若きパーカッショニスト、會田瑞樹に〈希望が持てそう〉な理由

會田瑞樹（あいたみずき）、初めは、ふつうの打楽器奏者だと思っていた。クラシック、というか、ゲンダイオンガクの演奏家。そんな認識。だが、どうもそれだけではない。ないらしい。既成の曲も演奏するが、やたらと作曲家に委嘱し、多くの新作を演奏する。初演魔。さらに。少しずつ知るにつけ自分で曲も作っているのがわかってくる。童謡のアレンジなんかもやって、ネットにアップしてたりする。コンポーザー=パフォーマー?

この會田瑞樹、4月18日（土）、21日（火）に東京オペラシティ文化財団の企画で日本の若手実力派がバッハと現代曲を含めた選曲で演奏するリサイタル・シリーズ〈B→C（ビートゥーシー）〉に登場する。それはいい、それはいいんだけれど、ポスター、見てほしい。

これまでこの企画のほとんどすべてのを見てきたと思うが、大抵はきまじめ、整った表情。會田瑞樹はどうだ。口を開け、なんとも楽しそうな表情じゃないか。こんなヤツは初めて。そう、これ、大事じゃないか。この男には希望が持てそうだ、との直感がはたらく。こんなふうに音楽をやる、〈B→C〉に出るのが。そんな折、このインタビューのはなしが舞いこむ。これまで立ち話をしたり、飲みに行ったり、メールのやりとりもしているけれど、それほどつっこんだはなしはしていない。ならば、この機会に、である。

★公演〈B→C〉のチケット購入はこちら（公演詳細は記事末尾にも掲載中）

※2020年4月3日追記
「B→C會田瑞樹パーカッションリサイタル（4月18日仙台公演＆4月21日東京公演）」は、新型コロナウイルス感染症の感染予防・拡散防止の観点から、中止させていただく事と致しました。
今後は代替公演の実現に向け、引き続き尽力したいと考えております。
詳細につきましては、下記ウェブサイトをご高覧頂けますと幸いです。
https://www.operacity.jp/topics/detail.php?id=603

※2020年8月19日追記
公演中止となっていた「B→C會田瑞樹パーカッションリサイタル（4月18日仙台公演＆4月21日東京公演）」は、仙台公演（2020年11⽉28⽇（⼟）、東京公演（2020年11⽉30⽇（⽉））と⽇程を新たに開催することとなりました。
詳細につきましては、下記ウェブサイトをご高覧頂けますと幸いです。https://www.operacity.jp/concert/calendar/detail.php?id=13523

ロックスターになりたかった日々、吉原すみれとツトム・ヤマシタに出会って

――音楽とはどのようにつきあい始めました?　初めから打楽器でしたか?

「母親は美術、父親は考古学者で、音楽が好きな両親だったのですが、僕をギタリストにしたかった母が言ったのが、まずヴァイオリンを、だったんです。ギターなんですよ。でも、その手始めとしてなぜかヴァイオリンなんです。僕はあまり手が大きくなくて、自分の中でヴァイオリンがしっくりこない（笑）。それでも10年くらいは続けました。

子どもの頃はロックを聴いたりしましたが、いいなと思うのはドラムセットでした。小学校6年生くらいの時の授業で、合奏団みたいなのをやったときに初めて（ドラムスを）さわってみたら、これこそ自分の楽器だ!と思った。打楽器はそれが最初でしょうか」

――ヴァイオリンは習ったけれど、ギターはやっていない?

「何かのはずみで買ってもらいました。でも結局ダメで。何かアレルギーなのかもっていうくらい（笑）。ヴァイオリンも勉強できたのはよかったけど、自分ではできない、というのがいまでもコンプレックスです。だからずっとあこがれているんです、ヴァイオリン。

もうひとつあこがれているのがピアノです。音大受験を決意して受験で必要になるまで、ピアノはやっていませんでした。これまた上手な人のを聴くと、自分はできない、と思ってました。だから僕、音楽の道筋を考えると、基本的に挫折やコンプレックスのほうが多い（笑）。ピアノもずっとあこがれている楽器です」

――ドラムいいなって思ったけど、そこでロック・ミュージシャンへは向かわなかった?

「小学校6年生の文集には〈ロックスターになりたい〉って書いてるんです。でも、中学で吹奏楽部に入ったりしながら、ロックをやりたいなってアタマで思ったりはしても一緒にやってくれる仲間がぜんぜんいなくて。バンド組めないし、どうすればいいのかなと思ってました。

そんな中学2年のとき、吉原すみれ先生とツトム・ヤマシタのCDに、ほとんど同時に出会います。どっちもソロのアルバム（吉原すみれの89年作『パーカッシブ・コスモス 3～サーティーン・ドラムス』、ツトム・ヤマシタの72年作『打楽器のための現代作品集』）。あ、これがいちばんしっくりくる!と思いました。特にツトム・ヤマシタは声を発しながら演奏するという身体的なパフォーマンスを含め、自分ひとりで世界観を作り上げるところにすごく共感を持ちました。聴いた翌日には音楽室の楽器を勝手に並べてめちゃめちゃな即興をやったりして（笑）。そのときそれを自分の曲だ、みたいなことを書いたノートもあります（笑）。

だから、何かを表現したいってのはずっとふつふつとたまっていたんだろうな、と思ってます。いまもそうです。それをどういうふうにしたらうまく表出できるのかな、というのがずっと自分の課題です。その頃からロックというより作曲家の作っているものに意識が向くようになっていった気がします。

中3のときに吹奏楽部の後輩たちが、自分の書いた楽譜を演奏してくれました。顧問の先生はその後、僕が高2になるまで3年連続で僕の楽譜を音にしてくれたんです。でも、3回目のときに作曲の才能はないから作曲はやめようって思ったのもよく覚えています（笑）。

なぜかというと、自分のイメージしている音楽と演奏にすごく開きがあって。書いてる音符が悪すぎるんだなって。これはちょっと急いでやることでもないし、もう少し演奏なりなんなり基礎的な勉強をしてからにしよう、もしかしたらまたやることもあるかもしれないけど、少なくとも現時点では才能ないなって、一回引き上げることにしました（笑）。自作自演をやるとか自分で作ることに否定的な気持ちになったのが、この10代後半から20代前半くらい。ですから、学生時代は集中して作曲家の作ったものを勉強して過ごしました。

高校2年のとき、創部50周年だったので、じゃあ委嘱しようよって僕がポロっと言ったんです。高橋伸哉さんという、吹奏楽部の卒業生でいまも作曲家として活動している先輩がいたので、OBだしぜひお願いしようよ、と。顧問の先生にまかされ、手配は僕がやりました。予算面は先生が全部面倒見てくれて、委嘱料もちゃんと払って。そういう経験を高校2年の時点でさせてもらえて、すごくワクワクしたんです。そんな気持ちがいまにつながっているんじゃないでしょうか」

自己表出はソロの中にある

――その後は音大（武蔵野音楽大学）に行き、打楽器をやって。オーケストラとかもやったのかなと。で、卒業すると大学院に進んで、ソリストになった。

「オケやってないんです。履修拒否というか（笑）、選択できたので。みんなから叩かれたんですけど（笑）。僕の中でソロをやりたいという思いは中高の土壌もあり醸造されていて、やるんだったら徹底的にやるしかないと思っていました。なのでオーケストラの履修もしないで、なるべくソロをやる自分の研究の時間にあてようと。

そんなとき、図書館でいろんなCDとかを聴いたり、聴きながら寝たりとかもしていたら、作曲家・八村義夫に出会いました。八村義夫ってまた（字面が）『八つ墓村』みたいな……って軽い気持ちで聴き始めたんですけど（笑）、曲の表出力の強さみたいなものにあこがれて一気に好きになったんです。こういう人がいるんだなー!と。八村義夫の『ラ・フォリア』（85年）って本も図書館で借りました。若い、10代から20代へ向かっていたときの僕にとって、神様のような感じでした。

本のなかで末吉保雄先生の名前が出てきて、この人知ってるわ、“マリンバのためのミラージュ”書いた人だ、とつながりました。その後、僕は末吉先生の曲に惹かれていくのですが、大学2年のとき、師事していた神谷百子先生から、そんなに好きなら会ってみればと言われて、連絡先を教えていただき、手紙を書きました。そうしたら演奏会にいらしてくださって。晩年の数年間、一緒に酒を呑んだり、曲を書いていただいたり、ご一緒できたのは僕にとっての財産だし、とても良い思い出です。

『ラ・フォリア』には水野修孝先生の名前も出てきました。ジャズ・オーケストラの曲がベタ褒めされていましたね。水野先生も、その後出会うことになり、ヴィブラフォンの新作などでご一緒させていただきました。そのような感じで、ある意味、八村さんの本が教えてくれなかったらいまはないだろうというくらい、『ラ・フォリア』には本当に重要なことばかり書かれていました。なんというか、世界は細かいところでつながっているんだなと実感したり、それがある種音楽を形作っているのかな、と考えたりしましたね」

會田が八村義夫作曲の“Ahania for solo marimba”を演奏する2017年の映像

――そうしてソリストに。

「自己表出はソロの中にあるというのは中高の頃からある程度固まってきていて、大学に入って（吉原）すみれ先生という、こうなりたいと思う人が身近にいた6年間だったので、その背中を追っていくしかないという気持ちでした。それはいまも変わりませんが」

ヴィブラフォンはヴァイオリンやピアノに勝てるんじゃないか?

――大学では、同時に高橋美智子さんにも師事されています。

「美智子先生との出会いも大きかったですね。日本の打楽器演奏家の歴史は有賀誠門・高橋美智子・安倍圭子から始まる。その前ってなると、小森宗太郎とか軍人さんとかで。第一世代が有賀先生、美智子先生。この人たちが活躍したことで吉原先生ら次の第二世代の方がいます。

美智子先生は、初めレッスンは持ってらっしゃらなかった。でも、僕が隣の部屋で練習しているうちに、（會田のことを）覚えてくれるようになりました。試験のときも応援してくれ、大学4年のときに授業でご一緒するようになって、美智子先生のいわゆる音楽活動のことを様々に勉強できたんです。けっこう赤裸々に、どうやって委嘱したかとか委嘱料はいくらかとか（笑）、具体的な額も教えてくださったり。先生の活動ってすごく開かれていて、オランダに行くためにはKLMとうまく提携してねとか（笑）。先生はKLMの雑誌にも文章載せていたりとかしていて、こうやって社会と密接に関係しながら音楽活動するんだなって、教えてくださりました。そうして美智子先生のヴィブラフォンを継承することにもつながっていったんです」

――ヴィブラフォン、出てきました（笑）。會田さんは愛着がありますよね、この楽器に。それは音色的な問題とか、あるいは鍵盤打楽器、金属打楽器というものに対しての関心、とみていたんですけれど、どうですか?

「この楽器、いちばんの魅力って余韻がコントロールできるところじゃないでしょうか。マリンバとかはブンって鳴らしたら後は音が飛んでいったままになりますが、ヴィブラフォンは音を出してからもまだ意識を向けることができる。その点ではすごく可能性があるし、僕自身、シンバルとかゴングとか、金属の余韻というものが好きなんです。さっきの話ともつながるかもしれないんですけど、ヴィブラフォンはヴァイオリンやピアノに勝てるんじゃないか、対抗できるんじゃないかと思ってます。ピアノのようなペダルがあり、音域もヴァイオリンとほとんど同じで。いちばん自分のやりたいことが表出できるんじゃないかなとも思ってます」

今回の公演〈B→C〉に向けて、會田が実際に音を鳴らしながらヴィブラフォンの魅力を紹介する映像

――いまひとつ、現代作品では、ヴィブラフォンを効果としては使うけど、単独として取り上げた作品は少ないですよね。

「なので、いろんな方に曲を書いていただこうって、おのずとなっていった気がします。レパートリーが少なくては、いいも悪いもない。玉石混交であっても、とにかく初演してレパートリーとして定着すればいい。そんなこんなで200作品を、いろんな編成のものを含めてですが、演奏しています」

――委嘱って、何が出てくるかわからないですよね。

「そうなんです。でもそこは本当、コミュニケーションだなって。作曲家という人と語り合ったり、楽譜を見て自分の中で浮かんだ疑問点をぶつけ合ったりして、それを加筆修正したり。それらをクリアしていくことは僕にとっても勉強というか、より自分の持つ〈あこがれ〉に近づけるんじゃないかな、という気がします」

フランシス・プーランクに想いを馳せる

――今回の公演でグンデル（ガムランの楽器）を使うでしょう?　グンデルは、ヴィブラフォンと近い感じを持っていますか。

「ヴィブラフォンはアメリカ合衆国で生まれた楽器で、しかも1920年代とか、20世紀の楽器。クラシックでは（アルバン・）ベルクが『ルル』で取り入れたのが最初です。楽器としての地位を築き上げたのは、ミルト・ジャクソンとかジャズのプレイヤーでしょう。直接作用しているかどうかは微妙でしょうが、グンデルはヴィブラフォンのおじいちゃんのような（笑）、遠い親戚のような勝手なイメージを持っています。

今度の〈B→C〉に出ていただくグンデル奏者のウェリ（・ヘンドラッモコ）さんと初めて出会ったとき、僕もガムランって何回か聴いていたので、（想像の中の）ああいう感じなんだろうなと思っていたんです。でも、彼がソロをしだしたのを見たら、すごく細かいことをしているんですね」

今回の公演で演奏予定の、グンデルとヴィブラフォンのデュオで演奏される會田作曲の“グンデルとヴィブラフォンのための《Welly》”を會田みずから紹介する映像。後半で第一楽章を聴くことができる

――グンデルは音を出すより、止めることが大事だし。

「そうなんです。止めたりとか、ビートの感じ方とか。ビックリしちゃって。すごく粒立ちの綺麗な音で、僕のほうができていないんじゃないかって反省してしまったくらい、彼のひとつひとつ繊細に音を運んでいく姿に魅せられました。だから今回はどうしても呼びたかったし、彼の技を勉強したいという思いもありまして。

今回はウェリさんの楽曲もやるんですけど（“インバル・ワカナ”）、これはガンバンという木製の楽器を使います。インドネシア語と日本語を喋りながら演奏する曲です。〈ありがとう〉というのをインドネシア語で〈テリマカシー〉というんですが、そういう言葉の音の違いの遊びを曲にしています。すごくかわいらしい曲にまとめ上げられているので、演奏できるのが楽しみで。

ここ数年、自分の曲を書くのを解禁したのはインドネシアの人たち、とりわけウェリに会ったのが大きかった。彼らはあたりまえのように即興だったり自分で曲を作ることを軽やかにやっていて。僕も悩まずにやってみていいのかなと、肩の力が抜けたんでしょうね。

今回の公演は僕の曲というよりは、この人と共演したいからという目的があって作っている部分があります。グンデルとヴィブラフォンの曲なんて、そんなデュオの曲聴いたこともないし（笑）、じゃあ僕が作るしかないと思って作りました。三楽章形式ですが、一楽章は五線譜で書いて、僕が彼のパートを演奏したのを録音して送りました。彼はそれを耳で覚えて、というふうにしたんですけど、二楽章と三楽章は五線譜も書いた後、彼にガムランの記譜の仕方を教わって、数字譜も書いてみました。

ここに小沼先生のプーランク^※の本が置いてあるんですけど（會田が持参した小沼純一著『パリのプーランク』）、最近プーランクへのシンパシーが強くて。“2台のピアノのための協奏曲”はもう何回聴いてるんだろう、と（笑）。一楽章のコーダのあの感じがスコアを読んでいても……」

※フランスの作曲家、フランシス・プーランク（1899年～1963年）

――ハーモニクスの感じ。

「ハーモニクスでチェロを弾いたりとか、ガムランとよく似てるなと思うんです。でもこの本を読んでいるとそんなにプーランクは東洋の文化に接触しようという感じもないし、むしろそんなに好きでもなさそうなのに、露骨に出すぎだろう（笑）、とも思うんですけど。プーランクのそういう、ある種の軽やかさみたいなものに惹かれます。なんとなく多様性が混在していて、この人が生きた時代が、いまの僕らの時代とちょっと似てる気もするんです。これから何が起こるのかわからないような緊張感とか、ゆとりと緊迫感が並列しているような感じ。インドネシアもいま急速に発展していますが、そういうエネルギーみたいなものも今回、ウェリを呼ぶことで感じていただけたらとも思います」

身体感覚から音を紡ぐ

――〈B→C〉ってずいぶんやっていますけど（第1回目は98年4月、今回が第221回）、その中でアジアのミュージシャンを呼ぶのは初めてだそうですね。そもそも日本人以外の共演者って限られているとか。そこに私は注目していますし、今回はそういう背景とリンクするようなプログラミングです。自作もそうだし、“インバル・ワカナ”もそうだし。佐原詩音さんの“ペトルンカムイ”も。

「そうですね。“ペトルンカムイ”はアイヌの言葉を使ったソロ曲ですし」

――“サーティーン・ドラムス”も、ヨーロッパと言えば言えるけど、アフリカンですよね。そういう意味では、バッハくらいですね、純（なんて言い方はおかしいけど）ヨーロッパ。

「内藤（明美）さんの曲（“独奏打楽器奏者のための《砂の女》”）もテーマが〈砂の女〉で、使う楽器にしてもクロマティック・ゴングだったり民族楽器です。そこから発せられる主題の信号というのは、やっぱりアジアのテイストでしょうか」

――なんとはなしにヴィブラフォンが中心的にありますね。でも、いままでの〈B→C〉のシリーズでここまで楽器編成を明記したことって、チラシとしては、ほとんどなかったんじゃないかしら。

「そこは主催者さんのお知恵を拝借しました!」

――ほかのと違うよっていうのがわかりますね。漠然と打楽器と言われるのとちょっと違う。ところで、そのパーカッションって、〈打〉楽器って、言うでしょう。まさに翻訳語です。打つ。でも、パーカッションって、いまは打つだけじゃない。この公演でやるのはわりあい〈打つ〉が多いけれど。いまパーカッショニストって、いろいろしなきゃいけません。これほどいろいろしなくちゃいけない音楽家っていませんね（笑）。指動かせばいいとか、弓引けばいいとかだけじゃないじゃない。叩いて、撫でて、指ではじいて。

自分で考えなきゃいけない、メソッドであまりできないものでもある。身体全部を使うし、なんとなく音楽ができますっていうのと違う。楽器になるモノを探してくるとかも含めて、です。そういう能力が、普通の、旧来の音楽家、西洋的な、アカデミックな音楽家の在り方とちょっと違う。とはいえ、もともと音楽というのはそうやって作られたものです。石ころを拾ってくるとか、砂を落としてみるとかというところからやってきたものが、逆に制度化されて楽器になったわけで。打楽器奏者はつねにそういうところにさかのぼってやっているな、という気がします。ご自身としては、如何ですか?

「僕にとって楽器というのは、いまここにあるテーブルとかソファも音が出れば楽器なんです。まず音としてあって、それが音楽になるには、ある種、場というのも大事だと思います。例えば野外でみんなでトークして、あるいはセッションしてやるものとか。そういうみんなで内々で楽しめるものもあるし、そこにお客様がいるとしたら、ある程度精錬は必要です。いろいろ試したんですが、垂れ流しの即興ほど疲れるものはない（笑）。自己満足の世界というか、それだけは避けたほうがいいと思っています。

精錬するにはいろいろ考えなきゃいけないし、まず音を磨きぬかなきゃいけない……（手前にあるテーブルをいろんな角度から叩きながら）こっちの音よりこっちの音のほうがいいなって、まずその選択から始まる。こっちは低音が出て、こっちは高音で、これで音程がついてきた。それによっていま3つくらい音色が出来てきた、じゃあそれをどうしようか、という一個一個の精錬、吟味みたいなもの。それができるのが打楽器の面白みだと思います。

この日持参してくれた、會田愛用のマレットやスティック

今回の演目の“サーティーン・ドラムス”はあまたの打楽器奏者が演奏してきている曲ですけど、じゃあこの曲では何の太鼓使おうかっていうところから始まっているんです。僕としては今回ないまぜでやってみようと思っていて、いろんなジャンルの対抗というか、そういうところから音楽は始まっているし、僕はホールで演奏するときは配置もかなり考えようと思っています。散らばっている音を拾い集めて、そこからさらに吟味して、というプロセスを大事にしていきたいんです。

ある意味ピアニストなんて大変だよなと思うんですよ。会場に置いてあるピアノを弾く以外に方法がない。僕の場合は基本楽器を持っていくので。そこから音楽が始まっていると思うし、それを考えるにはまだまだアタマが悪いけど（笑）、モノを知らないといけないなと思います。どこに手がかりが隠れているかわからなくて、それは全然他ジャンルの音楽だったりもします。あるいは音楽ではなく美術だったり、服や布だったり、本だったり。日々のひとつひとつのことを大事にしていきたいと思いますね」

――作曲家が書いたものってのは確かに大事なんだけど、じゃあ音楽家は自分の表現として、それをそのままやればいいのかという話じゃない。それを通して別のことをやるのか、とか。そのあたりが打楽器の人はほかの楽器の人より表出しやすいというメリットがあります。

「さっきおはなしにでてきたプーランクも、作曲家だけど演奏家ですよね?　自分の曲はほとんど自分で弾いている。そういう軽やかな行動にどこかあこがれているところはあります。ブルックナーもオルガニストだったから即興の名手だったし、そこから交響曲の何かを作り上げていただろうと思う。自分の身体感覚から音を紡いでいるんだなって。僕は、そういう作曲家が好きなのかもしれません。自分もそうなりたいと思っているんじゃないでしょうか。打楽器はそれがいちばんやりやすいと思うし、そういう身体性みたいなものが音楽にどんどんつながっていくんじゃないかな」

――いろいろおはなし伺えてよかったです。あとは〈B→C〉で実際に會田さんのステージにふれなくては!ですね。

EVENT INFORMATION

B→C（バッハからコンテンポラリーへ）會田瑞樹パーカッションリサイタル

2020年4月18日（土）宮城・仙台日立システムズホール仙台交流ホール
開場／開演：14:30／15:00
チケット料金：2,000円（全席自由・税込）※チケット発売中
チケット取り扱い：仙台市市民文化事業団（日立システムズホール仙台）022-727-1875
お問い合わせ：HAL PLANNING 022-262-1682

2020年4月21日（火）東京オペラシティリサイタルホール
開場／開演：18：30／19：00
チケット料金：3,000円（全席自由・税込）※チケット発売中
チケット取り扱い：
東京オペラシティチケットセンター 03-5353-9999
チケットぴあ 0570-02-9999 http://t.pia.jp（Pコード：170-453）

出演：會田瑞樹（パーカッション）
共演：ウェリ・ヘンドラッモコ（グンデル）、金子展寛（箏）
曲目：
石井眞木：サーティーン・ドラムス（1985）［膜質打楽器］
會田瑞樹：グンデルとヴィブラフォンのための《Welly》（2018/2020、改訂版初演）［グンデル、ヴィブラフォン］
ヘンドラッモコ：インバル・ワカナ（2018）［ガンバン］
薮田翔一：新作（2020、會田瑞樹委嘱作品、世界初演）［箏、グンデル、打楽器］
佐原詩音：ペトルンカムイ（2018）［ヴィブラフォン、金属打楽器］
内藤明美：独奏打楽器奏者のための《砂の女》（2012）［ヴィブラフォン、金属打楽器、膜質打楽器］
細川俊夫：新作（2020、會田瑞樹委嘱作品、世界初演）［ヴィブラフォン］
J.S.バッハ／白藤淳一編：プレリュードとフーガBWV543［箏、ヴィブラフォン］
権代敦彦：光のヴァイブレーション（2016）［ヴィブラフォン］

★各公演の詳細はこちら

PROFILE

小沼純一
早稲田大学文学学術院教授。第8回出光音楽賞（学術研究部門）受賞。音楽文化論、音楽・文芸批評の分野で幅広く活躍。執筆したライナーノートも数多く、著書に「本を弾く来るべき音楽のための読書ノート」（東京大学出版会）、「武満徹音・ことば・イメージ」「ミニマル・ミュージック」「魅せられた体旅する音楽家コリン・マクフィーとその時代」（以上、青土社）、「ピアソラ」（河出書房出版）、「武満徹その音楽地図」（PHP出版）ほか。訳書に、ミシェル・シオン「映画の音楽」（監訳みすず書房）など。