ミニマルミュージックの泰斗スティーヴ・ライヒにも絶賛されたコンテンポラリーポップバンド、東京塩麹を率いる額田大志は、演劇カンパニー＝ヌトミックを主宰するなど、演劇界でも注目の逸材だ。2022年の「ぼんやりブルース」で演劇界の芥川賞にあたる第66回岸田國士戯曲賞の最終候補作品にノミネートされ、演出家として第33回読売演劇大賞上半期ベスト5に選出されている。
そして、2025年11月22日（土）から30日（日）まで三軒茶屋シアタートラムで上演される「彼方の島たちの話」では、今年1月の吉祥寺シアターでの公演「何時までも果てしなく続く冒険」に続いて、生バンドが演奏を繰り広げる。メンバーは1月に引き続き、細井徳太郎（ギター）、渡健人（ドラム）、石垣陽菜（ベース）で、片桐はいりやヌトミック所属の俳優たちと共に舞台にあがる。額田が目指すのは〈新しい日本語の音楽劇〉とのことだ。そこで、SMTKやソロ、即興演奏の現場などで活躍する細井と額田に、互いの音楽観／演劇観や今回の舞台について語ってもらった。なお、大変濃密な対話となったため、前・後編にわけてお送りする。
柔軟な対応力が必要な現場で求められたギタリスト
――おふたりのなれそめから聞かせてください。
額田大志「最初は多分2019年。スガダイローさんと東京塩麹と対バンした時に、お客さんとして見に来てくれてた時ですかね」
細井徳太郎「厳密には誰かのライブをWWWに見に行って、入り口で共通の知り合いに紹介してもらったんだよ。びっくりするぐらいシャイなやつだな、という印象でした。すごく恥ずかしそうに、斜め45度下を見ていて（笑）」
額田「アハハ。そのあとにNHKのオーディオドラマ（NHK FMシアター『丘の上の干物屋』）の劇伴にギターで入ってもらったんだよね。
元々僕はプレイヤーというよりは作曲家なので、ライブの現場にいることが少ないんだけど、細井君は逆で、即興演奏も含めてライブが多いでしょう。今回のヌトミックの舞台で演奏してもらうことにしたのも、柔軟な対応力が必要とされる現場だから、それが即興演奏の技術と被る部分があると思ったからで。俳優さんの台詞や動きの機微みたいなものにちゃんとキャッチアップできるだろうと思ったんだよね。あとは、積極的に細井君のほうからアイディアも出してくれるし」
――エレキギターが欲しかった、というのと、細井さんが欲しかった、という両方がありますか?
額田「両方ですね。まず、電気楽器は出せる音色の幅が広いっていうのがありました。それと、台詞を言う俳優の声と帯域が合う楽器として、ギターがちょうどいいかな、というのと。
あと、僕らが今やろうとしていることは、過去の音楽劇の文脈をできるだけ接続しづらいものにしたいというのがあって。極端な話、三味線が入ったら日本的な文脈とどうしても結びついてしまうというか。あるいは、バイオリンとか弦楽器だったらオペラ的なものを連想させるかもしれない。楽器によってその音色が持ってるイメージが、固有の音楽劇と結びついちゃうことがある。そういう中で、ギターは比較的匿名性が高いってことが大きかったですね。それに、エレキギターってできてまだ歴史が浅いから、いかようにでも表現できる懐の広さが楽器自体にあるなっていうところですね」
細井「僕は1月の吉祥寺シアターの公演で初めてヌトミックでギターを弾いたけど、演劇に興味があるというよりは、額田大志という人がやっているヌトミックという劇団に興味があったんだよね。額田君が作るコミュニティであったりムーブメントであったりに興味を持った。こういうことをやってる同い年のヤツがいるんだって。
ただ、演劇だから特別いつもと違うというわけではなくて、いつも通りに演奏しているつもりで。僕はふだん音楽の現場で、即興音楽やジャズからオーバーグラウンドなポップスまでやっていますけど、それらと演劇に対しての距離って、自分が演奏する時のメンタリティや大事にしていることとの差はほとんどない。普段のライブと一緒」
俳優の演技や人となりを観察して生まれる演奏
――細井さんのパートは譜面があるんでしょうか? 〈まるで雲をつかむような演奏〉というト書きがあるところもあって、これは想像が膨らみそうで面白そうですね。
額田「細かく譜面に書いてるものもあれば、ざっくりしたお任せのものもあるし、両方ですね。もちろん任せるには任せるなりの意図があるので、それは伝えた上での作業になりますけど。例えばなにか不穏な感情を出したいっていう時に、譜面に細かく書くよりも、どんな音を鳴らしたいかを演奏者に委ねた方が単純に早いみたいな部分もあるし」
――ギターが主張しなかったらダメだけど、主張しすぎてもダメなのかな、と思ったんです。もちろん、場面にもよるんだろうけど、そのさじ加減が難しそうだなと。ただ、俳優の言った台詞に反応するっていう場合は、即興でやってきたことが活きてくるんじゃないかなと思うんですけど。
細井「今、反応って言い方をされましたけど、俳優の台詞やアクションに反応する場合はありますよね。でも、自分からも提示をしたりすることももちろんある。要するに相互作用なんですよね。
あと、それとは別にメンタル的な部分で、俳優や演出家とどれだけ話したかとか、ある俳優がどんな演技をする人なのか、どんな人なのかをどれだけ見てきたかとか、それも重要で。もっと言うと、稽古中にあるシーンをやる時に、そのシーンに何回もトライする俳優さんを見て、この人は台詞の中でどこを大事にしてるのかなとか、そういうのを一個一個観察しながら考える。自分も演奏しながら考えるんです。で、そうやって稽古中に蓄積されたものが、本番で出せるんじゃないかなと思っていて」
――脚本を読んでそれを理解することももちろん大事なんだろうけど、それだけではわからないことが稽古の現場で色々起きていて、情報として細井さんの中に入ってくるってことですね。だから、稽古場でのやりとりがなおさら重要になってくると。
細井「そういうことです」
人と人の間に壁があるからこそ立体的な表現になる
細井「あと額田君に聞きたかったことがあって。舞台で演奏する曲ができた時に、バッチリカッチリ弾いてほしい曲と、逆に詩的な表現だけがト書きとかであってフリーになっている場所がある。もしくはその間ぐらいに、トーナリティ（調性）とか拍子だけなんとなくあるケースもあったりする。要するにグラデーションがあると思うんだけど。それぞれを、なんていうのかな……どうやって振り分けてるの?」
額田「要するに余白をどれだけ設けるかっていう話だと思うんだけど、これはすごく難しいよね。まず台詞を第一に考えていくと自ずと他をどうしたらいいかが決まってくる。それは、音楽を軽んじているっていう意味ではなくて」
細井「なるほど。言葉っていうのは基本的に意味があるので、具体性を伴うと思うんだけど、音楽は歌詞がなければ基本的には抽象的な表現なので、身体に作用するみたいなイメージで演奏しているかも。言葉よりもイメージ」
額田「やっぱり余白の問題なんだろうな。例えば、朝遅刻しそうで急いで走ってますっていう場面に速い曲を当てるみたいなのは、余白があんまりないというか……」
細井「そうだね」
額田「今回の演奏者は3人とも、言語に強いというか、言葉を聴いてそこからどんなイメージを膨らませたらいいか、すごく繊細に作業していると思う。例えばアタックの強い台詞があった時にドラムでもアタックの強い音を叩く、みたいな直接的な演奏をドラムの渡君はやらないし」
――即興演奏でも、例えば相手が高い音を出したから低い音を出すとか、〈バンッ!〉って爆音を出してきたから、じゃあ自分も〈バンッ!〉って返すとかがあるじゃないですか。クリシェとして。でも、全く反応しないっていうのも反応の一つのあり方だったりしますよね。
細井「あー。思ったのが、反応として〈バンッ!〉っていう音に〈バンッ!〉って返すとかっていうのももちろんあり。ありっていうか、一つの方法として全然当たり前にあると思うんですけど、そうしないことで深みが出ることもある。反応しないことも一つの選択肢としてあるということによって、その場にいるのが例えば5人なら5人が音で会話をしていて、でもその間には壁がちゃんとあって、私が表現したいこと、あなたが表現したいことがそれぞれ存在する。その上で演奏や表現、パフォーマンスをしている。
その壁がまったくなくて一緒に演奏したら、平面的でのっぺりしたものになってしまう。立体的にならないというか、もしくは線や面にしかならないというのかな。でも間に壁があるのが前提でそれぞれの音が少しずつ重なっていったら、立体的な表現になると思う。それは即興演奏でも、歌ものでもポップスでも演劇でも同じことだなと思っていて。そういう深みの出し方ってあると思うんです」
――今のお話をうかがっていると、俳優の身体とか台詞に反応する場合と、細井さんがきっかけを作る場合と両方ある、ということなんでしょうね。
額田「こうしたいんだみたいな欲求が俳優から出る場合と、細井君がきっかけを起こす場合と、両方あっていいと思っていて。お互いが共存できるような状態にしたいんですよね」
ギターは人の声と似ている
額田「ちなみに、ギターだからこそ自由な部分、不自由な部分ってどんなところ?」
細井「結構難しい質問投げてきたな（笑）! ギターだからこそっていうことね。うーん、そうだね、なんだろうな……。あ! ってかそもそもあるわ。ある。俺がギターを弾いてるからそう言える部分ももちろんあるんだけど、ギターって人の声と似てるんだよね。だから今しゃべってるぐらいの感じで演奏できればなって思ってるかな。うん。
一昨日読み合わせをした時、俺、それぞれの俳優さんがどういうふうに声を出すかをガリ勉的に分析してたんだけどさ。意味が出ている帯域と、ニュアンスの部分が出ている帯域が人それぞれ全然違うんだよね。その人の声の土台みたいな帯域がどの辺りかとか、その声が鳴っている位置は高いのか低いのかとか、空気をどれくらい含んでいて、どれくらいニュアンスに繋がるノイズが鳴っているのか、そして言葉の意味はどの部分にくっついて出しているのか。また、それがどんな風にその人の中で変容して出力されるのか、その変え方はどんな風なのか……とか。そこはみんなバラバラなのが面白くて、多分それぞれの表現とかその場で出したい声に応じてニュアンスがメタモルフォーゼしていくんだけど……。だから意味として出したい部分とニュアンスとして出したい部分っていうのが混ざってるというか」
額田「俳優の演技に演奏を当てる時に意識してるのは?」
細井「距離感だね。今、意味とニュアンスっていう風にざっくり分けたけど、意味に意味を当てて近づける時もあるし、離す時もあるし。そういう意味での距離の取り方かな。近い、遠い、濃い、薄い、軽い、重い、上なのか下なのかとか、そういったところはめちゃめちゃ意識してる。
それはやっぱり楽器対楽器で即興演奏をやっていても、もしかしたら手に入りづらい技術かもしれない。作品を作っていく中で色んなシーンに何度もトライする俳優さんに対して自分自身も工夫しながら演奏することで手に入ったスキルだなって思ってる」
演劇と音楽は〈自由〉か?
――演劇も音楽も、それぞれ自由な部分と不自由な部分があると思うんですけど、具体的に何か例はありますか?
額田「演劇は創作上の制限が多いという意味で、不自由なメディアだと思うんですよ。例えば、ある程度の人数でテレビドラマとか映画を作る時ってカットが簡単に変えられるけど、演劇はそんな簡単にいかない。
あと、そもそも劇作というのがかなり難易度の高い作業なので。昔、小説家は劇作をできて一人前みたいな風に言われてた時代もあったぐらい、戯曲は難しい技術だと思う。でもその一方で、目の前に観客がいるから、非ドラマ的なこととかを起こしやすいっていうのはポイントだと思う。あと、反転が難しいと思う」
細井「反転?」
額田「これは、サウンドインスタレーションの細井美裕さんと作品を作った時によく話題に出たんですけど、演劇って2時間とか上演するじゃないですか。だから、この人は悪い人だと思ったら実はいい人で、いや、でもやっぱり悪い人で、みたいな関係性の反転を見せることができる。
一方、音楽のライブはそもそもあるミュージシャンやバンドが元々好きな人が見に行くって感じだから、確認作業みたいなところもあると思うんだけど、演劇は違うよね。そこは難しくもあり、面白いところでもあるけど」
細井「自由なのはどんなところ?」
額田「今回の作品で言うと、〈もし〇〇だったら〉みたいな話をみんなするでしょう。要するにその人が何層にも存在するみたいなことができる。実際にしゃべっているのはひとりなのに。
あと、もっとシンプルに目の前で人がしゃべっていることが面白いと、それだけで作品が進められるっていうのは結構でかいよね。ドラマや映画はストーリーが大事だけど、演劇って目の前に観客がいるってことが推進力になるというか。音楽はどうなんだろう……」
細井「なんか俺が答えるみたいな流れになってるけど（笑）、音楽はあまり自由ではないかな。どこで鳴らされる音楽なのか、誰がやる音楽なのか、誰とやる音楽なのか、何の曲をやるのか、何の楽器をやるのかっていう風に言っていくと、ちょっとずつ不自由になっていくわけで」
額田「よく〈音を楽しむから音楽だ〉みたいなことを言う人がいるけど、そんなことは全くないと思うしなあ。いや、もちろんそういう考え方もあるとは思うのだけれど……」
細井「本当だよ。楽しくなければ音楽じゃないって言ったら、もうほとんどは音楽じゃないよ」
――〈自由にやりたいです〉っていう人がどれだけ自由にやれているのか、っていう問題もあるし。
細井「自由にやりたいっていうチョイスがある時点であまり自由じゃないようにも感じてしまうな。二択じゃん! みたいな。自由 or 不自由っていう」
INFORMATION
世田谷パブリックシアター フィーチャードシアター
ヌトミック『彼方の島たちの話』
作・演出・音楽：額田大志
2025年11月22日（土）-30日（日）
会場：シアタートラム
遥か彼方の生と死が繋がり出す、演劇カンパニー・ヌトミックが描く新作音楽劇。
父の弔いのために海岸へ訪れた私は、とある女性と出会う。この景色に見覚えがある、と呟く女性は、ふとしたことから1万年前の記憶を語りだす。思い出を辿って現れる人々は口々に話しだし、出会うはずのない物事が重なり合い、混線した記憶の中、私たちは船を漕ぎ出して……。
全編を通じた生演奏とラップのような語り、歌と台詞の境界を行き来する声により、日本語音楽劇の新たな地平を切り開く。遥か遠い死への眼差しを描いた、ヌトミックの新作公演!
■出演
稲継美保、片桐はいり、金沢青児、東野良平、長沼航（ヌトミック）、原田つむぎ（ヌトミック）
ギター：細井徳太郎 ベース：石垣陽菜 ドラム：渡健人
■公演スケジュール
2025年
11月22日（土）18:00
11月23日（日）13:00
11月24日（月・祝）13:00
11月25日（火）休演日
11月26日（水）19:00
11月27日（木）19:00
11月28日（金）14:00
11月29日（土）13:00・18:00
11月30日（日）13:00
＊ロビー開場は開演45分前、開場は開演30分前
＊一部公演にてアフタートークを開催予定
■チケット発売
一般発売：2025年9月6日（土）10:00 ※早割は9月30日（火）まで
世田谷パブリックシアター友の会先行：2025年9月4日（木）
せたがやアーツカード先行：2025年9月5日（金）
■料金（全席指定）
一般：早割 4,500円*／前売 5,500円／当日 6,000円
U30（30歳以下）：前売 3,500円／当日 4,000円
U18（18歳以下）：前売 1,000円／当日 4,000円
世田谷パブリックシアター友の会割引：4,500円*（前売のみ／要事前登録）
せたがやアーツカード割引：5,300円*（前売のみ／要事前登録・世田谷区在住の方対象）
*＝枚数限定
［車椅子スペースのご案内］（定員有・要予約）
料金：一般料金より10％割引（付添者は1名まで無料）
申込：劇場チケットセンター03-5432-1515へ（先着順）
［託児サービスのご案内］（定員有・要予約）
料金：2,600円
対象：生後6ヶ月以上9歳未満（障害のあるお子様についてはご相談ください）
申込：ご利用希望日の1週間前までに劇場HP〈託児サービスお申込みフォーム〉からのお申込み
■取り扱い
・世田谷パブリックシアターチケットセンター
03-5432-1515（電話・窓口：10:00〜19:00、発売初日は電話のみ） https://setagaya-pt.jp/
・イープラス
・ローソンチケット
・演劇最強論-ing〈会員登録不要・各種手数料無料〉
＊U18は劇場チケットセンター、演劇最強論-ingにて取り扱い。
＊U30、U18をご予約のお客様は当日要証明書提示。
＊未就学児はご入場いただけません。
■会場
シアタートラム
〒154-0004 東京都世田谷区太子堂4-1-1 Tel. 03-5432-1526
三軒茶屋駅［東急田園都市線（渋谷より2駅・5分）・世田谷線］より直結
■お客様お問い合わせ
ヌトミック
Mail：nuthmique@gmail.com
■スタッフ・クレジット
作・演出・音楽：額田大志
音響：稲荷森健
照明：松本永（eimatsumoto Co.Ltd.）
照明操作：佐々木夕貴（eimatsumoto Co.Ltd.）
舞台美術：佐々木文美
衣裳：臼井梨恵
舞台監督：中西隆雄
演出助手：中野真由子
宣伝美術：関川航平
広報：冠那菜奈
制作：河野遥、清水聡美
イマーシブオーディオ技術協力：株式会社ヤマハミュージックジャパン、ヤマハサウンドシステム株式会社
協力：スターダストプロモーション、劇団「地蔵中毒」、MASH、東京デスロック、散策者、快快（FAIFAI）、モモンガ・コンプレックス、青年団、みんなのひろば、急な坂スタジオ
助成：アーツカウンシル東京［東京芸術文化創造発信助成（単年助成）］芸術創造活動
公益財団法人セゾン文化財団
提携：公益財団法人せたがや文化財団 世田谷パブリックシアター
後援：世田谷区
企画制作・主催：ヌトミック
※フィーチャード・シアターとは
世田谷パブリックシアターが新たな才能と出会うために2024年度からスタートしたプログラム。白井晃芸術監督の推薦するアーティストやカンパニーが〈フィーチャード・シアター〉として招聘され、劇場のサポートを受けながら公演を行うことができる。
PROFILE: 額田大志
作曲家、演出家、劇作家。1992年東京都出身。東京藝術大学在学中にコンテンポラリーポップバンド〈東京塩麹〉結成。2016年より演劇カンパニー〈ヌトミック〉を率いる。〈上演とは何か〉という問いをベースに、音楽のバックグラウンドを用いた劇作と演出で、音楽劇の枠組みを拡張していく作品を創作している。
