自分の好きなわりと暗めのやつばっかり集めてるので、もう1枚のほう（『Echo』）は明るめの曲が中心になると思います」と仰っていました。それなら自分は『Dot』のほうが好きな感じかと思っていましたが、実際に聴いてみたら『Echo』のほうに惹かれました。一つ一つの曲も良いですし、なにより全体の流れとまとまりが良いですね。

「ありがとうございます。いっぺんに20曲録ることは今までなかったのですが、うまくまとめられたと思います。選考漏れした曲が4曲あって、そちらは来年にでも配信リリースする予定です」

――『Dot』と『Echo』、先に全体像を意識できたのはどちらでしたか。

「『Dot』ですね。そちらを中心に1枚めを出すことを考えていたので。Excelで表を作って、並べ替えて聴いて、いろんな曲順を試しました。それで、『Dot』ができた時点で『Echo』の曲順もだいたい決まっていました。

『Dot』では、単色・モノクロみたいなところから開けていって、だんだん物語が繋がっていくイメージだったので、1曲めを“Turtledove”にすることは決めていました。それに対して『Echo』では、オープニングの手触りは全然違うものにしたいと思っていましたね」

――資料によると、『Echo』は〈組曲に聞こえるように配置した〉とのことですが、構成の面で参照されたものはありますか。

「基本的には、以前出した『Astrolabe』（2012年）の、ギターとデュオでやった組曲を膨らませたいというのが土台です」

――今回のアルバムは1年前のセッションで録音された音源で、セッション直後と今とでは感じ方が変わってくると思うんです。印象の変化や新しく見えたことはありますか。

「新作をリリースする際にフィジカルな感覚が抜け落ちてしまっているのは今までなくて、今回は他人事って感じがします（笑）。私は録音の時、いつも一冊ノートを作っていて、ミックスや曲順、OKテイクなどについてメモを書いているんですね。今回は、そのノートを見ないと思い出せない（笑）」

――なるほど（笑）。両作に共通する要素として、〈西山瞳トリオ＋3〉の〈＋3〉（クラリネットの鈴木孝紀、テナーサクソフォン／フルートの橋爪亮督、バイオリンのmaiko）の部分、管弦の位置付けや活かし方が特徴的だというのがあると思います。前回、録音した後はあまり音を加工しないと仰っていましたが、例えばミキシングで音量バランスを決めることなど、録音後に印象が変わる部分もあると思うんですよね。

「そこはエンジニアの松下（真也）さんに丸投げしました。優れたエンジニアなので、思うようにやってほしかったんです。パンチのある音を録る人なので、ジャズの管楽器を録るのは彼が一番だと思っているので。元の音から基本的にあまり変えてないです。

あと、『Dot』と『Echo』では違うところが一つあります。この1年の間に、松下さんが本物のプレートリバーブを買ったんですよ。『Echo』はそれが入った関係で響きが変わっています」

――『Echo』の音像は、管楽器がリードとしてガンガン出てくるジャズとは違う室内楽的な響きで、絶妙な存在感を示しています。

「そこは3人の力によるところが大きいですね。音色やテクスチャーでアンサンブルできる人でなければ無理な作品だし、3人はピッチ感もすごく良い。やればやるほど音が近づいていくのを感じました。

弦楽器の擦過音と管楽器の音って、音量感も含め本来は混ざらないものですし、バイオリンとサックスが一緒に仕事するのも、大きな編成でないとまずないんですよ。クラリネットも音が小さいから、混じりにくい。それをお互いわかりながら、音色をブレンドするように近づけていく。そういう力がある人たちです」

――現場で築き上げたまとまりを活かしたということでしょうか。

「そうですね。プレイヤーがちゃんとしてないと録れないので、〈好きにやってください〉とお願いできるほど信頼できる人とやるようにしてます。コンセプトは伝えるけど、こう演奏してくださいと指示はしないほうがワークすると思っていますね」

 

ブルーノートと機能和声の衝突

――『Dot』に続き、今回の資料にも〈以前より、機能和声に息苦しさを感じることが多々あり、ピアノ以外のジャズ楽器の自由さと曖昧さに憧れがあった〉と書かれていました。それは、『Echo』の〈（曲を）並べることで浮かび上がる、豊かな物語的な世界がある〉というコンセプトと逆の方向性にも見えます。それらが同居し両立してもいるのが醍醐味ですが、相剋や衝突は意識されましたか。

「はい。どの曲でも、大きな編成で生じる（パート間の）ぶつかりみたいなことはやっているんですが、それが結果的にブルース的なぶつかりになることがわかりました。ブルーノートと機能和声が同居するぶつかりが、即興的でなく計画的に起こるのが面白いと思いましたね」

――自分が『Echo』のほうが好きなのも、ブルース的な成分が多めに感じられるのが大きい気がします。そして、そこにヨーロッパ的なコード感や空気感が加わることで、独特のバランスが生まれているのが魅力的です。ところで、『Echo』と『Dot』の収録曲は、セッションの時点ではどう並べるか、そもそも2枚に分けるかは決まっていなかったんですよね。なので、メタルを意識した『Dot』の制作姿勢が、そういう感じでもない仕上がりになった『Echo』にも流れ込んでいるのではと思うのですが。

「はい。『Echo』はギター的な考え方が多くなっていると思います。1曲め“Echo”のサビなどは、ギターで弾いたら当たり前だけど、大きめの編成だとぶつかって聞こえるんです。コードはメジャーだけどメロディはマイナーみたいな響きをしてますね。2曲め“West World”も、ギターがスライドしていくイメージでハーモニーをつけています。全曲、そんな感じだったかな」

 

ジョン・レノンの低温な歌をジャズコンポジションに

――それでは、各曲について伺いたいと思います。1曲めの“Echo”は〈ロックやブルースギターのソロでは当たり前にすることを、ピアノで真正面から弾いてみた〉とのことですが、これは以前から取り組まれてきたことでしょうか。

「やったことはなかったですね。最初はメンバーはびっくりしてました。

あと、この曲は（このメンバー以外での）セッションでも、ギタリストに弾いてもらっていたんですよ。そしたらみんな、ペンタトニックスケールで乗りきる演奏ばかりするから、やっぱりそうなるんだというのが面白かったです（笑）。そういうところからもフィードバックをもらいました。

〈Echo〉というタイトルはメロディの音形が由来です。同じモチーフが続いていくからですね」

――こういったコンセプトは、メンバーにもお伝えしていたのでしょうか。

「トリオの面々には話したんですけど、上物の人たちには言ってないと思います」

――楽器的に、上物のほうがブルースと距離があるように思います。

「そうですね。ただ、上物の楽譜は、ブルース的な音に関与しないように書いているので。結果的に、アンサンブルというより私（ピアノ）がしっかりしないといけない曲になってしまいました」

――“West World”は、〈仕事でジョン・レノンを沢山聞かないといけなかった時期があり、その頃に「ジョン・レノンがぼそぼそとギターで弾き語りしているような曲にしよう」と思いながら作曲〉されたと。

「ピアノのレッスンのためですね。生徒には演奏を習いに来る人だけでなく、何かの曲をジャズアレンジして弾きたいという人もいるんです。それで、ある人がジョン・レノンの曲をやりたいと言っていて。アルバム『Imagine』を繰り返し聴いていました。

私が弾くわけではなかったのでそんなに分析していないのですが、あの歌のテンションの低さというか、ぼそぼそした感じがいいなと思ったんです。厭世的というほどでもないけど、独特の温度感がある。それが気持ちいいなと思いました。声を張り上げて美しいメロディを歌うのではない感じを反映できたらと考えていましたね」

――そういう加減を大きな編成でやるにあたって、気をつけたことはありましたか。

「鼻歌みたいな感じで書いたのもあって、ライブではまずトリオで演奏し、その後に管弦込みの編成でやるようになりました。管弦に関しては、普通のビッグバンドやホーンアレンジみたいな感じではありますが、あくまでさりげなく足しています。

この曲は、セッション2日めの寝起き、みんなまだ体が起きてないときに録ってるんです。それが良かったので一発OKにしました」

 

統制されない多様な生命が同時に、自由に存在

――“Ants”は“Arrakis”の序章として作曲されたとのことで、まとめて伺います。“Arrakis”というタイトルは映画「DUNE／デューン 砂の惑星」からでしょうか。

「そうです。後から思いついたので深く考えてないんですけど。砂漠のイメージは抱いていました。

“Ants”は長く演奏するつもりはなかったんですが、同時に違うスケールで音を出してほしい、それでアドリブしてほしいという指示の関係で、短い時間で収まりませんでした。エオリアンを鳴らしている人もいればイオニアンを鳴らしている人もいて、全員に違うモードを指定しています。そのうえで自由に弾いてもらっていますね」

――“Ants”は、仄暗いところから暖かいところに向かう早春のようなの気配があって惹かれます。タイトルはどういった意図でつけられましたか。

「みんなが違うことをやりながら生きてるよ、ということですね。様々な生命が同時に存在しているという。連帯や統制されたものではなく、小さな生き物がいっぱいいる感じ。“Arrakis”と頭文字を揃えたのもあります。

“Arrakis”は風呂敷を広げているというか、ビジョンを大きく描いている、そのままビッグバンドに書いてもいいかなという曲で。“Ants”の小さな目線から“Arrakis”の大きな目線に至ることは意識しました。地上の小さなところから宇宙的なところに行く感じです」

――“Arrakis”は、〈テナーサックスの故 井上淑彦氏の作曲した“East Plants”が好きで、いずれこのような曲を書きたいと以前から思っていた〉とのことでした。

「森山威男カルテットのレコード（1983年リリースの『East Plants』）に収録されている曲です。オリエンタルな曲はアメリカのジャズの歴史上、結構ありますよね。それを日本でやっているものを聴くと、アメリカ人の演奏に比べて無理している印象を受けることが多くて。でも、“East Plants”は自然にアラビックな曲で、井上さんもご自分のセッションで頻繁に演奏しておられて、私も一緒に弾かせてもらったことがあります。

やっていると楽しいんですよね。スタイルとしてオリエンタルとかアラビックな空気を出そうとするのではなく、そういうコースを用意しておくと自由になれるんだと感じました。そういう曲を書けたらいいなとずっと思っていたんです」

 

互いを理解していないとできない繊細な音色が呼応する表現

――次の“Raindrops”は、アルバムで唯一のトリオ曲ですね。〈このプロジェクトは音列よりもテクスチャーで即興演奏したいので、テクスチャーを大事にするテーマのメロディを書いた〉とのことですが、〈テクスチャー〉についてご説明いただけますか。

「例えば、同じドの音が2回続いてそれぞれの音色が変わるみたいな、繊細な音色＝テクスチャーに呼応し合うことでもアンサンブルを進めたいと思っています。演奏が立体的に聞こえるためにどうするかと考えたとき、ボキャブラリーによる音楽の進行というよりも、表現による音楽の進行に思い至ったんです。

テクスチャーのインプロビゼーションは、互いを理解していないとできないと思うんですね。相手の声色に合わせるのが大事なポイントだと思います」

――明確な旋律が出てくるんだけど、全体的な雰囲気は抽象的で、良い意味ではっきりした印象が残らない曲だと感じます。

「ドビュッシーを意識したところはあります。次の“Cobalt Blue”に繋げたかったので、そこに向かって一回へこむような曲を、（編成的にも小さめの）ピアノトリオでやりたかったんです」

――その“Cobalt Blue”ですが、〈管弦のアレンジは一般的なホーンセクションアレンジと、ルーズに指定して個人判断に任せた部分を同居させている〉とのことで。

「ベースとピアノが同じオスティナート（反復される音形）を弾くバンプ（導入部的に演奏される短い反復）があるんですけど、そこは、管弦の3人には〈このあたりの音を吹いてください、あとは自由意志で変化をつけて〉と、大体の音符を書いておいて選んでもらっています。音符をしっかり書いておいても良かったのですが、事故的な厚みや萎み、ランダムなブレスがあった方が面白いと思ったので。

このトリオ＋3プロジェクトのコンセプト、ピアノトリオのまわりで木管が鳴っていることを具現化しようとした最初の曲で、これがワークしたから調子に乗って進められました」

――最後が“River”ですね。〈調性もリズムも、若干の歪みを感じるように書いている〉とのことです。

「書き始めたときは、はじめに聞こえてくる調性が実は違ったと後からわかる、という曲にしようと思っていたんですね。最初に出てくるトーナリティは全体からしたら5度調だった、というように聴き手を煙に巻く曲を書きたかったんです。リズムも、ドラムだけはハーフでとるなど。それで行けるように計算しました」

――最初の拍子は15拍＋17拍＝32拍（4×8）みたいな感じでしょうか。

「全体的にはそういう感じですね。ドラム以外はこうやって（手拍子で1拍カウントを繰り返す）とっているだけで、そのなかでメーターが変わっていきます^※。

それは、例えば歌詞がついている曲の自然なメロディの流れにおいて、そのくらいタメが必要だったからですね。数字的なものというより、フィジカルにそれが気持ちいいからそうした、それが最後にドラムと帳尻が合うようにしたということです」

 

〈好きにやってええよ〉と発信

――ちなみに、『Dot』が発売されてからの反響はどんなものでしたか。

「ミュージシャンからは連絡をもらいましたね。ミュージシャン同士、完全に振り切った覚悟を作品から感じてもらえるから。同業者から反響があったのは嬉しかったです」

――前回、「CDを作れるのはもうこれで最後なんじゃないかなという意識も強くあって」と仰っていましたが、フィジカルというもの、アートワークやパッケージへのこだわりについて伺えますか。

「装丁はお金をかけてます（笑）。ダブル紙ジャケット仕様とか。プラケースなら半分の費用で作れたんですけど、ほとんどの人がサブスクで聴くから、買ってくれた人には手触りのいいものを持ってもらいたいんです。

あと、『Dot』は、モノクロのイメージだったのでああいうジャケットにして、結果的にレコード店で目立ったんですけど、愛想がないんですね（笑）。しかも全曲オリジナルだから、〈知ってる要素〉が限りなく無い。だから今回は、誰が何をやっているかがわかるジャケットにしたいと思いました。それで、自分のビジュアルを使うにあたって自分自身では判断できないことが経験則でわかっていたので、信頼するアートディレクターに入ってもらって、デザイナーと3人でやり取りしました」

――作品として美しくまとまっていても売り方が難しいですよね。

「そう。私はいま44歳で、上と下の間の世代なので、昔のやり方も知っているし、いまの若い人のこともわかる。例えば、〈メジャーデビューはダサい〉という考え方は昔はなかったけど、メジャーじゃないとできない仕事もあるし。ただ、私くらいの歳の人間は、〈好きにやってええよ〉という発信はできるんじゃないかなと」

――それでは、『Echo』のアーティスティックなアピールポイントと、広く届けるためのアピールポイントをお伺いさせてください。

「『Dot』よりは聴きやすいと思います。『Dot』の反応は〈すごい〉〈よくわからん〉という感じで、具体的な感想がなかったんです。それに比べれば、『Echo』はメロディもハーモニーもはっきりしてる。なので、コアなジャズファン以外にも届いたらいいなと思います」

 

新世代メタルバンドの自由さと広がり

――それでは、別の話題を。9月13日に〈政則十番勝負〉に出演されますね。日本のメタルファンにとって大きな存在である、伊藤政則さんとのイベントです（今回の取材は9月11日に行った）。

「最近復活させたNHORHMを始めたとき、〈最後に伊藤政則に辿り着くぞ!〉と言っていて、活動休止したときはそれが心残りになっていたから。ついに辿り着きました（笑）。

中学生くらいの頃、洋楽のCDを買ったらたいがいMASA ITOのライナーノーツが入っていましたから。伊藤政則さんの文体の影響が残っているのはありますね」

――政則さんに限らず、「BURRN!」系文体の影響ってあるじゃないですか。個人的に、あの独特の硬さや定型句からいかに離れるかを意識してきました。

「そういう意味で、『現代メタルガイドブック』に関わらせてもらったとき、清家咲乃さんの表現がすごくいいと思いました。でも彼女も『BURRN!』出身なのが面白いですね」

――西山さんはその中間の立ち位置で、音楽構造の面からも分析なさっているのが良いと思います。

「いえいえ。私はジャズピアニストとして呼ばれてもいるわけで、音楽ライターとは違う目線から喋ったり書いたりするのは意識しています。

ただ、〈こういう人が応援しているから素晴らしいんだ〉とお墨付きを欲しがるファンが、メタルには他のジャンルより多い印象がある。そことは距離を置いておきたい思いもあります。

例えばメタルコア系のバンドって、そういうところから解放されていていいなと思うんです。『Dot』も『Echo』も、私自身がメタルコアやインダストリアルメタルを聴けるようになったから作れたんですよ。そういうバンドの自由さへの憧れはありますね。（メタルが）広がって良かったと多います」

――本当にそうですよね。本日はありがとうございました。

「ありがとうございました」

 

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RELEASE INFORMATION

リリース日：2024年10月2日（水）
品番：MT-13
価格：3,190円（税込）

TRACKLIST（全曲 西山瞳作曲）
1. Echo　エコー
2. West World　ウエスト・ワールド
3. Ants　アンツ
4. Arrakis　アラキス
5. Raindrops　レインドロップス
6. Cobalt Blue　コバルト・ブルー
7. River　リバー

■メンバー
西山瞳　ピアノ、作曲　Hitomi Nishiyama piano, compose
西嶋徹　ベース　Toru Nishijima bass
則武諒　ドラムス　Ryo Noritake drums
鈴木孝紀　クラリネット　Takanori Suzuki clarinet (except 5)
橋爪亮督　テナーサクソフォン、フルート　Ryosuke Hashizume tenor saxophone, flute (except 5)
maiko　バイオリン　maiko violin (except 5)

2023年7月12-14日 群馬県高崎市TAGO STUDIO TAKASAKIにて録音
録音・ミックス・マスタリング：松下真也（Piccolo Audio Works）
FAZIOLI F278使用 ピアノ技術：越智晃（Fazioli Japan Co., Ltd.）
写真：和田高広（ライトアンドプレイス湿板写真館）

 

LIVE INFORMATION
CDリリースライブ
2024年10月18日（金）神奈川・横浜 Jazz Spot DOLPHY
出演：西山瞳（ピアノ）／西嶋徹（ベース）／則武諒（ドラムス）

2024年11月12日（火）長野・松本 Storyhouse Café & Bar
出演：西山瞳（ピアノ）／西嶋徹（ベース）／則武諒（ドラムス）

2024年11月13日（水）愛知・名古屋 jazz inn LOVELY
出演：西山瞳（ピアノ）／西嶋徹（ベース）／則武諒（ドラムス）

2024年11月14日（木）大阪 Jazz Club GALLON
出演：西山瞳（ピアノ）／西嶋徹（ベース）／則武諒（ドラムス）

2024年11月17日（日）東京・渋谷 公園通りクラシックス
​出演：西山瞳（ピアノ）／西嶋徹（ベース）／則武諒（ドラムス）／鈴木孝紀（クラリネット）／橋爪亮督（テナーサックス／フルート）／maiko（バイオリン）

※各ライブの詳細は西山瞳のオフィシャルサイトにて後日発表

 

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PROFILE: 西山　瞳
1979年生まれ。2005年、横濱ジャズプロムナードのジャズ・コンペティションにおいて自身のトリオでグランプリを受賞。2006年、スウェーデン録音の1stアルバム『Cubium』をアミューズよりリリースしデビュー。2007年に日本人リーダーとして初めてストックホルム・ジャズ・フェスティバルに招聘され、以降2作のスウェーデン録音作品をリリース。2008年発表のアルバム『Parallax』はスイングジャーナル誌の日本ジャズ賞にノミネートされた。2010年、インターナショナル・ソングライティング・コンペティション（アメリカ）で15,000曲のエントリーの中から自作曲“Unfolding Universe”がジャズ部門で3位を受賞。2011年発表の『Music In You』がCDジャーナル誌のベストディスクに選出され、芸術作品として重厚な力作であると高い評価を得る。2015年にヘヴィメタルの名曲をカバーするユニット・NHORHMを始動させた。アルバム『New Heritage Of Real Heavy Metal』は発売前よりヘヴィメタルとジャズの両面で話題になり、ジャンルを超えたベストセラーとなった。シリーズの続編3作はいずれも高評価と好セールスを記録。以降、文筆活動も通じてジャズとヘヴィメタルを横断した活動を継続中。タワーレコード運営のサイト・Mikikiにて継続中の連載〈鋼鉄のジャズ女〉は同サイトで圧倒的な人気を誇る。全国のジャズフェスティバルやコンサートホール、ライブハウスなどで演奏。これまでに26作品のアルバムをリリースし、いずれもジャズチャートの上位にランクインを続け、文筆活動を通じたメディアでの活動も多い。オリジナル曲は高い作曲能力による緻密な構成とポップさの共存した、ジャンルを超えた独自の音楽を形成し、幅広い音楽ファンから支持されている。
オフィシャルサイト：https://hitominishiyama.net/

PROFILE: 西嶋　徹
5歳よりバイオリンを始め、高校の時にベースを始める。ジャズ、アルゼンチンタンゴを軸に幅広い音楽性で様々なジャンルのアーティストをサポート。これまでにJazztronik、パブロ・シーグレル、綾戸智恵、ウィリアムス浩子、小野リサ、カルメン・マキ、木住野佳子、小松亮太、葉加瀬太郎、長谷川きよしなどのレコーディングやコンサートに参加。2018年、ソロアルバム『Phenomenology』をリリース。2019年より弦楽カルテットを主宰。2021年、ギター・藤本一馬、ピアノ・栗林すみれ、ドラムス・福盛進也とのグループ・Remboatoでアルバム『星を漕ぐもの』リリース。

PROFILE: 則武　諒
名古屋出身。14歳の時にドラムに出会い、ヘヴィメタル、ハードロックなどから影響を受けるが次第にジャズや即興音楽に傾倒する。甲陽音楽学院、バークリー音楽大学（B.M. Summa Cum Laude）を経てニュージャージーのウィリアム・パターソン大学にて音楽修士号（M.M.）を取得。帰国後は名古屋を中心に活動したのち、2014年ごろに上京し活動の幅を広げる。間や質感を大切にした演奏を信条とし、様々なミュージシャンのライブ、レコーディングなどに参加している。

PROFILE: 鈴木孝紀
大阪音楽大学卒業後、クラシック奏者として室内楽やオーケストラなど様々なコンサートを経験。ジャズサキソフォン奏者である父と兄の影響を受けてジャズに傾倒し、現在多数のアーティストのCDに参加するほか、CMなどのテレビ音楽のほか様々なレコーディングワークも精力的に行う。自身のユニットである鈴木孝紀TRIOでアルバム3作をリリース。2017年、日本クラリネットフェスティバルにおいてソリストを務める。ウォームで芯のある音色とジャンルにとらわれない独自のスタイルで新たなクラリネット音楽を提案し展開している。

PROFILE: 橋爪亮督
岡山大学在学中、ボストン・バークリー音楽大学から奨学金を受けて渡米。1996年、同校のジャズ作曲科を卒業。2作のリーダー作をアメリカでリリースし、1997年に帰国。2006年、国内初となるリーダー作『WORDLESS』をリリース。全曲オリジナルによる自身のグループや管楽器に加えアナログシンセサイザーも自身で演奏する完全即興のプロジェクト・DARK MATTERなどを中心に、新宿PIT INNをはじめ首都圏ライブハウスなどで活動中。NHK FM「セッション2010」「セッション2019」に橋爪亮督グループで出演。

PROFILE: maiko
神戸市出身。京都市立芸術大学音楽学部卒業。ジャズバイオリニスト・寺井尚子に師事。2001年からの8年間で2,000回を超える圧倒的な数のライブパフォーマンスをおこない、独自のジャズスタイルを確立する。第19回浅草JAZZコンテストでベストプレイヤー賞、2001年横濱ジャズプロムナードのコンペティションで向井滋春賞を受賞。コンポーザーとしての才能も高く、歌心溢れるオリジナル曲は好評を博している。2015年より伴奏者のいない完全なソロバイオリンのライブにライフワークとして取り組んでいる。