新時代のジャズ・ガイド〈Jazz The New Chapter（以下JTNC）〉で旋風を巻き起こした気鋭の音楽評論家・柳樂光隆が、人種／国籍／ジャンルなどの垣根を越境し、新たな現在進行形の音楽をクリエイトしようとしているミュージシャンに迫るインタヴュー連載「〈越境〉するプレイヤーたち」。登場するのは、柳樂氏が日本人を中心に独自にセレクト／取材する〈いまもっとも気になる音楽家〉たち。第3回は、NYで活躍する新進気鋭のジャズ作曲家、挾間美帆が登場。この前編では、ジャズ・オーケストラの可能性を刷新する注目すべき新作『Time River』を発表した才媛のキャリアとバックグラウンドに迫った。（Mikiki編集部）
 

ロバート・グラスパーの活躍ぶりにも匹敵しそうな革新が、ジャズ・ビッグバンドの世界で起こっているのはご存知だろうか?　ロックならレディオヘッド、ブラック・ミュージックでいえばディアンジァロにも匹敵する激変をもたらした作／編曲家のマリア・シュナイダーに端を発するこの流れは、オールドスクールなイメージの強かったビッグバンドを最先端の音響装置として生まれ変わらせ、ジャズにおけるアンサンブルの可能性をも進化／拡張させてしまったといっても過言ではない。

そんなシーンの最先端に身を投じているのが挟間美帆だ。国立音楽大学で作曲を専攻し、クラシックからジャズへと転向しながら在学中より幅広く音楽活動に身を投じていた彼女は、2010年にNYへ渡りマンハッタン音楽院大学院に留学。卒業後は〈ジャズ作曲家〉を名乗り、2012年に最初のアルバム『Journey to Journey』を発表し、マリアが切り拓いたジャズ・アンサンブルの可能性を追い求めてNYで活動を続けている。2015年にはNHKドラマ「ランチのアッコちゃん」の音楽も手掛けた一方、最新作『Time River』では挑戦的な音楽性をさらにアップデート。大胆かつ軽やかにクロスオーヴァーしながら新たなサウンドを模索する彼女に、これまでのキャリアや独自の音楽観、そして新作の話に至るまでたっぷりと語ってもらった。ちなみに先日刊行した〈JTNC3〉ではラージ・アンサンブルの現在進行形を紹介する特集を組んでおり、そこでも当事者である彼女にシーンのリアルな現状について語っていただいたので、併せてご覧になっていただければ幸いだ。

★後編はこちら 
★〈挾間美帆 m_unit　ニュー・アルバム 『タイム・リヴァー』 発売記念ライヴ〉
10月15日（木）開催、詳細はこちら 

★連載【〈越境〉するプレイヤー達】の記事一覧はこちら
★〈Jazz The New Chapter 3〉紹介記事はこちら 

挾間美帆 Time River Verve／ユニバーサル（2015）

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DE DE MOUSEや坂本龍一、エヴァンゲリオンから
メトロポール・オーケストラまで多岐に渡る活動経歴 

――DE DE MOUSEさんのライヴ・サポートもされてたんですよね?

「大学生の時ですね。〈フジロック〉に出てる時の動画がYouTubeにあって。うしろで飛び跳ねてるのが私（笑）」

――きっかけは？

「DE DE MOUSEさんが（譜面がなくても）いますぐ音が取れて、曲を全部暗記して演奏できるキーボードを探しているという話が彼のレーベル経由で来たんです。それで一回スタジオに入って、なぜかそのまま一緒にやることになって。それまで（DE DE MOUSEの曲を）一回も聴いたことがなかったし、当時勉強していたクラシックの作曲セオリーとは違うことがいっぱいありすぎて、初めて聴いたときは〈なんじゃこりゃ!?〉という感じだったんですけど（笑）。味があってクセになるもので、しばらくすると〈楽しい!〉に変わってきて。結局2年くらいやったんじゃないかな。ラッキーなことに〈フジロック〉や〈朝霧JAM〉、幕張の〈COUNTDOWN JAPAN〉にも出させてもらいました。留学することになって辞めちゃったんですけど。去年も渋谷でライヴを観たし、いまも仲良しです」

――僕が挾間さんを最初に聴いたのは、“タルカス”の編曲版でした。

「そうだったんですか!　それはたぶん、佐渡裕さん繋がりで来た仕事だと思います。吉松隆さんが、“タルカス”を管弦楽のオーケストラ用に書きなおしてくださっていたんですよ。吉松さんはオーケストラ以外の譜面を書かないっておっしゃっていて、それで私のところに話が来ました。もともとあったオーケストラの譜面を、吹奏楽向けにアレンジしたんですね」

――坂本龍一さんともコンサートでお仕事されてますよね。

「坂本さんのお話は、2013年の5月に坂本さんご自身が何年かぶりにオーケストラと一緒にツアーをするという企画があって（〈Playing the orchestra 2013〉、のちにライヴCDもリリースされた）。それが東フィル（東京フィルハーモニー交響楽団）と一緒だったんですけど、そのときに、坂本さんがよく一緒に組む写譜チームの方も私の名前を出してくださったみたいなんです」

――アニメのお仕事もいろいろと。

「アニメは鷺巣詩郎さんのチームでオーケストラをやってますね。『ヱヴァンゲリヲン新劇場版』のシリーズを2011年くらいから。鷺巣さんがもともと大のジャズ・ファンなんですよ。クレア・フィッシャーとマイケル・ブレッカーのCDが送られてきて、〈これみたいに書いて!〉と要望が来たので、彼らやジェレミー・ルボックとか、超アヴァンギャルドと言われる書き手のストリングス・アレンジを全部勉強して取り組みました（笑）」

――さすが（笑）。

「勉強になりましたし、すごく楽しかったです。2013年に『SHIRO'S SONGBOOK 'Xpressions'』というアルバムのために、ワルシャワでオーケストラと一緒にやったんですけど、ホルンが6人で管楽器が3人みたいな超どデカいオーケストラなんですよ。もうね、やることが普通じゃないです。ちなみに、ほとんどのプロジェクトは、公開されるまでなんの仕事をしてるのか教えてもらえなかったんですよ。どういう作品のためにアレンジを書いてるのか全然わからないんです。それで、劇場公開の1週間くらい前になって〈挟間さんの音楽はクライマックスで使われてるから観てくださいね〉と招待券が送られてきて、パッと見たら『ヱヴァンゲリヲン新劇場版:Q』って書いてあって。〈エヴァって、あの有名なやつ!?〉みたいな（笑）」

――そうだったんですか。挟間さんが〈エヴァ〉の曲にも関わっていたなんて知らなかったです。

「サウンドトラックのCDでは鷺巣さんのご好意で、私も含めたオーケストレーターの名前を出してもらってます。ちなみに、録音はアビー・ロード・スタジオでしたね。それと、ロンドンにあるAIRスタジオも使ってました。ヴィンス・メンドーサがジョニ・ミッチェルの『Both Sides Now』を録ったところですね」

―そういえば、ヴィンス・メンドーサがお好きなんですよね?

「大好き!　ジム・ベアードとヴィンス・メンドーサの『Revolutions』は名盤だと思います」

――ヴィンス・メンドーサとも縁が深い、メトロポール・オーケストラとも挟間さんは携わっていて。

「2011年の2月に、メトロポール・オーケストラがヴィンス・メンドーサと一緒に世界各国から7～8人のアレンジャーや作／編曲家を集めてワークショップを開いていて、そこに参加して以来いくつかのプロジェクトに参加させてもらっています」

――オランダのメトロポールといえば、最近だとスナーキー・パピー『Sylva』も話題になりましたが、どんなオーケストラなんですか?（参考記事はこちら）

「世界で唯一のプロフェッショナルなジャズ管弦楽団なので、あそこまで弦楽器がリズム隊と上手につけられるセクションは他にないと思いますし、演奏は個性的というよりも器用ですね。私が（ワークショップに）行った2011年当時はラジオ局が運営していたので、予算もあったしメンバーもすごかった。それこそ、ヴィンス・メンドーサをLAからわざわざ呼び寄せてミュージック・ディレクターをやらせていたくらいですから。毎年のようにグラミーにもノミネートされていたし、ラージ・アンサンブルという音楽形態をどんどん新しくしていきましたね。HRビッグバンド（ドイツ・フランクフルトのHR＝ヘッセン放送協会が運営するビッグバンド）とWDRビッグバンド（ケルンの西ドイツ放送が運営）、ブリュッセル・ジャズ・オーケストラ、ストックホルム、SDR（南ドイツ放送協会）あたりは、お金を懸けて新しいジャズ・ラージ・アンサンブルを創りだそうとしているように思いますね。残念ながら、どれもアメリカじゃないんですけど（笑）」

――ビッグバンドとかラージ・アンサンブルは運営にどうしてもお金がかかりますもんね。奏者もみんな一流揃いですし。

「そう、本当に大変。特にメトロポールは名物奏者が多いんですよね。以前いたトランペットの4番のルード・ブルース（Ruud Breuls）とか、ほかにもバート・ファン・リール（Bart Van Lier）も世界を代表するようなトロンボーン奏者だったりと、貴重な人がいっぱい。リズム隊もスターばっかりで」

――そんな人たちがいるメトロポールとの仕事は楽しいですか？

「楽しいですね!　演奏する曲も楽しいものが多いし、何でも器用にやってくれるのはわかっているので、チャレンジングなものというか、たとえばリズミックで弦楽器の人にとってはやりづらそうなアレンジを書いても全然平気。私のバンド（m_unit）の拡大版みたいな感じで書いても、まったく問題ないんですよね。だから、クラシックのオーケストラ用のとは全然違った書き方をしています」

転機となったビッグバンドとマリア・シュナイダーとの出会い
ジャズ作曲家となるためにNY留学で学んだもの 

――大学の時は基本的にクラシックを勉強していたんですよね?

「そうです。個人レッスンはクラシックの作曲の先生に習っていて、それは真面目にやりました」

――もともとジャズをやり始めたのも、大学でビッグバンドの演奏を観たのがきっかけだったそうで。

「新入生の歓迎演奏会にたまたま通りかかって、〈なんじゃこりゃ!?〉みたいな（笑）。それまでは本当にクラシック一筋でジャズは聴くだけの人間だったけど、それでニュータイド（Newtide Jazz Orchestra：国立音楽大学の学生ビッグバンド）に入ったんです。学校はすごくつまらなくて辞めたかったんですけど、この出会いのおかげで踏みとどまりました」

――へぇー。

「そのころは〈山野ビックバンド・ジャズ・コンテスト〉に出るのがステータスでしたね。ニュータイドはカウント・ベイシーとかの曲もやってましたけど、もっと近現代というか、いま生きている作曲家の曲をやることも多くなってました。ゴードン・グッドウィンズ・ビッグ・ファット・バンドとかボブ・フローレンスのバンドとか、マリア・シュナイダーもそうだし、あとはミシェル・カミロとかハービー・ハンコックの曲のビッグバンド・ヴァージョンもやってましたね。それで、大会に出ているバンドでカッコいいのがいると思ったら、慶応義塾大学のライト・ミュージック・ソサイェティーだったんですよ。彼らはジム・マクニーリーやマイク・ホロバーの曲を演奏していて、それがこのあとの話にも繋がってくるわけです」
※山野ビックバンド・ジャズ・コンテスト
山野楽器が主催する、日本の学生ビッグバンド・ジャズオーケストラを対象とした音楽コンクール

――そうか、そういうところにいたんですね。

「私はここでマリア・シュナイダーを知ったんです。それでライトがすごく好きで、エキストラで乗せてもらいにいったら、そのときのコンサート・マスターが帰国子女で、のちに私が留学したMSM（マンハッタン音楽院）のプリ・カレッジ（大学に入る前の高校生が、土曜日に通うコース）出身だった。その子に〈こういう音楽が好きなら、きっとヴィンス・メンドーサも好きだよ〉と薦められて、御茶ノ水のジャズに強いレコード店まで探しに行ったのに1枚も置いてなくて。仕方がないからマリア・シュナイダーを買って帰って来た記憶があります」

――マリア・シュナイダーは当時だったら『Evanescence』とかですか。

「私は未だに『Evanescence』が一番好きですけど、当時の最新作は『Concert In The Garden』（2005）かな。『Evanescence』も流行ってましたよね（『Evanescence』は94年作で、2005年に再発）。何はともあれ“Hang Gliding”（2000年作『Allégresse』収録）と“Wyrgly”と“Last Season”（共に『Evanescence』収録）ですよ。私の中で鉄板はその3曲です」 

――マリア・シュナイダーやヴィンス・メンドーサを好きになったのは、クラシックをやっていたことも関係あるんですかね。

「いや、なぜかよくわからないけど、とにかく好きになりました（笑）。いま考えれば絶対そうだと思うんですけどね。泣く子も黙るブラス・サウンドをバーン!と鳴らすビッグバンドの典型的な感じではなくて、クラシック的なアプローチを元に繊細で入り組んだ、一発で弾くと大して音も鳴らないような〈どうなってるんだ、これは!?〉って譜面なんですよね。当時はそういう音楽にあまり触れたことがなかったから、どれも新しく感じたし。それに、〈もしかしたら自分でも作れるかも知れない〉と思ったんですよ。日本でそういうことをやってる人が、そのころはいなかった気がして。自分が漠然と思い描いていた音楽とも一番近かった」

――大学時代は現代音楽も学んでいたらしいじゃないですか。

「私が師事していた夏田昌和さんという教授は、空間を利用した音響効果を計算して、そこからセオリーを組み立てるスペクトル音楽という作曲技法に長けてたんです。なので、理論や計画を用意してから曲を書くことを前提としてレッスンが進んでいたような気がしますね。譜面を持っていっても、〈これのコンセプトはなんだったの?〉とか〈なんでこの音は必要なの?〉とか訊かれる事が多くて、答えられないと〈書き直しなさい〉と言われるんです。でも先生の作品には、セオリーがあるのにそれを感じさせない、美しい瞬間があったりするわけですよ。そういうのっておもしろいなぁと思って。私も図形を使ったり、折り紙を折って糊でくっつけてみたりして、すごい感覚的なんだけどセオリーをなんとか作ろうと頑張ってみましたね。そのときの経験もあって、『Time River』に収録された“Fugue”は作曲前に8x8の譜表に数字を当てはめた表を作って、その表に沿ってモチーフを組み立てて行きました。いまでもセオリーで考えたりもします」

――そして、NYに留学するわけですよね。

「別にNYじゃなくてもよかったんですよ。ヴィンス・メンドーサかマリア・シュナイダーか、それかジム・マクニーリーかギル・ゴールドスタインが教えているところに行ければよかった。彼らに会ったら何か人生が変わるかもしれないと思って。大学では無調の音楽を作ったり、映画音楽みたいなコースにも入ったりしていたけど、どれもピンと来なかったというか。〈これをするために、いままで作曲を勉強してきたんだっけ?〉みたいに考えて、大学4年生くらいで夢を見失いかけてしまったんです。そういうときに山下洋輔さんや佐渡裕さんと知り合えたのはすごく大きかった。おかげで作曲家としてアーティストになるという決意を、大いに後押ししてもらえました。アメリカにはそういうアーティストが既にいるわけだし、その人達の作品はどれも好きで親近感も抱いていた。だからとりあえず、その人達が教えているであろう学校を全部受けてみたんです。それで受かったのがMSMでした」
※マンハッタン音楽院（The Manhattan School of Music）
NYはマンハッタンで1917年に創立されたクラシック／ジャズの名門音楽院。第一線の音楽家が授業を行うことで有名で、多くの才能を輩出している。ビリー・ジョエルやハービー・ハンコック、ジェイソン・モラン、クリス・ポッター、ミゲル・ゼノンも同校の出身。

――ジム・マクニーリーが教えているんでしたっけ。

「そうですね。あとマリア・シュナイダーがマスタークラス（公開レッスン授業）を受け持っているのがMSMとバークリーだと聞いていたので、ちょうどいいと思って」

――じゃあ、マリアの授業も受けました?

「入ってすぐにマスタークラスもありました。でもそのときはまだ面識も全然ないので、コンポーザーの生徒として挨拶するくらい。〈あなたの大ファンです〉と伝えておしまいでしたけど（笑）」

――ジム・マクニーリーのレッスンはどうでした？

「その頃はインスピレーション任せで曲を作ることが多くて、最初のレッスンで持っていったら〈この音はなんでここにあるの?〉と訊かれて。それでジムがスケッチブックを手にして〈曲を作る前に、こうやってスケッチをしてから書くんだよ〉とか、〈物語やコンセプト、曲のフォームとか、書き始める前に何かしら根拠があったほうが作品の中身が充実する〉とか言うんです。〈これじゃ日本で最初に受けた授業と一緒じゃんか!〉と思って（笑）。4年間やってきたことを水の泡にしたような気がして、〈何をやってるんだ〉と反省しましたね。でも、最初にそう言われて逆にやりやすかったです。いままで学んできたことと同じアプローチで出来るわけだから。そこからは常におもしろいアイディアを考えるようになって、サウンド的に面白そうだと思ったら試してみたり、ギル・エヴァンスのオーケストレーションが全然理解できなかったので真似してみたりとか、何かしら目標を作って取り組んでいきました」

――その後の教え方はどんな感じでしたか?

「ジムは〈自分の背中を見て育ってくれ〉みたいな感じかな。BMIコンポーザーズ・ワークショップ(http://www.bmi.com/genres/entry/bmi_jazz_composers_workshop）という、私もMSM卒業後に所属していた、プロを目指す作曲家のためのワークショップがNYにあるんですけど。そこでも昨シーズンまでジム・マクニーリーとマイク・ホロバーがミュージック・ディレクターとして一緒に教えていたんですよ。マイクは〈このオーケストレーションはどうかと思う、僕はこっちの方が良いと思う〉とか結構細かくアドバイスしてくれるんですけど、ジムは持って行くと〈いいね!　じゃあ続き書いてきて〉で終わっちゃうから、自分のわからないことは予め質問を用意するようにしてました。そうすると、自分の作品をiPhoneで聴かせてくれながら〈僕はこういうふうにしたから、君もそうしてみたほうがいいかも〉とか具体的に答えてくれて」

――曲を日々作っている人の過程を見て学ぶみたいな。

「そうそう、ザ・現役なので。HRビッグバンドでもすごい量の新作を書いているから、それを授業でも聴かせてもらったりとか。あとは譜面を見せたりして、〈こういうふうに出来るよう頑張りなさい〉的な教え方でしたね」

――〈フレッド・ハーシュの教え方がとにかく厳しい〉みたいな話はよく聞くので、そう考えると珍しいですね。

「心構えというか人間性も含めて、プロになるとはどういうことかを見て盗めたので、いい環境だったと思います。それに、ジャズ作曲家の実情も知ることができましたし。ジムですらNYでは作曲家としての仕事をしていなくて、自分の名義でライヴもやっていない。アメリカでは教える仕事がほとんどで、音楽家としての活動はヨーロッパが拠点なんですよ。そういうふうに、尊敬している人達の後ろ姿をリアルタイムで追うことが出来たのは大きかったです」

――NYの状況って厳しいんですね。

「『Time River』に参加してくれたエンジニアのブライアン（・モンゴメリー）も、〈こんなご時世に、この2～3年でこれだけ多くのビッグバンド・アルバムが出ているの不思議でしょうがない。みんなどこからそんな金が湧いてくるんだ?〉みたいに言ってましたね。作曲家は自分のブランドを作曲で示すしかないけど、そういう仕事がNYにあるわけじゃないから、自分を発信するためには結局バンドを持つしか方法がないわけですよ。じゃあ自分でやるか!って考える人がいま増えてるんだと思う」

――でも、ビッグバンドのシーンって最近とにかく面白いですよね。新しい作曲家が面白い作品を次々と出している。

「そうなんです!　そういったなかで私はジャズ・チェンバーで個性を出していきたいと思っていて、〈オーケストラとの架け橋といえば挟間美帆〉みたいに言われるようになっていきたい。ブランドがはっきりしているのが重要だし、そういう人が増えているのが面白いんですよね。プログレッシヴな作風だったら絶対ネイサン・パーカー・スミスだし、ダーシー・ジェームス・アーギューは幾何学的な音楽性で、ギジェルモ・クラインのようにアルゼンチンからもユニークな才能が生まれている」

★新作『Time River』について掘り下げた後編はこちら

〈挾間美帆 m_unit　ニュー・アルバム
『タイム・リヴァー』 発売記念ライヴ〉
日時／会場：2015年10月15日（木）　BLUE NOTE TOKYO
開場／開演：
1stショウ17:30開場／19:00開演
2ndショウ20:45開場／21:30開演
ミュージック・チャージ： 6,800円

http://www.bluenote.co.jp/jp/artists/miho-hazama/