2023年3月18日（土）に東京・銀座のヤマハホールで開催されるコンサート〈珠玉のリサイタル&室内楽 三村奈々恵 presents World of Post-Classical（ポスト・クラシカルの世界）〉。この公演は、いま欧米を中心に人気になっている新たなクラシック音楽を身近に感じ、親しみやすく楽しめるものとして、マリンバ奏者の三村奈々恵が企画したものだ。
伝統的なクラシック音楽を背景しながらも、いわゆる〈現代音楽〉の実験を踏まえて、美的な発展と進化を経たポストクラシカルミュージック。近年は、旧来のクラシックの磁場から離れた〈インディークラシック〉も盛り上がっており、ポップやロック、ダンスミュージック、アンビエントといったジャンルとの結びつきもかなり深まっている。多くの人に求められて広がっている、非常にポテンシャルの高い音楽だと言えるだろう。
そんな次世代のクラシック音楽への強い愛を持ち、国内外を舞台に活躍している世界的なマリンバ奏者の三村が肝いりの選曲を行い、プログラムを組んだのがこの公演。意義深いライブの開催に向けて、三村と出演者の一人であるピアニストの林正樹にインタビューする機会を得た。企画意図、現代音楽やポストクラシカルを巡る状況について踏み込んだ内容になったので、ぜひこの対話を読んでヤマハホールに足を運んでほしい。
ポストクラシカルの起源と最前線を紹介
――〈三村奈々恵 presents World of Post-Classical（ポスト・クラシカルの世界）〉。まずはこの公演のコンセプトや企画についてお伺いしてもよろしいでしょうか?
三村奈々恵「いわゆる現代音楽の一般的なイメージは、無調や複雑なリズムなど、〈難解で聴くのが難しい〉というものが広がっていると思うんです。
一方で、アルヴォ・ペルトなどの作曲家を中心に調性回帰が始まり、2000年代以降はジャンル分けできない新しい音楽が欧米で生まれ、私と同世代のアーティストが続々と現れました。そういった音楽はインディークラシックやポストクラシカル／ネオクラシカルと呼ばれていて、聴きやすさもあり、アコースティックな楽器を使っています。また、エレクトロニクスとの融合やミニマルミュージックからの影響が色濃いのも特徴ですね。
いま欧米では最も人気の高いジャンルになっていて、私も学生時代からスティーヴ・ライヒやエイフェックス・ツインを聴いていたので、まさに自分が求めていた音楽がようやく世界的に定着してきているという実感があるんです。なので、ぜひこの音楽をもっと多くの方に聴いていただきたいなと思って、第1回を企画しました。
まずはポストクラシカルの起源と、現代に生きる新進気鋭、最前線の作曲家の作品をご紹介する、というコンセプトです」
――なるほど。林さんのポストクラシカルに対する印象は、どういったものでしょうか?
林正樹「ジャンル分けにこだわってない部分があるのですが、僕の作曲やアーティスト活動はもともとジャズから来ています。ただ、ジャズシーンに完全に馴染めていない自分もいて（笑）。
スティーヴ・ライヒやフィリップ・グラスのミニマル音楽は、大学生の頃に知って親しんでいました。さらに、僕の作品のリズムの元になるものとして、ポリリズムや変拍子は初期から取り入れているんですね。
自分の音楽性は変化もしていて、近年はピアノのアコースティックな響きをどうすればより美しく届けられるかを強く意識しています。なので、自分の音楽のジャンルは、実はポストクラシカルにけっこう近いんじゃないかなと。アドリブ色が強くなると、どうしてもジャズに分類されちゃうんですけど、楽器のアンサンブルや音の響きの考え方はポストクラシカルに近い。
なので、奈々恵さんからお声がけいただいて、自分が聴きたい音楽を実際にやれるのがすごくうれしいですね」
――三村さんは、どうして林さんに白羽の矢を立てたのでしょうか?
三村「10年ほど前に何度かコンサートで共演させていただいたのですが、林さんのピアノはその頃から特別な響きを持っていました。あれほど透明感がある美しい音を出せる方とご一緒したのは初めてで、感動しましたね。オリジナルの曲も大好きで、隠れファンとしてアルバムをずっと聴かせていただいております（笑）。
なので、このコンセプトのコンサートを開くにあたって、〈もう林さんしかいない〉と思い、オファーさせていただきました。こういった音楽を根本から理解してくださる方は、やっぱり林さんですね。すべてがマッチしていました」
林「ありがとうございます! 今回の企画や構成をお聞きして、僕が思っていた奈々恵さんの印象とは少しちがったんですね。もちろんお会いしていなかった期間のブランクもあるのですが」
三村「こういった面もありました（笑）。私は、バロック以降の各時代のクラシックをマリンバ用に自分で編曲したものからマリンバコンチェルト、ニューエイジ的なものやクロスオーバー、バリバリの現代音楽まで、いろいろな音楽をやらせていただいてるので、そう思われるかもしれません」
林「海外で頻繁に演奏されていて、世界の音楽シーンのことを見ていらっしゃる三村さんが日本でこういう試みされることは、ありがたいですね。自分がやろうとしてる音楽の認知にも繋がるんじゃないかなと思っています」
数学的的な発想で書かれた美しい曲
――では、肝心の選曲についてお伺いさせてください。アルヴォ・ペルト、アンディ・アキホ、ジョン・アダムス、ジョン・ササス、エリオット・コール、ルドヴィコ・エイナウディ、そして言わずと知れたスティーヴ・ライヒといった作曲家の作品が選ばれています。どのような構想でプログラムを組まれたのでしょうか?
三村「このジャンルは新しい曲もどんどん作曲されていますが、今回は第1回目ということで原点のような作品を紹介したいという思いがありました。
ペルトやジョン・アダムスは、現在のムーブメントの火種になっている作曲家ですね。アキホとエリオット・コールに関しては、バング・オン・ア・キャン※からの流れから選びました。彼らは、ニコ・ミューリーなどとも関係が深いですし、私もNYで仕事をさせていただいたことがあるんです。ササスはニュージーランドの作曲家で、彼も90年代からこのジャンルの起点になるような作品をずっと書いています。最近はエレクトロニクスを使った音楽も作っていますね」
――この選曲について、林さんはいかがですか?
林「僕は奈々恵さんほど詳しくありませんが、もちろんアルヴォ・ペルトなどには親しんでいました。作品を初めて聴いたときに、〈なんて美しいんだ〉と感動した作曲家ですね。たとえば、彼の“鏡の中の鏡（Spiegel Im Spiegel）”は僕も演奏したことがありますが、長三和音をこんなに美しく響かせられるんだと一音一音へのこだわりを感じてジーンときて、鳥肌が立ちました。
プログラムには聴いたことがなかった曲もありますが、自分が知らない間に取り入れていた技法が使われているものもあるんです。なので、どれも僕のなかにすっと入ってくる音楽で、演奏もすごく自然にできそうだなと思っています。たとえば、大学生の頃にフィリップ・グラスの譜面からヒントを得て、ピアノの同じ音域を右手と左手で周期を変えて演奏する、ポリリズム的なアプローチの演奏をしたことがあったんですよね」
三村「今回演奏するアキホの“カラクレナイ”が、まさにそういう曲なんです。〈31〉という素数にこだわったポリメトリカル（多拍子）な構造になっていて、右手と左手で別々の拍子のフレーズを弾きながら、最小公倍数で1サイクルする仕組みになっています。
“カラクレナイ”や“21”については、私の20周年公演のプログラムノートに詳しい解説を書いたことがあります」
林「なるほど。数学的な発想は、僕もよく作曲に作っています」
三村「ええ。林さんの曲に近いんですよね。なので、ぴったりだと思います」
林「クラシックや現代音楽の第一人者の方々と一緒にステージに上がるのは緊張しますが、普段自分がやっているアプローチでできそうな気がして、緊張が解けました（笑）」
――お話を伺っていると、林さんこそが適任だと感じます。
三村「林さんしかいないですね。ロマン派などのクラシックを主体にされていて、機能和声やホモフォニックな音楽が専門の方ですと、こういう数学的・幾何学的なアプローチやポリフォニック・ポリリズムの音楽は演奏しづらいかもしれません。なので、林さんの存在は本当に心強いです」
〈唐紅〉を奏でるアキホ、現代人に必要な美しい癒しの響きを取り戻したペルト
――いまお話に出たアキホの“カラクレナイ”という曲は、日本人としてはタイトルが気になりますね。どういう作品なのでしょうか?
三村「アキホは、アメリカ生まれの日系二世の作曲家です。（アレクサンドル・）スクリャービンのように共感覚の持ち主で、ある音を聴くと色が同時に見える方なんです。
この“カラクレナイ”に関しては、〈唐紅〉という色が見えるそうなんですね。唐紅って日本人にもあまりなじみのない色で、私も知らなかったんですけれど、ダークな濃い赤色のことです。林さんも、〈あいうえお〉の曲を作る〈五十音シリーズ〉を作曲されているじゃないですか。同じように、アキホは色ごとに作曲をしているんです。
アキホはバング・オン・ア・キャンに参加していて、デヴィッド・ラングなどから影響を受けて、プリンストン大学の博士課程で学びました。エリオット・コールもそうです。まさに、現在のアメリカのトップオブトップの作曲家ですね」
――ペルトに関してはいかがですか? ペルトも今回のプログラムで重要な作曲家なのではと感じています。
三村「ええ。ペルトはやっぱり外せません。セカンド・ヴィーニーズ・スクール（新ウィーン楽派）の作曲家たちが十二音技法によってそれまでの調整音楽を壊して無調に挑んだ流れのあと、音楽の歴史的には調性に回帰する動きがありました。ラディカルな実験的カオスからまた秩序に戻るだけではなく、失われていた美学を進化させた形で取り戻してくれたのが、ペルトだと思っています。
20世紀後半のヨーロッパは、特にブーレーズなどが君臨していたので、調性音楽が軽んじられていた向きもありました。そんななかで調性音楽に自信を持たせてくれたのが、ペルトの登場だったと思うんです。彼の音楽には、現代の人々に必要とされている美しい癒しの響きがあると思います」
――現代音楽における調性音楽の魅力とは、どんなものでしょうか?
三村「たとえば、十二音技法の譜面は、音程や各セグメントをアナライズすると、本当におもしろいんです。でも、アナライズしているときが、一番おもしろいのかもしれません（笑）」
――（笑）。
三村「譜面なしで聴くと、〈なんなんだろう、これは?〉となってしまうんですね。でも、調性音楽は、シンプルに聴いて楽しむことができる音楽です」
ミニマル要素のあるポストクラシカルの代表エイナウディ
――なるほど。ペルトはジャズピアニストのキース・ジャレットと作品を録音するなど、ジャンル越境的な作曲家ですよね。このプログラムの重要なピースとして組み込まれている意味も、林さんの参加が必然である理由も感じました。
林「僕は長年、ECMが大好きなんです。ペルトを知ったのも、キースが弾いていたECMからのアルバム『Tabula Rasa』（84年）でした」
三村「キースは、『The Köln Concert』（75年）でクラシックでもジャズでもない、その間のジャンルを作り上げましたよね」
林「そうですね。キースはジャンルで分類できない、〈キース・ジャレットそのもの〉としか言いようがないです。もちろんスタンダード・トリオはジャズですが、彼のインプロビゼーションは、ジャズという枠組みでは語れません。本当に尊敬しています」
――ペルトの『Tabula Rasa』は、現代音楽を扱う〈ECM New Series〉の第1弾作品としても知られていますね。
林「〈New Series〉は大ファンなので、そういった流れがもっと日本でも広がってほしいですね。自分の実感では〈New Series〉を理解して好む方も日本で増えてきているので、ジワジワと浸透している感じはあるんです」
――三村さんがおっしゃったとおり、旋律の美しさや調和を感じる作品が多く選ばれていると思いました。
三村「ホモフォニックな〈単一のメロディーとその伴奏〉という音楽より、ポリリズムやポリメトリカルな、幾何学的な図形が浮かび上がるような音楽が私は好きなので、そういった曲をメインで選びました。
エイナウディに関しては、ポリメトリカルというよりも、ミニマル的な要素のあるポストクラシカルの代表として取り上げないわけにはいかないなと思って、プログラムに入れたのですが」
――ミニマルミュージックはポストクラシカルにおいても重要ですよね。ミニマルに関してはいかがですか?
三村「ミニマルはやっぱり、インディークラシックやポストクラシカルの外せない要素ですね。音楽史には繰り返しを否定してきた側面もありますが、反復的な音は人間にとって瞑想に入っていけるような心地よさがありますし、ヨーロッパのポストクラシカルの一部が癒しの音楽、ヒーリングミュージックと言われているのも当然だと思います」
林「ミニマルの要素が強い音楽は、聴いていて〈次にどうなるんだろう?〉とワクワクしながら聴けるんですよね。なので、楽しんでもらえる演奏になると思います」
コンサートは聴衆とのコミュニケーションの場
――このプログラムを、三村さんは演奏家としてどのように演奏しようと考えていますか? やはり、楽譜に対して忠実に演奏するのでしょうか?
三村「それは、どのジャンルに関してもそうですね。まずは作品ファースト、作曲家ファーストなので、コンチェルトでも現代音楽のソロ演奏でも、私は演奏家として作品を深く理解し、可能なかぎりマルチリンガルでありたいと思っています。つまり、作品に自分が同化する、作品ごとにまったく異なる面を見せる素晴らしい俳優さんのようになるのが理想なんです。作品と作曲家の本当のよさを伝えられる、無色透明な媒体になれるかどうかを常に考えています」
林「そうですね。僕は、奈々恵さんのように上手じゃないのですが……（笑）」
三村「いやいや（笑）。そんなことないですよ」
林「逆に、どの曲を弾いても、そこに自分の音色を残したいと思っています。もし古典的なクラシックのプログラムだったらガチガチになっちゃいそうなんですけど、今回の楽曲は自分の色を出せるんじゃないかなと思っているんです」
三村「それはもう、ぜひ!」
林「楽曲を理解するために、本番へ向けて勉強したいと思っています。ただ、今回のプログラムは、初めて触れる方でも〈いい音楽だね〉〈美しい音だね〉と楽しんでもらえるものなので、事前に予習はしてこなくてもいいと思うんです」
――そうですね。先ほど言及されたニコ・ミューリーなども、ポップミュージックシーンと関わりが深い方です。なので、この公演も、全体的にポップなコンサートになるのかなと思いました。
三村「そうですね。たとえば、アキホの“21”にはロックの要素が入っていますし、ササスの“アタランタ”はフュージョンっぽいんです。なんの前知識も予習もなしに来ていただいて、楽しんでもらえるものを目指しています。
それと、私としては、マリンバの新しい形、マリンバという楽器はこういった音楽もできるんだよ、というところも聴いていただけたらと思っています」
――どの曲もそれほど長くないので、聴きやすくて楽しみやすいコンサートになりそうですね。
三村「そこは、いつもジレンマがありますね。自分にとって〈この曲は最高に素晴らしい!〉と思ったものでも、畑ちがいの方が聴いたときに〈さっぱりわからない〉となる現象が起こってしまうんです。
コンサートは、一方通行ではなくて、聴衆のみなさまとの作品を通してのコミュニケーションの場であるのが理想なんです。それが実現できたら、いい場になりますし、いいエネルギーが生まれると思います」
生音の響きがいいヤマハホールで4人によるいい音楽を
――現代音楽は、実験性やパフォーマンス性が優先されがちですからね。よくわかりました。コンサートに向けての意気込みを最後に聞かせていただけますか?
林「ヤマハホールは、このサイズのホールとしては、生の音の響きが本当にいいんです。演奏していてもすごく気持ちがいいので、自分自身、音やアンサンブルに関してはかなり楽しみにしています。
4人でいい音楽を奏でられたらと思っていますので、ぜひ来てください! 初めて共演する方もいらっしゃるので、打ち解けられるかなと、ちょっと不安なのですが（笑）」
三村「大丈夫です（笑）。このコンサートは、林さんなくしては成り立たないので、林さんにリードしていただく、みんなが林さんに頼ることになると思います。
今回はエレクトロニクスも入れるのですが、生の音を最大限に活かした音響のバランスを目指すので、楽しみにしていただきたいです。
私は18歳の時からライヒとエイフェックス・ツインの大ファンで、テクノもずっと聴いてきているんです。私の中でバッハとミニマルとエレクトロニカは長年、大きな位置を占めています。なので、こうやって私がやりたいジャンルの音楽をテーマにしたコンサートがやっとできることが、すごくうれしいんですね。
〈ポストクラシカル〉という言葉も出てきていなかったようなデビュー作（2000年作『マリンバ・スピリチュアル』）の頃からマリンバとエレクトロニクスを融合させた作品を作っていたので。このジャンルの音楽は、これからももっと演奏していきたいです」
林「このコンサートシリーズが続いていってほしいですね」
――三村さんがそれほどエイフェックス・ツインをお好きだというのは、なかなかおもしろいですね。今後、プログラムにエイフェックス・ツインの曲が入るかもしれない（笑）?
三村「それはありですね! もう、大好きなんです。アコースティックでエイフェックス・ツインをやるのは、夢のひとつですよ」
――それはすごく楽しみです。第1回はもちろん、2回、3回と続いていくのが楽しみになりました。
LIVE INFORMATION
珠玉のリサイタル&室内楽
三村奈々恵 presents World of Post-Classical（ポスト・クラシカルの世界）
2023年3月18日（土）東京・銀座 ヤマハホール
開場／開演：16:30／17:00
出演：三村奈々恵（マリンバ&ビブラフォン）／古川展生（チェロ）／ブルックス・信雄・トーン（クラリネット）／林正樹（ピアノ）
一般／学生：4,500円／3,500円
主催：ヤマハ株式会社ヤマハホール
※都合により出演者、曲目が変更になる場合がございます。あらかじめご了承ください
※未就学児のご入場はご遠慮いただいております
※チケット料金には消費税が含まれております
■プログラム
A.アキホ “カラクレナイ”［三村・林］
J.ササス “アタランタ”［三村・林］
S.ライヒ “ニューヨーク・カウンター・ポイント”［ブルックス］
J.アダムス “中国の門”［林］
A.アキホ “21”［三村・古川］
A.ペルト “スンマ”［全員］
E.コール “ブルーム組曲”［三村・古川・ブルックス］
L.エイナウディ “翼を広げて”［全員］ ほか
PROFILE: 三村奈々恵
国立音楽大学打楽器専攻を首席で卒業。米ボストン音楽院にて修士号を取得。バークリー音楽院で講師を務める。学生時代より数々の国際コンクールで優勝を重ね、カーネギー・ホールでデビューリサイタルを行った。演奏活動は22か国に及ぶ。作曲家・吉松隆にマリンバ協奏曲を委嘱し、2010年、京都市交響楽団と世界初演、これまでに山形交響楽団、東京フィルハーモニー交響楽団、東京交響楽団、日本センチュリー交響楽団と再演している。また、メキシコ、ベルギー、イタリア、タイにて開催された国際マリンバ・コンクールにて審査員を務めたほか、オランダ、アメリカなどでのマリンバ・フェスティバルにおいて講師を務めるなど、後進の指導にも積極的に力を注いでいる。2016年にリリースした『マリンバ・クリスタル－祈り－』を含め、これまでに4作のアルバムをリリースしている。2020年にデビュー20周年を迎え、記念リサイタルを開催し、日本初演の4曲を含む最先端の楽曲を披露し、好評を博した。〈八ヶ岳国際マリンバ・キャンプ〉主宰。アメリカ・アンコール社より三村奈々恵モデルのマレットが開発・発売されている。ヤマハアーティスト。昭和音楽大学大学院、同大学、同短期大学部非常勤講師。
使用楽器：ヤマハコンサートマリンバ YM-5100A Yamaha Concert Marimba YM-5100A／ヤマハコンサートビブラフォン YV-3710JM Yamaha Concert Vibraphone YV-3710JM
PROFILE: 林 正樹
ピアニスト、作曲家。自作曲を中心とするソロでの演奏や、間を奏でる、林正樹グループなど自身のプロジェクトのほか、小野リサ、渡辺貞夫、マレー飛鳥、徳澤青弦、藤本一馬などさまざまな音楽家とアコースティックな演奏活動を行っている。Banksia Trio、菊地成孔とペペ・トルメント・アスカラール、ラディカルな意志のスタイルズなどのグループにも在籍。多種多様な音楽的要素を内包した、独自の諧謔を孕んだ静的なソングライティングと繊細な演奏が高次で融合するスタイルは、国内外で高い評価を獲得している。三宅純、椎名林檎をはじめ多岐に渡るアーティストのスタジオワークにも数多く参加。2021年公開の映画「すばらしき世界」（監督・脚本：西川美和、主演：役所広司）の音楽を担当し、毎日映画コンクール音楽賞を受賞。最新作は2023年1月リリースの『Blur the border』（林正樹グループ）。
PROFILE: 古川展生
桐朋学園大学卒業。95年、第64回日本音楽コンクールのチェロ部門で第2位に入賞。96年、ハンガリーのリスト音楽院に留学。98年、帰国後、東京都交響楽団首席チェロ奏者に就任、現在に至る。また、各地においてソロリサイタル、国内外の著名演奏家との共演など室内楽の活動も精力的に展開。2020年には〈J.S.バッハ無伴奏チェロ組曲全曲演奏会〉（東京・大阪）に出演、絶賛を浴びた。また、ポップス、ジャズ、タンゴなど、他ジャンルのアーティストとのコラボレーションも積極的に行い、藤原道山（尺八）、妹尾武（ピアノ）とのユニット〈KOBUDO -古武道-〉は2022年に結成15周年を迎えた。幅広いフィールドで目覚ましい活動を続け、人気、実力ともに各方面より注目を集めている。2003年、第2回齋藤秀雄メモリアル基金賞受賞。2004年、京都芸術祭特別賞。2011年、第31回藤堂顕一郎音楽褒賞受賞。2013年、第31回京都府文化賞受賞。昭和音楽大学客員教授、桐朋学園大学非常勤講師。
PROFILE: ブルックス・信雄・トーン
日系アメリカ人のブルックス・信雄・トーンは現在、愛知県立芸術大学にて准教授を、相愛大学にて非常勤講師を務める。多様なキャリアを通して、ソリスト、室内楽、教育者としてアメリカ、ヨーロッパ、アジアでの指導などに加え、日本の数々のオーケストラで客員首席を務めた。フレッド・オーマンドの生徒として米ミシガン大学へ進み、ピアノとクラリネット演奏で2つの学士号を取得。2つの分野の勉強を続け、ラリー・コムズの生徒として、デポール大学でピアノとクラリネットの2つの音楽修士号を取得。桐朋オーケストラ・アカデミーに進学するため来日。大阪に拠点を置き、2004～2018年に大阪フィルハーモニー交響楽団クラリネット首席奏者を務めた。
