東京フィルとの録音10年を祝して、満を持してのカルミナ・ブラーナ
――カール・オルフ（1895〜1982）の「カルミナ・ブラーナ」（1936）は大変人気が高く、特に“おお運命よ”はコンサート以外でも耳にすることの多いポピュラーな作品です。スペクタクル性がやたらと強調された演奏が多い印象もあるのですが、バッティストーニさんと東京フィルハーモニー交響楽団の録音では歌詞になっている数百年前の大衆が抱えていた生々しい感情がリアルにぶつかってくるようで、大きく作品の印象が変わりました!
「完成度の高い音楽作品であって、単なるエンターテインメント的な音楽ではないと思っています。それが伝わるよう奮起したので嬉しいです。今日では演奏会作品（コンサート・ピース）として演奏されますが、本来は舞台作品であることを忘れてはいけません。各曲は物語のようにスムーズに繋がっているとは限りませんが、物語性（narrative）を聴くべき作品なのです。私としてはカンタータやオラトリオというよりもオペラに近いと強く考えているので、演劇的な体験に戻したいのです。楽譜に書かれた副題でも銘打たれているように作曲者も踊りや合唱、コスチュームや舞台装置を想定していましたし、いつか実際にオペラとして上演できたら素晴らしいですね!」
――録音だけを聴いても演劇性を強く感じられるのは、素晴らしい独唱陣と合唱の活躍あってのことですよね。彼らの魅力をバッティストーニさんの視点で語っていただけますか?
「『カルミナ・ブラーナ』のソプラノは、非常に高い音域が求められる役として有名です。〔第23曲目の“愛しい貴方”に登場する〕とてもチャレンジングな〈ハイD〉（非常に高いレの音）は、全てが上手くいけば素晴らしい霊感が感じられる瞬間となります。音階を確実に上り、〈ハイD〉まで歌い上げられる歌手を見つけなければなりません。だからヴィットリアーナ・デ・アミーチスは適任でした。『カルミナ・ブラーナ』ではある種の無邪気さと純粋さが必要ですが、彼女は繊細で透明感のある声を持っていますから。特に、これまでソプラノのために書かれた最も美しいアリアのひとつである〔第21曲の〕“秤にかけてみよう In trutina mentis dubia”は『カルミナ・ブラーナ』のなかで最も感動的な楽曲ですが、彼女は繊細でありながらも情熱的なパフォーマンスを披露してくれました」
――続いてはバリトンのミケーレ・パッティさんについては、いかがでしょう?
「おそらくバリトンは『カルミナ・ブラーナ』のなかでソプラノ以上にチャレンジングな役だと思います。ファルセット（裏声）、とても高い音域からとても低い音域、語りのような表現まで、多くの特殊なテクニックが求められるのです。その上、非常に機知に富んで、コミカルで、とても悲劇的で、ドラマティックで……と、彼が演じるキャラクターたちは愛と情熱によって、様々な心情に引き込まれるので、あらゆる表現に対応できる演技を情熱的にできるバリトン歌手が必要なのです。ミケーレは猛烈に忙しい歌手ですが、彼ならこの難しい条件を解決できると提案したのです。実際、その通りであることを証明してくれました」
――カウンターテノールの彌勒忠史さんとは、2018年3月にも「カルミナ・ブラーナ」で共演されていますね。このパートは第12曲“昔は湖にいたものさ”という、丸焼きにされてしまう白鳥の心情を歌った1曲だけに登場します。
「そのとき彼の繊細さと表現力が素晴らしくて、非常に感銘を受けたんです。今回も彼の歌唱にはとても満足しています。そもそもオルフの楽譜にはテノールと書いてありますが音域があまりにも高いのでしばしば、私のようにカウンターテナーを起用します。『カルミナ・ブラーナ』のテノールは1曲しか歌わないので非常に短く、歌詞を変えて2回繰り返すだけなのですが、彼はどの節でも異なる陰影や色調で表現してくれるので、とてもとても感謝しています。しかも彼は舞台上に白鳥のぬいぐるみを持って現れて、それがとても可笑しくひょうきんで素晴らしかった（笑）。『カルミナ・ブラーナ』には狂気や幻想も必要なのですが、それらを確実に彼はもらたしてくれたんです」
――日本ではカウンターテノールより、テノールが苦しそうに歌うことで白鳥の心情を表現する場合の方が多いような印象があります。
「実際、それも理にかなっているんですよね。それでも私がカウンターテノールを選んだのは、リリカルなテノールだとどうしてもある種の英雄的なサウンドを持っているからです。それに対してカウンターテノールはより甘美で夢のようでもあり、子どものようでもあるからこそ、この曲では薄気味悪く聴こえるのです。不気味でグロテスクであることを求められているのでカウンターテノールの声はぴったりだと考えています」
――合唱は、どちらも共演経験のある新国立劇場合唱団と世田谷ジュニア合唱団でしたね。
「新国立劇場合唱団とは何度も共演していますが、『カルミナ・ブラーナ』は2回目でした〔※熊川哲也が構成・演出・振付を手掛けたK-BALLET COMPANYとの共演〕。彼らとの共演がいつも楽しいのは、オペラにも演劇にも慣れていて、私のリクエストやアイデアにも慣れてくれているので、私たちがとても楽しい時間を過ごすことができたからです。今回のパフォーマンスで彼らは完全に自らを束縛することなく歌ってくれましたし、私はそれを演劇的なものにするためちょっとした振り付けも考案しました。彼らはすぐにそれを受け入れて、笑ってくれましたよ。そうして、私たちは『カルミナ・ブラーナ』に必要な火花が飛び散るような雰囲気を生み出すことができたと思います。特に第2部“酒場で”におけるコミカルなエピソードにおいて、日本の騒がしい〈イザカヤ〉のようなエネルギーが出せたことは非常に重要です（笑）。しかも彼らが歌うと実際より2倍の人数がいるかのように聴こえます。彼らの大きな強みには敬意を表したいですね」
――対して児童合唱が登場するのは2曲だけ。どちらも複数の声部には分かれませんが、第15曲“キューピッドは飛び回る”では完全なアカペラ。第22曲“歓びの時が来た”ではソプラノとユニゾンと、どちらも非常に目立ちます。
「彼らの歌うパートはとてもわずかで出番も少ないのです。非常に繊細かつ、純粋で正確な美しい音を響かせなければいけませんが、私は彼らの出来に心から満足しています。『カルミナ・ブラーナ』の他にもマーラーの交響曲第8番など、児童合唱を必要とする楽曲を日本で演奏してきましたが、今回共演した彼らだけでなく、日本の児童合唱団のレベルの高さにはいつも本当にビックリします。なかには楽譜も満足に読めない子もいるでしょうし、ましてやラテン語やドイツ語、あるいは『カルミナ・ブラーナ』のような古代の言語を話すことなど出来ないはずの子どもたちが、これらの楽曲の精神を生き生きと表現してしまうことに私は心の底から驚かされるんです。日本の音楽教育があらゆる面で間違いなく一流であることを証明していますよ」
――ここまで語ってくださった声楽パートの魅力を更に引き立てているのが管弦楽です。本作の特徴である繰り返しから生まれるグルーヴ感も素晴らしかったのですが、何よりその繰り返しが決して単調にならないことに驚かされました。
「ありがとうございます。少しずつ変化を加えることで魂が吹き込まれると考えているので、私たちは繰り返しごとに新しい要素を見つけようとしました。私が思うに、リズムに重点を置いた音楽を演奏する際には2つの可能性があります。ひとつは非常に機械的で残酷なほどリズミカルな解釈で、それはそれで非常に有効です。私はこちらのアプローチを批判しているわけではありません。ただもうひとつ、もっと人間的な可能性もあると思うのです。それは言葉を一緒に体験することで、音楽のなかで様々な色彩や雰囲気の違いを見出すやり方です。オルフに影響を与えたストラヴィンスキーの偉大なバレエ作品も、私にその方法を教えてくれました。それらは演劇作品であり、繰り返しの中で異なる色彩や音色、アクセントを見出せると武器になります。もっと多様性を生み出さなければならないのです」
――この「カルミナ・ブラーナ」のCDで、日本コロムビアからバッティストーニさんのアルバムが初めてリリースされてから2024年で10年という節目となります。多くのレコーディングの経験は、あなたの人生においてどんな影響をもたらしましたか?
「皆さまもご存知のように世界的にスタジオ・レコーディングの機会は本当に稀になってきています。ところが私がまだ若かった2014年頃、カルロ・フェリーチェ歌劇場で2日間にわたりレコーディングをさせていただけたというのは、私への本当に大きなプレゼントだったと思っています。また多くのライヴ・レコーディングを通して、自分の演奏を見直す機会を何度となくさせてもらえた経験は本当に有り難かったです。最新の技術でレコーディングされたものをこう細かく聴けるという体験は自分にとっても非常に大きな糧になりました。リスナーにはどのように聴こえているのか、そして自らの成長とはどういうものなのかを勉強させてもらえたのですから。この10年で学んだのは、成長するためには実際問題として音楽を演奏するよりも聴く方が重要ではないかということ。ある意味ではスコアを読み込むよりも、重要なことだと思うほどです。それほど重要な経験をさせていただけた日本コロムビアの皆さまにはとても感謝しています」
アンドレア・バッティストーニ（Andrea Battistoni）
1987年、ヴェローナ生まれ。国際的に頭角を現している同世代の最も重要な指揮者の一人と評されている。2013年ジェノヴァ・カルロ・フェリーチェ歌劇場の首席客演指揮者、2016年10月東京フィル首席指揮者に就任。「ナブッコ」、「リゴレット」、「蝶々夫人」（二期会）、グランドオペラ共同制作「アイーダ」のほか、ローマ三部作、“展覧会の絵”“春の祭典”等数多くの管弦楽プログラムで東京フィルを指揮。東京フィルとのコンサート形式オペラ「トゥーランドット」（2015年）、「イリス（あやめ）」（2016年）、「メフィストーフェレ」（2018年）で批評家、聴衆の双方から音楽界を牽引するスターとしての評価を得た。同コンビで日本コロムビア株式会社よりCDのリリースを継続している。
寄稿者プロフィール
小室敬幸（こむろ・たかゆき）
東京音楽大学で作曲を学んだ後、同大学院では音楽学を専攻。修了後は大学の助手と非常勤講師を経て、現在は音楽ライター。クラシック音楽、現代音楽、ジャズ、映画音楽を中心に演奏会やCDの曲目解説、雑誌やWEBメディアにインタビュー記事を執筆。また、現在進行形のジャズを紹介するMOOK「Jazz The New Chapter」にも寄稿している。共著に「聴かずぎらいのための吹奏楽入門」「commmons: schola〈音楽の学校〉vol.18 ピアノへの旅」。
